Share
Je hebt uren, mogelijk dagen aan een illustratie besteed. Dit is het enige vectorstuk waar je waanzinnig trots op bent, maar iets klopt niet. Er zit iets niet goed en je hebt geen idee wat het is. Zolang je weet dat er iets mis is met je illustratie, ben je er halverwege om het te verbeteren.
In dit artikel ga ik je vertellen over de Seven Vector Sins. Zonden waar je misschien schuldig aan bent en waarom je het verkeerd doet. Wat nog belangrijker is, hoe je op het juiste pad naar vectorheilige kunt komen. Ik zal je enkele voorbeelden geven van epische vectorstoringen, dankzij een aantal van mijn veel oudere werk dat ik nu kan terugzien en de handpalm kan zien. Dit artikel kan zijn dat je een trap op de kop moet zetten om je werk naar het volgende niveau te brengen, dus laten we ermee beginnen!
Laten we beginnen met waarschijnlijk de moeilijkste om te repareren. Als je problemen hebt met kleuren, is de kans groot dat je een paar lessen in kleurentheorie nodig hebt. Leren kleuren in balans te brengen en ze op een effectieve manier te gebruiken om je concept en elke emotie over te brengen, is een kunst op zich.
Over kleurbalans gesproken, ik ging door een vreselijke fase van het plaatsen van willekeurige gradiënten in de achtergronden van mijn portretten, omdat ik niet zeker wist welke kleuren er goed uitzagen. Dus ik zou twee kleuren uit het portret (hieronder uit de ogen en oogschaduw) proeven en vulde gewoon de achtergrond. Natuurlijk was deze methode niet altijd effectief en zou ik eindigen met botsende kleuren ... felrode lippen met die achtergrond? Werkelijk? Je mag in de war zijn, maar het zal niet de laatste keer in dit artikel zijn dat je dit doet.
Er is geen gemakkelijke oplossing voor, omdat je misschien jezelf moet pushen om de manier te veranderen waarop je de kleur benadert ... Ik zou moeten weten dat het iets is dat ik zelf moeilijk heb gevonden. Er zijn veel tutorials die over kleurentheorie praten en hoe je je handwerk erop kunt toepassen. We hebben er bijvoorbeeld veel op Tuts +: kleurentheorie in illustratie, kleurentheorie in webdesign en zelfs onze Mobiletuts + -site is bezig, omdat ze hun lezers informeren over hun inleiding tot de kleurentheorie. Het is niet iets waar je gewoon een artikel over kunt lezen en dat is het, jij bent de kleurontwerpgoeroe van het jaar. Je moet deze vaardigheden in de praktijk brengen om ze te perfectioneren. Het zal met de tijd komen.
Als je angstig bent en je kleurenproblemen moet oplossen, dan zijn er verschillende manieren om jezelf binnen vector te helpen, met name in Adobe Illustrator. Ik raad u aan mijn artikel over gebruik te lezen Adobe Kuler, die ook over de kleurbronnen van Illustrator gaat.
Dit gaat extreem klinken, maar weet je hoe ik leer over het in balans brengen van kleuren? Ik kleur mijn haar felle kleuren. Het dwingt me om mijn kleding, make-up en haar te coördineren. Het is een oppervlakkig iets om te doen en zeker, ik ben dol op het hebben van felroze haar deze dagen, maar het heeft me gedwongen om letterlijk oog in oog te komen met iets dat ik nodig had om goed en vol vertrouwen te leren.
Gerelateerd aan kleuren, maar niet strikt iets dat je kunt aanpassen door ze correct te leren gebruiken. Dit heeft meer te maken met hoe we naar verschillende delen van een illustratie kijken. U hebt vaak één proces voor één oppervlak van een illustratie en vervolgens een ander voor een ander oppervlak. Deze processen kunnen verschillende manieren bevatten om de kleuren te kiezen die je op je illustratie toepast, of het kan zijn dat je het proces van iemand anders hebt overgenomen zoals je eigen, dus geen tijd had om het te veranderen om de stijl te volgen die je gewend bent. Ik zal u een voorbeeld uit mijn verleden laten zien, misschien kunt u zien wat ik op het punt sta te wijzen.
