Share
Vandaag zullen we kijken naar wat een tekening "anime styled" maakt, de algemene theorieën achter tekenen in deze stijl, en waarom vector een fantastisch medium is om mee te werken bij het maken van anime / manga-stijl kunstwerken. Dit is een geweldige introductie voor degenen die niet bekend zijn met de stijl en meer willen weten.
Voordat we de details van tekenen in de anime- en manga-stijl bekijken, moet eerst worden vastgesteld wat iets anime-gestileerd maakt. Deze stijl is afkomstig uit Japan en per definitie verwijst de term anime naar Japanse animatie, de cartoons die je op de televisie ziet en de term manga verwijst naar strips die een verhaal van een soort beschrijven, zoals een gedrukte grafische roman. Japans-sprekers gebruiken het woord manga echter vaak om zowel naar gedrukte media als naar de animatie te verwijzen.
Als het erom gaat de stijl van de tekeningen zelf te bespreken, zijn deze termen redelijk uitwisselbaar.
Er zijn veel verschillende artiesten, elk met zijn eigen substijlen binnen de algemene term van de anime-stijl, en veel van deze stijlen kunnen enorm verschillen en worden moeilijk te definiëren in termen van artistieke stijl, maar er zijn verschillende sleutelfactoren die zijn zo vaak herhaald in de anime-stijl dat ze alleen kunnen worden gebruikt om iets te definiëren als anime-stijl. Deze sleutelfactoren zijn overdrijving van de ogen, vaak gepaard met ingetogen neus en mond, en langwerpige anatomie. Fysiek onmogelijke kapsels, of groot haar, komen ook vaak voor in deze stijl. Natuurlijk zijn er uitzonderingen, zoals bij elke stijl, maar voor het gemak van begrip, zal dit artikel zich richten op wat is bepaald als de stijlnormen en de algemene theorie erachter. De rest is aan de individuele kunstenaar.
Aangezien de ogen vaak een bepalende factor zijn voor een anime-gestileerde tekening, is het begrijpen van de basisprincipes om ze te tekenen een uitstekende eerste stap om deze populaire stijl onder de knie te krijgen. Zoals je je kunt voorstellen, zijn er honderden verschillende manieren om ogen te tekenen die als anime-styled kunnen worden beschouwd, en een groot deel komt neer op persoonlijke keuzes en de eigen stijl van een artiest die de anime-stijl beïnvloedt..
Als het op de rest van het gezicht aankomt, wordt in het algemeen minder detail gegeven aan de andere gelaatstrekken, en het kan soms lijken alsof het symbolen zijn die de neus en mond voorstellen, in plaats van dat ze volledig worden getekend. Nogmaals, dit komt neer op persoonlijke stijlen en voorkeuren, en verschillende kunstenaars bedenken verschillende manieren om de functies te tekenen die bij hun illustraties passen. Als je persoonlijk liever het gezicht er realistischer uitziet, dan zou je dat in je eigen persoonlijke stijl kunnen verwerken.
Wat betreft de anatomie van het gezicht, in de anime-stijl, neigen de rondingen van het gezicht, met name de jukbeenderen, een beetje prominenter te zijn dan een realistische gezichtsvorm, waarbij de kaaklijn op mannelijke karakters nogal recht en gedefinieerd lijkt te zijn, terwijl de vrouwtjes meer een zachte uitstraling hebben. De nek van een mannetje zou iets dikker zijn en de adamsappel tonen, terwijl het vrouwelijke karakter een dunnere nek zou hebben. De gezichtsvorm van een kind zou vrij rond en ongedefinieerd zijn, maar er is vaak nog steeds de prominentie van de wangen.
Anatomisch gesproken zijn karakters met anime-stijl vaak een beetje langwerpig in vergelijking met menselijke proporties, maar zijn ze nog steeds gebaseerd op een realistische menselijke anatomie. Het hoofd van een anime-personage heeft de neiging groter te zijn dan het hoofd van een echte mens en meer afgerond aan de achterkant. Bij het tekenen van een volledig figuur zou een realistisch karakter de neiging hebben om ongeveer zeven koppen lang te zijn, omdat ze zeven keer zo lang zijn als de grootte van hun hoofd. Een anime-stijlkarakter heeft de neiging om ongeveer acht hoofden lang te zijn, met hun benen die ongeveer vier en een halve koplengte beslaan. Het onderbeen, onder de knie, is meestal langer dan het bovenbeen, terwijl bij een realistische menselijke anatomie het omgekeerd is, of de twee ongeveer dezelfde lengte hebben.
