Share
Als het gaat om MIDI-orkestratie, is de tekenreeks waarschijnlijk het moeilijkst te emuleren. Dat komt omdat, hoewel de snaren waarschijnlijk een van de meest homogene secties van het orkest zijn, het een aantal kenmerken heeft die extreem moeilijk te produceren zijn via samples.
Allereerst zijn de snaren gebogen instrumenten. Dit betekent dat de muzikanten een boog gebruiken om de tonen te produceren. De boog kan omhoog of omlaag worden bewogen en dit creëert een ander aspect van het geluid. Ten tweede zijn de spelers altijd een beetje vals, meestal aan het begin van de noot, vooral als ze heel snel van positie wisselen en daarom een onduidelijke toon produceren. En last but not least kan een vioolspeler bijvoorbeeld een enkele toon op verschillende snaren spelen en daarom een specifiek geluid creëren. Als je verschillende soorten klassieke scores doorneemt, kun je zien dat de componist opzettelijk "Sul D" schreef bovenop de vioolpartij solo. Dit kan een specifiek effect creëren of een bepaald gevoel benadrukken.
Zoals je waarschijnlijk al geraden hebt, gaat het meeste werk aan MIDI orkestratie voor string melodieën. Dus hoe kunnen we precies dat unieke geluid vastleggen? Is het mogelijk om dat vioolmelodie geluid zo perfect te krijgen als het zou klinken als het live wordt gespeeld? Naar mijn mening kunnen computers het feitelijke gevoel dat de snaren ons kunnen geven nog steeds niet vervangen. Het kost veel tijd en werk om dingen precies te laten klinken - en zelfs dan is er iets niet klopt! Ik wil hier een bracket openen en ik wil je vertellen dat ik niet de financiële middelen heb om de duurste orkestbibliotheken die er zijn te testen - bijvoorbeeld LASS en EWQL Hollywood Strings. Ik weet zeker dat ze een stuk gemakkelijker zullen zijn om mee om te gaan, als het gaat om snaarmelodieën.
Dus voordat we doorgaan naar de eigenlijke tutorial, wil ik je een aantal dingen aanbieden die je moet overwegen, observeren en bekijken.
Ga naar klassieke concerten. Ik weet dat sommigen van jullie die bepaalde uitdrukking zouden haten, maar in klassieke muziek kun je zien hoe componisten de tekenreeks hebben gebruikt, welke soorten geledingen ze gebruikten en hoe de muzikanten ze bespelen. Probeer vragen te beantwoorden zoals "Hoe bereik je het pizzicato-effect?", "Hoe vaak veranderen spelers hun bow-richting?" Enz..
Luister naar klassieke muziek en analyseer. Je kunt visueel niet opmerken wanneer de spelers hun bogen veranderen, maar je kunt horen hoe de snaren klinken. Luister bijvoorbeeld naar 'La Campanella' van Paganini - luister allereerst naar de solo-viool en vervolgens naar de achtergrondkoorden. Stel je voor hoe je precies die legato-klanken in je orkestraties kunt bereiken.
En mijn uiteindelijke advies zou zijn om wat orkestrale scores te kopen en alle geledingen en melodieën in de partituur te bekijken. Ik zou Maurice Ravel's orkestratie van "Pictures of a Exhibition" van Mussorgsky aanbevelen. Kijk goed naar legatolijnen, accenten enzovoort. Nadat je veel klassieke muziek hebt beluisterd, probeer dan een paar mock-ups van klassieke stukken te maken en vergelijk je werk altijd met het origineel. Je kunt de melodie van "Montagues and Capulets" van Sergei Prokofiev van "Romeo en Julia" nemen en die emotie via samples proberen vast te leggen.
Genoeg gepraat voor nu - laten we naar het hoofdgedeelte van de tutorial gaan - een mooie melodie maken in snaren die realistisch kunnen klinken. Ik zal proberen een paar tips en trucs uit te leggen om dat te bereiken.
Dit is de melodie die we zullen gebruiken. Zoals je kunt horen, heb ik een enkele vioolpatch geladen van mijn EastWest Quantum Leap Symphonic Orchestra (de eigenlijke patchnaam is 18V QLeg). Ik heb een beetje harmonische veranderingen in de piano aangebracht om een idee te krijgen van de muziek.
We gaan dit keer een legato-lijn maken (in een vorige snelle tip heb ik wat ideeën laten zien over het gebruik van korte geledingen, zoals staccato of pizzicato).
Oké, we hebben een melodie die helemaal niet overtuigend klinkt. Als we teruggaan naar het begin van de tutorial, kunnen we zien dat er deze specifieke kenmerken zijn bij het bespelen van een snaarinstrument - richting van de strijkstok, positie en lichte off-tune aan het begin (van tijd tot tijd, niet op elke noot).
Er zijn ook andere kenmerken - begintonen zouden een lange attack hebben, sommige middeltonen zouden minder vibrato hebben dan de andere. Daarom zal ik andere samples laden - een voor een begin (iets met een langzame attack), iets met een vibrato en iets lyrisch (omdat onze melodie de liefdessoort is). Onthoud gewoon dat alles uit de exacte patch moet komen - dit betekent dat je niet voor één toon een 18-viool-patch en voor een andere tone moet gebruiken - een 11-viool-patch.