Ik heb ongeveer 10 jaar geleden dit portret van Alyson Hannigan verweten. Afgaande op de weergave van problemen, heeft dit portret contrastproblemen. Ik heb niet genoeg contrast aan de huid toegevoegd, maar toch heb ik contrast aan het haar kunnen toevoegen. Je kunt duidelijk aan de rechterkant van het portret zien dat er schaduw onder haar zit en er is schaduw aan de wortels en een glans aan het haar. Er is echter weinig contrast in de huid, waardoor ze eruitziet alsof ze geen neus heeft en haar kaaklijn definitie mist. Niet erg vleiend is het?
Controleer eerst uw monitorinstellingen, zorg ervoor dat u het contrast juist ziet. Klinkt gek, maar het kan je heel wat frustratie en tijd besparen!
Er is een snelle oplossing als u contrastproblemen hebt over de hele illustratie. U kunt een vorm over het gehele tekengebied plaatsen, het vullen met kleur en vervolgens spelen Kleur Dodge en Kleur Burn-mengmodi, pas dan de aan ondoorzichtigheid. Hiermee kunt u uw contrast aanpassen met een kwestie van klikken.
Met mijn Alyson-portret, achteromkijkend, kon ik de vorm voor de hele huid dupliceren en onder de ogen en liplagen plaatsen. Ik zou het dan met kleur kunnen vullen en ermee kunnen spelen Kleur branden - Color Burn geeft de mogelijkheid om kleuren donkerder te maken. Laten we eens kijken wat dit kan doen.
Omdat dit een heel oud bestand is en ik niet langer het originele bronbestand heb, kan ik niet naar binnen gaan en het nauwkeurig aanpassen. Ik heb echter een vulling van # 156d86 over de bovenkant van het volledige portret en stel het in Overvloeimodus Kleur Branden, Dekking 16%. Dit heeft het contrast in de schaduwen van het gezicht naar voren gebracht.
We moeten echter niet altijd op snelle oplossingen vertrouwen en het kan een kwestie zijn van het selecteren van alle vormen die de huid creëren en het gebruik van Recolor Artwork om de juiste balans van contrast te creëren. U kunt ook kijken naar de manier waarop u uw kleuren kiest of elk gebied weergeven. Zijn er verschillen in de manier waarop je het doet? Als dit het geval is, overweeg dan om uw proces consistent te houden om contrastproblemen te voorkomen.
Als ik tegenwoordig portretten maak, kom ik nog steeds problemen tegen met mijn huidschaduw. Daarom zorg ik ervoor dat wanneer ik een gebied met een hoog contrast, zoals het haar, voltooi, ik terug ga naar de huid en het contrast in evenwicht breng door gradiënten te gebruiken om meer schaduw en hooglichten in gebieden te dwingen om het uit te balanceren. Je kunt dit misschien zien gebeuren in mijn portretzelfstudies. Er is niets mis met het "afwerken" van een gebied en het later opnieuw bekijken om de consistentie te behouden.
Laten we na het praten over contrastconsistentie kijken naar stijlconsistentie. Je hebt misschien te veel details in een gebied toegevoegd en vervolgens niet genoeg details in een ander gebied opgenomen ... het resultaat geeft je een inconsistente stijl en laat gebieden eruit zien alsof je de ene vector in een andere hebt gekopieerd en geplakt.
Dit gebeurt op dezelfde manier als contrastproblemen ... je hebt misschien één gebied van de ene bron geleerd en niet afgestemd op je eigen stijl. Of misschien ontbreekt het je aan motivatie om het ene gebied boven het andere te maken of zelfs, je bent niet zo zelfverzekerd om dat gebied te renderen?