Anime-gestileerde personages hebben over het algemeen dunnere nekken dan realistische menselijke personages en langere vingers. Armen volgen de normale menselijke anatomie, waarbij de elleboog net boven de heupen moet zitten en de toppen van de vingers midden op de dij eindigen.
De details van anatomie, of je nu de meer anime-gestileerde anatomierichtlijnen volgt of liever de meer realistische menselijke verhoudingen gebruikt, komt meestal neer op persoonlijke keuze en wat in de ogen van de kunstenaar correct aanvoelt. Als de tekening in verhouding staat tot zichzelf, en de gekozen pose fysiek mogelijk is, dan is het kunstwerk zeker op de goede weg.
Nadat de art-tekening in de anime-stijl is behandeld, wil een artiest misschien iets toevoegen aan zijn nieuw gecreëerde figuur. Zoals bij de meeste stijlen, zijn er verschillende manieren om te kleuren en te schaduwen, maar dit artikel zal zich alleen richten op twee van de bekendste, en andere handleidingen zullen betrekking hebben op andere schaduwstijlen.
De eerste van onze stijlen wordt "celschaduw" genoemd. Deze schaduwstijl past uitstekend bij de vectormedia, omdat voor celschaduw gekleurde blokken en schone, scherpe randen nodig zijn.
Celschaduw is populair in de anime-stijl en is de meest gebruikte vorm van schaduw in de werkelijke anime-tekenfilms, hoogstwaarschijnlijk vanwege de eenvoud en het gemak van het verplaatsen van de kleurblokken voor elk frame van de beweging van het personage.
In essentie wordt de schaduw alleen in de donkerste gebieden toegevoegd en meestal wordt slechts één laag schaduw gebruikt, vaak gekoppeld aan een kleine hoeveelheid markering om de tekening meer dimensie te geven, en de richting van de lichtbron te helpen om echt duidelijk te worden naar de kijker. Met zulke gewaagde kleurblokken is het belangrijk om de bron en richting van de verlichting te kennen, omdat een fout vrij gemakkelijk kan opvallen.
Vooruitstrevend naar de schermtoon, de andere schaduwstijl in dit artikel, dat een monotoon-stijl is met alleen zwart-wit en het meest wordt aangetroffen in de gedrukte manga die u in boekhandels zult zien. Deze techniek gebruikt verschillende patronen van zwarte stippen, of andere vormen zoals kruisen, om verschillende grijstinten te creëren, gebruikt om lichte of donkere gebieden weer te geven, of om een onderscheid te maken tussen verschillende structuren. Ze zijn heel gemakkelijk te maken, omdat ze eenvoudig een kleine vorm van zwart op een witte achtergrond vereisen, herhaald als een naadloos patroon.
Deze schaduwstijl past goed bij vector, omdat het er op grote schaal fantastisch uit kan zien vanaf een afstand, dus zou het echt goed werken voor kunst aan de muur en banners. Aan de andere kant kan het ook op een zeer kleine schaal werken, zoals in grafische romans en andere vergelijkbare gedrukte media, en zo biedt de oneindige schaalbaarheid van vectoren enorme mogelijkheden voor een al bruikbare schaduwmethode..
Als je de basistheorie achter het werken aan personages in de animestijl begrijpt, kun je je meer richten op de lay-out en de algehele look van het eindproduct. Dit omvat compositie, hoek en achtergrond, evenals de lay-out van het personage zelf.
Als het gaat om de anime-stijl, kun je wat meer vrij zijn met wat mogelijk is, vooral als het gaat om fysiek onmogelijke kapsels met antizwaartekracht en ingewikkelde kledingontwerpen, die beide redelijk populair zijn in deze stijl.
Als je compositie wilt bekijken, wil je dan dat het personage zich in het midden van het canvas bevindt, recht vooruit kijkend? Hoewel dat soms inderdaad de manier is om bepaalde stukken te gebruiken, vaker wel dan niet, zou dat een enigszins saaie algehele look opleveren, zelfs in vergelijking met een heel eenvoudige verandering, zoals het verplaatsen van de figuur naar een kant van het canvas, of het maken van het kunstwerk vanuit een andere hoek, profielweergave misschien.