Ik heb deze patches geladen:
Ik heb sommige tonen op verschillende patches verdeeld. Luister nu naar deze demo en hoor hoe verschillend onze vioolsectie nu klinkt.
Nu komt een van de moeilijkste en meest irritante dingen - noteer het bewerken. We moeten ervoor zorgen dat 1) onze violen niet plat klinken en zelfs, 2) alle toonovergangen vloeiend en subtiel zijn, en 3) de melodie een hele muzikale zin wordt.
In mijn DAW heb ik de mogelijkheid om verschillende kanalen te groeperen en ze samen te bewerken; als je zo'n gereedschap niet kunt gebruiken, zal dit enige tijd duren, maar wees gerust - het zal geen zin hebben.
Ik begin met snelheidsveranderingen. Ik wil dat de meeste overgangen tussen de tonen vloeiend zijn. Ik zou ook graag een legato-gevoel van de muziek willen maken, dus ik zou kleine overlappingen van noten met de hand maken. Houd er rekening mee dat ik het ingebouwde "legato" -script niet zal gebruiken, dat te vinden is in EWQL SO.
Volume- en expressiecurves kunnen u helpen dat vloeiende geluid van een reekssectie te bereiken. U kunt het volume op een zodanige manier wijzigen dat uw sample niet meer plat en saai is en een bepaald karakter heeft.
Het verschil tussen volume en expressie is dat de limieten van de expressie afhangen van de volumeregelaar. Dit betekent dat de expressiecontroller heel precies kan zijn, vooral als het gaat om kleine dynamische veranderingen. Om deze verklaring met getallen te illustreren, kunt u dit onthouden: als ons volume maximaal is (127), kan de expressie variëren van 1 tot 127. En als het volume rond 73 ligt, varieert de expressie nog steeds van 1 tot 127. Dit betekent dat u met expressie heel subtiele wijzigingen kunt toevoegen binnen uw volumebereik.
Laten we eens kijken naar de problemen in de laatste demo: 1) onze laatste noten zijn erg gelijk en 2) zeker klinkt de 18 Viool Qleg-patch slecht in de manier waarop ik het heb gemaakt. Ik zal proberen een aantal bochten te bewerken en we zullen zien wat er vervolgens zal gebeuren.
Eerst heb ik de Qleg-patch bewerkt, omdat deze de meeste problemen in onze melodie presenteerde. Een interessant ding is dat ik een deel van de uitdrukkingen van de uitdrukking heb gepubliceerd met de Qleg-patch en de noten snel naar beneden heb gedraaid via de volumecurve.
Het bewerken van de toonhoogte kan de kers op de taart zijn of de complete ramp van alles wat we tot nu toe hebben gedaan. Ten eerste onthoud dat in ons geval "18v Qleg" betekent dat 18 vioolspelers legato-tonen hebben gespeeld in een eersteklas studio. Dit betekent absoluut dat we een aantal zeer subtiele afstemmingsverschillen zullen hebben.
Maar afgezien daarvan kunnen we wat lichte toonhoogtecurve-veranderingen in onze melodie gebruiken - vooral wanneer deze naar G en Ab "springt", want als we ons de muzikanten voorstellen, zullen ze hun hand op de snaren zetten en daardoor een subtiel "slurred" creëren effect". We doen dat op beide manieren - in het gebruik van pitch en portamento (portamento betekent dat de muzikant snel van de ene naar de andere toon glijdt).
De nieuwe East West-engine, PLAY, heeft een eigen Portamento-script dat kan worden geactiveerd via de CC # 65-controller.
Een van de beste boeken die ik heb gelezen over het onderwerp is "The Guide to MIDI Orchestration" van Paul Gilreath.
Hij suggereert dat een hedendaagse MIDI-orkestrator ten minste twee stringbibliotheken zou moeten hebben en hij zou melodieën van beide typen samples moeten dupliceren. Voor mensen zoals ik, die zich op dat moment geen twee bibliotheken kunnen veroorloven, is er altijd een oplossing - verdubbel de melodie met houtblazers en zelfs andere snaarinstrumenten. In ons geval zal ik het doen beide.
Laad eerst een mooie fluitpatch. Het zou het beste zijn als de fluit een beetje vibrato bevat. Plaats het hetzelfde bereik met de violen en zet het volume drastisch lager. De fluit is geen solo, hij geeft alleen maar meer geluid.
En tot slot zullen we de hulp van een ander snaarinstrument gebruiken. Ik koos voor cello, maar eigenlijk is er hier geen verschil. Ik heb wat basnoten van de cello gemaakt, maar het belangrijkste is dat ik de melodie ook op de cello plaats, waardoor deze (opnieuw) in hetzelfde bereik als de violen wordt geplaatst. Dan zet ik het volume lager totdat het niet hoorbaar is. Eigenlijk kan je op dat moment de cello voelen - de luisteraar zal het niet in dat bereik horen spelen, maar hij zal een bepaalde rijkdom in het geluid voelen.
Ik hoop dat dit je helpt. Ik kijk uit naar het lezen van uw opmerkingen. Je kunt het eindresultaat van onze tutorial horen in deze demo:
Succes!
Accentsconagua