Dus laten we terugkijken naar een van mijn eigen gezichtspalmmomenten en kijken of je hier het probleem met stijlconsistentie kunt aanhalen ...
Inconsistentie in deze vector was genoeg voor Marilyn om zijn das zo strak aan te spannen dat zijn oog uit zijn voet kwam. Ja, ik had ook een Marilyn Manson-fase, maar zoals je kunt zien is het gezicht "gedetailleerd" in zijn weergavestijl, net als het haar ... maar het lijkt erop dat ik niet heb besloten om deze stijl overal toe te voegen ... Ik heb zelfs een klein detail toegevoegd aan de hand, maar niet genoeg om het zo duidelijk te maken als het detail in het gezicht! Je zou zelfs kunnen aangeven dat de hand geen contrast heeft.
Dus waarom is dit verkeerd? Ik bedoel, je zou een stuk kunnen doen dat gedetailleerd is in één gebied, maar niet in de rest, maar hoe dit portret eruit ziet is half af. Ik had het kunnen verbeteren door ervoor te zorgen dat de vormen die voor de "eenvoudige" gebieden werden gemaakt, verfijnder waren, en zo de indruk wekken van detaillering. Ik had moeite kunnen doen om de hand correct weer te geven. De waarheid is dat dit een half afgewerkt portret is en dat ik het niet heb gedaan omdat ik handen moeilijk vond en kleding vervelen vond. En het laat zien. Pijnlijk.
Er zijn verschillende manieren waarop u deze kunt benaderen:
Bekijk mijn zelfstudie over het behouden van een consistente stijl in een serie vectorportretten voor meer tips.
Stock afbeeldingen en referenties zijn geweldig ... Ik ben een grote fan. Dit komt omdat ik weliswaar kan tekenen, maar ik heb wel hulp nodig van referentiebeelden. Hoewel ik tegenwoordig niet zo afhankelijk ben van hen (ik dwaal vaak af en gebruik ze alleen als richtlijn), vele jaren geleden liep ik letterlijk een beeldcurve voor curve, kleur voor kleur en het eindresultaat was effectief een vectored versie van een foto. Er is niets mis met het gebruik van stockfoto's, leer gewoon hoe u ze effectief kunt gebruiken.
Het probleem is, terwijl een standaardafbeelding een goede gids kan zijn, maar u kunt wel artefacten in de afbeelding opnemen die onnatuurlijk zijn of de afbeelding is mogelijk niet van hoge kwaliteit zodat u de details kunt ophalen die u nodig hebt. De laatste maakt uiteindelijk wat we meestal zien als klodders van onopvallende kleuren die niet relevant zijn voor de illustratie.
Ik ben een pro om dit probleem te laten vallen ... dus laat me je een voorbeeld geven van waar ik het verkeerd deed. Het kan even duren voordat je het herkent, maar ik schop mezelf voor zijn domheid.
Ja, het is die jeans! De klodders kleur hebben effectief een wazig uiterlijk gecreëerd voor de kleding. De riem heeft scherpe randen van kleur en tot op zekere hoogte, zo ook het gezicht ... maar door het volgen van de afbeelding van Kelly Osbourne vorm voor vorm, zijn de lijnen van de jeans niet zo scherp als ze zouden moeten zijn. Er is hier echter een nog grotere vectorzonde. Eens kijken of je het hebt gemerkt ...
Oh de schande! De afbeelding die ik gebruikte als referentie hiervoor was in grijstinten ... en het had een watermerk van een of andere soort over de jeans die in het papier was gebosseleerd. Ik heb de vormen hiervan echt gevectoriseerd. Achteraf gezien was dit om de een of andere reden waarschijnlijk het cijfer "35". Ik kruip ineen in deze. Ik zal het anders ontkennen dan in het opmerkingenveld van dit artikel.