Je moet nadenken over waar je personage is en hun omgeving, als een vrouwelijk personage met haar in de wind waaiend haar zou misstaan als ze vervolgens in een bibliotheek zou worden geplaatst, bijvoorbeeld.
Het is altijd het beste om je ideeën te schetsen en duidelijk te zijn over je instelling voordat je begint aan het maken van het personage. De uitzondering hierop is als je een stuk wilt maken waarvan de achtergrond geen specifieke instelling is, maar in plaats daarvan bestaat uit kleuren en vormen.
De aantrekkingskracht van de animestijl is zijn veelzijdigheid, met name op het gebied van expressie en karakterontwerp, en ook dat veel fans van de stijl het een bevredigende en aangename stijl vinden om in te tekenen. De animestijl werd voor het eerst populair vanwege uitgezonden anime-cartoons en de manga-romans die overal verkrijgbaar zijn, maar sindsdien een fandom op zich zijn geworden, en veel artiesten die in de anime-stijl creëren, kijken niet naar anime of lezen manga, maar creëren hun kunst in deze stijl puur uit de liefde ervoor.
De vectormedia en de anime-stijl werken om vele redenen schitterend samen, maar met name voor de scherpe, strakke lijnen en het vermogen om prachtig vloeiende overgangen te maken. Het vermogen om in Adobe Illustrator geverfde stijlachtergronden te creëren is ook zeer geschikt voor de animestijl, omdat veel anime-artiesten de voorkeur geven aan eenvoudige celschaduwen voor hun personages en elementen op de voorgrond, en prachtige semi-realistische achtergronden schilderen, een groot contrast toevoegen en extra belangstelling voor hun werk. Deze stijl is ook afkomstig van cartoons, en niet alleen anime cartoons, omdat verschillende Disney-films ook een goed voorbeeld zijn van dit voorgrond-achtergrondcontrast. Het is waarschijnlijk ontstaan omdat de achtergronden niet in de animatie hoefden te bewegen en bewegende objecten op een veel simplistischere manier werden getekend en gekleurd..
Andere achtergrondkleuringstechnieken die in de anime-stijl worden gevonden, omvatten ook dezelfde celschaduwstijl als het personage, hoewel soms ook gradiënten worden gebruikt om ze te verzachten en de focus op het onderwerp van de illustratie te houden; schermtoonachtergronden die over het algemeen worden gebruikt wanneer de rest van de illustratie ook grijs is gemaakt in deze methode, en lijntekeningenachtergronden kunnen ook worden gevonden met de voorgrond van de schermtint. Het is echter niet waarschijnlijk dat je een combinatie van kleur en schermtoon vindt.
Een ander punt om te overwegen bij het bespreken van de voordelen van de vectormedia voor de anime-stijl, is dat anime-stijl illustraties vaak worden gebruikt om te adverteren voor evenementen zoals conventies en exposities, dus de mogelijkheid om uw anime-stijltekening te schalen naar elke grootte is een geweldige manier om je professionaliteit binnen deze stijl een boost te geven. Met de veelzijdigheid van vector, gekoppeld aan de veelzijdigheid van de anime-stijl zelf, zijn de mogelijkheden eindeloos.
Dus om samen te vatten - wat is de anime-stijl precies? Het is een stijl van cartoonkunst die afkomstig is uit Japan, waar de sleutelfactoren voor het definiëren van de stijl meestal liggen in de gelaatstrekken en de gezichtsstructuur van het personage, hoewel andere gebieden om te overwegen het haar, de hoofdmaat, de figuurhoogte en de langwerpige anatomie zijn..
Er zijn verschillende substijlen binnen de algemene term van de anime-stijl, en de eigen artistieke invloed op de stijl kan hun eigen persoonlijke substijl creëren.
Het is een leuke, creatieve stijl met veel mogelijkheden, vooral wanneer het wordt geïntroduceerd in het medium van vector dat, zoals besproken, nog meer mogelijkheden kan creëren, zowel op algemeen artistiek niveau als op professioneel niveau..
Daarmee bedank ik je voor het lezen van mijn artikel en ik hoop dat je uitkijkt naar mijn toekomstige tutorials over tekenen in de animestijl.
Accentsconagua