Share
Elke twee weken bekijken we enkele van onze favoriete lezers uit de geschiedenis van Phototuts +. Deze tutorial werd voor het eerst gepubliceerd in augustus 2010.
Vandaag bekijken we de theorie en psychologie achter de grootte, het kader en het visuele gewicht van verschillende elementen in uw fotografische compositie. Je zou verbaasd zijn hoeveel er te leren valt over deze keuze, en de impact die jouw beslissing kan hebben!
Foto's zijn onze visies, gecreëerd in de zoeker, gecomposeerd en geregistreerd met een klik op een knop. Soms is deze initiële compositie de uiteindelijke compositie en soms niet. Soms stellen we onze scène samen met de bedoeling om op dat moment onze uiteindelijke visie te creëren, terwijl we soms een scène samenstellen met de bedoeling later te trimmen of onze visie uit te breiden.
De meeste 35-mm-foto's worden strak genomen en vormen samen het uiteindelijke beeld. Met grote formaten kunnen we echter bijsnijden en opnieuw samenstellen zonder de kwaliteit van ons beeld in gevaar te brengen. En tenslotte zijn vierkante indelingen minder geschikt voor uiteindelijke composities en worden ze vaak later bijgesneden tot meer gewenste.
In tegenstelling tot andere grafische kunstvormen is een foto altijd gebonden geweest aan ruimtelijke dimensies die beperkt zijn tot het afbeeldingskader. En vaker wel dan niet, die dimensies bewaken en beïnvloeden uiteindelijk de samenstelling van onze scènes.
Tot de hele evolutie van digitale fotografie was het meest gebruikelijke beeldformaat een verhouding van 3: 2 van breedte tot hoogte, het standaard frameformaat van een 35 mm-film met afmetingen van 36x24 mm. Met de vooruitgang van digitale fotografie werd het meer natuurlijke frameformaat van een 4: 3 breedte-hoogteverhouding al snel toegepast in consumentencamera's van een klein tot een middelhoog niveau. Dit maakte een meer horizontaal uitgevouwen, natuurlijk weergegeven afbeeldingsframe mogelijk, met name op computerschermen en standaardpapierformaat.
Het 35-mm filmformaat werd subtiel overgezet naar digitale fotografie en creëerde zo een kloof tussen de professionele / serieuze amateurfotograaf en andere fotografen. En zijn langlevende populariteit is slechts een klein bewijs van hoe gemakkelijk ons gevoel van viscerale compositie zich aanpast.
Onze natuurlijke visie suggereert vaak een horizontale weergave (vanwege de manier waarop we van nature waarnemen met onze ogen), wat de meest invloedrijke reden kan zijn waarom foto's vaak horizontaal in plaats van verticaal worden gemaakt. Een andere, minder fundamentele, reden is het gemak waarmee de hand een camera op een horizontale manier kan vasthouden door bouwen en ontwerpen.
Wanneer een onderwerp verticaal langwerpig is, is het logischer en wordt het meer natuurlijk waargenomen door menselijk zicht wanneer het verticaal wordt ingekaderd. Als onze scène of het onderwerp horizontaal (of gelijk in beide richtingen) uitzet, wordt het natuurlijker gezien door menselijk zicht horizontaal omkaderd.
Als een object horizontaal wordt ingelijst, is het bovendien handiger als het oog van de kijker niet gecentreerd is opgesteld, iets meer naar één kant van het frame leunt. En wanneer een object verticaal wordt ingekaderd, is het handiger als het onderwerp niet op het midden van de bovenkant of de onderkant van het frame wordt geplaatst, waarbij de lagere plaatsing meer geschikt en natuurlijk is omdat het de stabiliteit suggereert en overbrengt in plaats van een gevoel van iets naar beneden kijkend, hoofd verlaagd gevoel.
Als een verticaal onderwerp horizontaal is ingelijst, is het vaak aan beide uiteinden van een horizontaal frame samengesteld om het oog te motiveren om horizontaal langs het frame te bewegen.
Binnen een vierkant kader wordt dit echter gecompliceerder vanwege het gebrek aan directionele nadruk van het frame. Slechts enkele camera's bieden eigenlijk een frame van 1: 1 breedte-hoogteverhouding, en het is gebruikelijk voor fotografen met een dergelijke kadervorm om hun scène samen te stellen waarbij losse of ongebruikte uiteinden achterblijven voor later verticaal of horizontaal bijsnijden..