Afgezien van het feitelijk leren tekenen, komt dit neer op ervaring en veel oefenen. Nog belangrijker, jezelf duwen om verder te gaan dan je comfortzone. Als je elke afzonderlijke vorm vectors, ga je alle onvolkomenheden in een afbeelding oppikken. De tijd nemen om patronen en texturen te herkennen, kan je helpen om jean rendering-problemen te voorkomen, laten we zeggen, maar ook hoe objecten worden geconstrueerd.
Je hebt niet altijd de beste beeldkwaliteit bij de hand, vooral als je een beroemd gezicht maakt. Als u echter zeker weet waar u aan toe bent, kunt u vormen verwachten en ze met vertrouwen tekenen, ongeacht wat de referentie zegt, zodat uw illustratie er professioneeler uitziet.
Uit persoonlijke ervaring had ik jaren van het maken van vectorillustraties als een hobby en er niet voor betaald te worden. Dus ik kon experimenteren en spelen met de portretten die ik deed. Het kwam op een moment dat ik besefte dat ik koolstofbeelden kopieerde en dat ik er niets van kreeg. Dus ik heb mezelf beloofd dat ik bij elk nieuw vectorproject dat ik begon, zou afwijken van de standaardafbeelding en iets nieuws zou toevoegen of aanpassen. Hiervan heb ik het vertrouwen gekregen om gekke haarstijlen, kleding en zelfs veranderende uitdrukkingen te kunnen maken. Als je geen vertrouwen hebt in tekenen, druk dan op jezelf met elke illustratie om verder te gaan dan wat recht voor je is.
Professioneel ogende lijntekeningen kunnen maken is geen eenvoudige taak. Blijkbaar zijn sommige mensen vergeten de eenvoudigste dingen te controleren, zoals versteklimieten en het laten verschijnen van hun fouten op televisie. Ik kan deze show nooit meer op dezelfde manier bekijken ...
John Bishop's comedyshow in het VK ... met een louche hoek in de linkerbovenhoek Verstekverbindingen, elkaar kruisende lijnen en Lijndikte zijn slechts enkele van de gebieden waar u mogelijk meer aandacht aan moet besteden. Als je geen grafisch ontwerp in schetsvorm aan het maken bent, dan zul je aandacht moeten schenken aan je lijntekeningen. Als u geen tijd spendeert om deze te perfectioneren, ziet uw lijntekeningen er slordig uit, snelt u en neemt de kwaliteit van uw werk aanzienlijk af.
Ervan uitgaande dat u geen grafisch ontwerp in schetsvorm maakt, is rommelig het punt waarop u aandacht moet besteden aan enkele belangrijke gebieden:
Je kunt een aantal geweldige tips krijgen over het verfijnen van je lijntekeningen door mijn Funky Line Art Portrait-zelfstudie en mijn Vintage Scooter-zelfstudie te bekijken.
De platte ontwerptrend is goed voor ons en lijkt niet te vertragen, maar het is niet alleen deze stijl die afhankelijk is van vloeiende en nauwkeurige rondingen. Voor veel illustraties die afhankelijk zijn van een eenvoudige en minimalistische look, zijn de rondingen een aspect van het ontwerp.
Hoewel het merendeel van mijn werk veel details bevat, achtervolgt het horde-symbool mij. Die bochten ... oh my, ze verlagen de kwaliteit van dit portret.
Bekijk de punten van het symbool om haar hoofd ... en de buitenste bochten ervan eens van dichterbij. Ziet er nogal slordig uit, vind je niet? Stel je voor dat je aan een stuk werkt dat op deze hele stijl vertrouwt, niet slechts één element. Dat is één vector-auto-ongeluk dat nog moet gebeuren.
