Share
Als een kunstenaar is het jouw taak om je kijkers onder te dompelen in een wereld die je hebt gebouwd en ze veilig doorheen te begeleiden. Kunstenaars hebben veel gemeen met verhalenvertellers. Vertellers hebben verschillende trucs die ze gebruiken om hun lezers terug te laten komen voor meer. Net als vertellers kunnen artiesten soortgelijke trucs gebruiken om hen te helpen meer overtuigende illustraties te maken. In dit artikel zullen we 5 fundamentele vaardigheden uitleggen die elke kunstenaar moet beheersen. Laten we kijken!
Het belangrijkste aspect van kunst is voor mij persoonlijk de compositie. Het zet de weg voor al het andere. Dit is jouw manier om de kijker te begeleiden en te leiden zodat ze zich voelen alsof ze echt op je foto zijn. Als dit deel van het proces niet goed wordt gemaakt en beheerd, kan al het andere waarschijnlijk uit elkaar vallen. Dat betekent niet dat je elke kleine regel moet volgen. Sterker nog, velen hebben ze verbroken en hebben zeer succesvolle kunstwerken gemaakt. Het is weten hoe en wanneer ze moeten worden verbroken, zodat u het met succes kunt doen. Maar voordat u zoiets probeert, moet u eerst de regels leren kennen en zien hoe ze werken en functioneren.
Dit is de eenvoudigste en meest gebruikte compositietechniek, een die ik zelf veel gebruik. Omdat het eenvoudig te leren is, is het iets dat wordt aanbevolen voor beginners en degenen die de basisbeginselen van compositie nog niet kennen. Wanneer gebruikt, zal het de afbeelding in 9 gelijke delen verdelen die worden gescheiden door twee horizontale en verticale lijnen.
Het belangrijkste idee hierachter is om je belangrijkste element / object te plaatsen op een van de kruispunten waar de lijnen samenkomen (de + 's), evenals langs of vlakbij de verticale lijn van waar je focus ook ligt.
Er wordt aangenomen dat wanneer dit wordt gebruikt en je onderwerp / focus op een van deze plekken zit, het meer interesse in je foto creëert dan dat het gecentreerd is.
Dock door John Powell 
De overblijfselen die leven door Keisuke Asaba 
Weg van de Tovenaar In tegenstelling tot wat hierboven werd vermeld, stelt deze specifieke compositie het brandpunt direct in het midden van de afbeelding. Hoewel het meestal wordt gebruikt voor stukken op basis van tekens, betekent dit niet dat het niet voor andere middelen kan worden gebruikt, maar het verklaart ook waarom een centraal brandpunt gewenst is.
Voor personagekunstenaars is een van hun doelen om het personage recht voor je te plaatsen en er zoveel mogelijk aandacht aan te schenken. Er is geen betere manier dan om ze midden in de dingen te plaatsen. Daarom is deze compositie het meest aantrekkelijk voor personages (maar nogmaals, laat je niet van het experimenteren afhouden).
Naast de centrale focus laat de ruitvormige gids zien waar we het grootste deel van onze aandacht en detail zouden moeten plaatsen. De kijker zal je werk met deze gidsen natuurlijk niet zien, dus je moet ze laten zien wat het belangrijkste is in je stuk door middel van verlichting, kleur, details en vele andere dingen. Alles buiten deze diamant is lang niet zo belangrijk en zou niet zoveel of meer aandacht moeten trekken dan wat erin zit.
Je kunt deze basisgidsen gebruiken als een startpunt voor complexere composities of om een heel stuk te maken. De keuze is aan jou, maar mijn suggestie is om er volledig over te leren voordat ik complexere composities ga aannemen. Er zijn ook meer samenstellingsregels en voorbeelden die veel andere punten aan de orde stellen dan wat ik hier opsom. Ik moedig u aan ze uit te zoeken en te lezen.
PI-2 door Marek Okon (links). Bloed verdeeld door Dan Santos (midden). Injecteer me door Marc Simonetti (rechts). Laten we nu een paar andere voorbeelden bekijken van hoe je de aandacht van de kijker op het brandpunt richt.
In PI-2 kunt u zien hoe het licht uw oog onmiddellijk in het brandpunt vergrendelt vanwege de sterkte en intensiteit. Andere factoren hiervan zijn kleur, plaatsing binnen de compositie (regel van derden) en omdat bijna iedereen in de scène naar het brandpunt kijkt, creëert het een impliciete regel en zorgt ervoor dat u dat ook doet. Wat ons hier echter in het middelpunt houdt, is de cirkelvormige beweging van de mensen die in de lucht zweven.