Omdat de meeste onderwerpen niet van nature vierkant zijn, biedt een vierkant kader een uitdaging voor een succesvolle compositie. Omdat de meeste landschapsvormen vaak horizontaal worden ontworpen en ingekaderd, kan een vierkant kader een uitdaging vormen voor het regelen van de visuele stroom van een afbeelding.
Een vierkant frame kan echter soms een interessante of zelfs verfrissende verandering bieden ten opzichte van de meer vertrouwde verticaal of horizontaal verlengde frame-vormen. Het kan zelfs een handigere indeling zijn voor symmetrische onderwerpen (zoals in de onderstaande afbeelding Elena Erda).
Het is belangrijk om te onthouden dat deze ideeën suggesties zijn in plaats van rigide regels die altijd gevolgd moeten worden.
Als er slechts één onderwerp is dat moet worden ingekaderd, kan het logisch lijken om het in het midden te plaatsen - met gelijke lege ruimte eromheen in alle richtingen. Soms werkt dit eigenlijk, maar het probleem met dit soort framing is voorspelbaarheid. Het is altijd de moeite waard om weg te kijken van deze optie en te experimenteren met het positioneren van het onderwerp aan verschillende kanten van de compositie om te zien welke het beste werkt.
Dit wordt belangrijker als het onderwerp relatief klein is in vergelijking met de volledige omringende ruimte. Wanneer het onderwerp niet gecentreerd is, creëert het spanning in uw afbeelding. Deze spanning kan worden omschreven als een fysiologische kracht, die in de fotografie een extra voorsprong geeft op je foto's, opwinding overbrengt en drama creëert.
Als je onderwerp niet in het midden staat, krijg je het gevoel dat het naar het midden streeft om opnieuw in balans te komen op een logische plaats, of dat het nog verder van het centrum naar de rand van de foto probeert te bewegen. Tamelijk hoogstaande theorie, daar ben ik het mee eens, maar het overwegen waard!
Als er ook nog andere onderwerpen moeten worden ingekaderd, moet je compositie deze onderwerpen in het frame balanceren. Ik wil je een voorbeeld laten zien dat illustreert waar ik het over heb, en ik kon echt geen beter voorbeeld bedenken dan Trey Ratcliff's beroemde foto: The Lonely Trinity.
Op deze foto kun je duidelijk zien hoe Trey zijn foto op briljante wijze in evenwicht bracht door de drie belangrijkste elementen van zijn afbeelding op een driehoekige manier te rangschikken, waarbij elke twee tegenover elkaar liggende onderwerpen elkaar in evenwicht brachten, en eindigde met een aangename compositie:
Bij het bekijken van een foto, kijk je meestal eerst naar wat je het meest interesseert. Dat gezegd hebbende, er zijn enkele onbetwistbare feiten waarvan bekend is dat ze bepalen wat de kijkers het meeste interesseert en wat hun aandacht trekt (en in welke volgorde).
Natuurlijk is het een ingewikkeld proces om uit te zoeken hoe mensen een scène bekijken, maar er is een algemene consensus over wat het eerste oog trekt - ofwel omdat we emotioneel en persoonlijk hiermee verbonden zijn, ofwel omdat we er onbewust op vertrouwen om een gevoel of reactie.
Bijvoorbeeld, gezichten staan bekend als het meest aantrekkelijke visuele element - in het bijzonder het ogen en de mond. Dit is tenslotte waar we naar kijken om te raden hoe mensen zich voelen, wat ze van een bepaalde situatie denken, of hoe ze zullen reageren.
Daarna, schrift neigt het meest naar het oog. Schrijven levert een hoog niveau van informatie over een specifieke situatie op. Zelfs als het in een vreemde taal is geschreven, voegt schrijven nog steeds een grote esthetische kwaliteit toe aan een kunstwerk, simpelweg omdat het een informatieve bron of element vertegenwoordigt.
Vervolgens komen andere elementen in het kader, bepaald door hun prominentie en de ruimte die hen in de compositie wordt gegeven.
Een visueel kunstwerk is altijd, en zal altijd zijn, onderworpen aan individuele interpretatie. Misschien zal geen enkele artiest ooit zijn publiek in de juiste richting perfect kunnen richten.
Wat een fotograaf kan doen, om kijkers te helpen het gevoel van kunst in hun werk te begrijpen, is hen een kleine stimulans te geven of de juiste richting uit te sturen door de visuele gewichten van verschillende elementen te observeren en te begrijpen. Door deze zorgvuldig te gebruiken, kan een foto een verhaal vertellen, een emotie oproepen of alle aandacht van de lezer vestigen op één bepaald punt.
Accentsconagua