Als u voornamelijk bezig bent met eenvoudige vormen en een minimaal ontwerp, niet alleen in deze platte ontwerptrend, vergeet dan het gebruik van de Pen gereedschap, de Paintbrush Tool of zelfs de Pencil Tool. Het is tijd om te leren van de oude school en je illustraties te vormen van basisvormen, rechte lijnen en effecten. Leer hoe te gebruiken Verschoven pad, Effect> Warp en Effect> Vervormen en transformeren. Het is absoluut tijd om bekend te raken met de verkenner paneel terwijl je bezig bent.
Deze basishulpmiddelen en -effecten zullen doen wat het op het blikje zegt, het zal deze lijnen en vormen basaal houden. Het gereedschap Pen (en andere) zijn niet nauwkeurig in het maken van de vormen waarnaar u op zoek bent en nauwkeurigheid is de sleutel tot het maken van vloeiende lijnen.
Als je van deze stijl houdt, raad ik de tutorials van Vectortuts + auteur Andrei Marius ten zeerste aan. Hij is een zeer bekwame vectorkunstenaar en maakt de meeste van zijn ontwerpen zonder de Pen-tool te gebruiken. Dit betekent dat hij afhankelijk is van het gebruik van de belangrijkste hulpmiddelen die nodig zijn voor het maken van vloeiende lijnen. Een goed voorbeeld van "het goed doen" is zijn geweldige tutorial over het maken van een gedetailleerde aansteker zonder de Pen-tool te gebruiken.
Telkens wanneer een vectorkunstenaar de optie Opslaan als ... gebruikt om een JPG te maken, verliest een ankerpunt zijn greepbalken. Ik heb veel gezien in mijn tijd en ik ben dankbaar dat dit niet echt een van die dingen is waar ik een fout van heb gemaakt. Je hebt al deze moeite gedaan om je vectorkunst er fantastisch uit te laten zien, sterker nog, je faalt niet in een van de andere zes vectorzonden, maar je valt op de laatste horde. Ik heb mensen gezien die zelfs zover zijn gegaan dat ze hun werk op een screenshot zetten en het in Adobe Photoshop plakken en het daar opslaan, zodat ze de gewenste resolutie krijgen. Ik hou niet van je.
Waarom is dit zo slecht? Welnu, de manier waarop Adobe Illustrator uw werk in realtime weergeeft, is niet nodig hoe het wordt weergegeven wanneer u het op de juiste manier en met de gewenste resolutie opslaat. Dit is vooral zo wanneer u lijntekeningen, raster live-effecten en verloopnetten gebruikt. Als u uw webafbeeldingsbestanden niet op de juiste manier opslaat, gaat al die tijd die u hebt besteed aan het maken van die perfecte vectorafbeelding verloren.
Er is maar één manier ... gebruik Bestand> Opslaan voor web en apparaten (of Bewaar voor web in latere versies). Als u bovendien Adobe Illustrator CS4 en hoger gebruikt, gebruikt u uw Artboard-tool (Shift + O) effectief als een bijsnijdgereedschap en definieer het gebied van je compositie. Wanneer u vervolgens Save for Web gebruikt, kunt u uw resoluties opgeven Hoogte breedte en Clip naar Artboard alleen opslaan binnen dat gebied ... Simples!
Er is één ding dat we allemaal gemeen hebben en dat is dat we allemaal beginners waren op een bepaald punt in ons vectorleven. Pas toen we die fouten maakten en van hen leerden dat we de juiste richting wisten om te volgen. Het heeft me meer dan een decennium gekost om te komen waar ik nu sta en soms val ik een fout in een van de zonden, maar door me hiervan bewust te zijn kan ik voorkomen dat ze het daglicht zien.
Sla jezelf niet op en onthoud dat regels worden overtreden. Je zult verbeteren als je passie hebt voor wat je ook doet en je zult beter worden. Zonder twijfel als je de geweldige content hier bij Tuts + blijft volgen, kom je daar sneller en misschien kun je ons een ding of twee laten zien!
De voorbeeldafbeelding is gemaakt met een Tuts + Premium-pakket: Devil Heads.
Accentsconagua