PI-2 door Piotr Jablonski In Crysis 2 (hieronder) gebruikte de kunstenaar licht, kleur en plaatsing in compositie om het brandpunt te sturen. De meest voor de hand liggende en mooie lichten komen van de schijnwerpers en koplampen van het voertuig, die allemaal naar het brandpunt wijzen. Ten tweede heb je geweervuur van de wapens die erop convergeren, en richt je je blik er direct op. Ten slotte heeft de kunstenaar de regel van derden gebruikt voor plaatsing in deze compositie. Een ander punt zou kunnen worden gemaakt voor hoeveel actie er binnen dat gebied wordt ondernomen. Al deze hebben geleid tot een succesvol stuk dat duidelijk het brandpunt en de gebieden eromheen definieert.
Crysis 2 - Concept 04 door Marek Okon In het stuk hieronder gebruikt de kunstenaar de loopbruggen rond de pilaar om de kijker naar het brandpunt te leiden. Terwijl de draken rondvliegen, volgen we ze, waardoor we langer in dit gebied blijven. Omdat de pilaar in de schaduw staat en helder licht er direct achter zit, heeft de kunstenaar ook waarden en contrast gebruikt om het nog beter te laten uitkomen.
Nest door Tuomas Korpi In de onderstaande afbeelding heb ik een aantal elementen gebruikt om de aandacht van de kijker te richten op het brandpunt (het kasteel). De boog op de achtergrond en de brug over de waterval gaan beide rechtstreeks het kasteel in. Omdat het beeld een kleine hoek heeft, lijken alle bergen naar het kasteel te leiden, wat de kijker ook in die richting helpt. Een ander ding dat het kasteel helpt opvallen, is de kleur die op de toppen wordt gebruikt, die contrasteert met de geel, groen en rood die eromheen staan.
Sorcerer's Hill In de afbeelding hieronder heb ik laten zien hoe je ervoor kunt zorgen dat de kijker via afbeeldingen gemakkelijk uit beeld kan ontsnappen. U kunt waarschijnlijk zien hoe dit werkt door alleen naar de afbeelding te kijken. Maar wat ik hier heb gedaan, was de "arm" -delen gebruiken die uit de rode entiteit komen als een manier om het beeld in te kaderen. Deze techniek kan worden gebruikt om de kijker in het stuk te "vergrendelen" en langer in het stuk te houden. Het kan overdreven zijn, maar als je het op een redelijk niveau houdt, kan het van pas komen. Een nadeel hiervan, vooral als het te veel wordt gebruikt, is dat het irritant kan worden en ervoor zorgt dat de kijker sneller weg wil gaan.
uitroeien Alles heeft een perspectief. Wanneer u op straat staat, kijk dan rond en merk op welke kant van de gebouwen u kunt zien en waarom u ze allemaal vanuit verschillende gezichtspunten ziet. En terwijl je bezig bent, ga je gang en kijk je op een weg, waarom lijkt alles kleiner te worden omdat de afstand verder van je af ligt? Al deze dingen hebben te maken met het perspectief van die objecten en jouw gezichtspunt.
Perspectieven zijn een essentiële vaardigheid om te leren, voor architectuur, milieu en vele andere redenen. Ze bieden ons een manier om elementen en objecten te maken en te bouwen en deze correct in het beeldvlak te plaatsen. Perspectieven zijn afhankelijk van de horizonlijn (of soms de oogniveaulijn genoemd) om te vinden wat een a wordt genoemd Verdwijnpunt. Verdwijnpunten zijn waar uw perspectieflijnen vandaan komen (zie onderstaande voorbeelden).
Dit is het eenvoudigste van alle te leren perspectieven, maar een dat door zijn beperkingen niet veel wordt gebruikt. Dat gezegd hebbende, kan het zeer nuttig zijn, afhankelijk van welke scène u aan het creëren bent. In dit perspectief is er een enkel verdwijnpunt dat teruggaat naar de horizonlijn waarnaar het object zich terugtrekt.
One-Point Perspective 
2001: A Space Odyssey van Stanley Kubrick Wanneer meer dan één zijde van uw object zich terugtrekt naar meerdere gebieden, moet u een tweepuntsperspectiefsysteem gebruiken. Wanneer u deze gebruikt, maakt u twee verdwijnpunten, elk aan één kant van het object / element. Deze punten komen weer uit de horizonlijn en de perspectieflijnen lopen van dit punt helemaal naar het object. Er is waar je werkelijk perspectieven ziet veranderen.
Meestal verdwijnt uw verdwijnpunt ver van uw foto, maar maakt u zich geen zorgen. Als u traditioneel werkt, kunt u altijd extra papier gebruiken om de exacte afstand te meten. Als u digitaal werkt, vergroot u het canvas totdat u uw verdwijnpunt vindt.
Tweepuntsperspectief 
Mysterious Street van Lukasz Taborski Het driepuntensysteem wordt gebruikt wanneer u echt een extreme situatie wilt overbrengen. Het kan handig zijn voor scènes die speels zijn (een scène doen vanuit het gezichtsveld van een vogel of hond), opwindend (actie) en nog veel meer. Om dit perspectief te bereiken, zul je exact hetzelfde systeem gebruiken vanuit het tweepuntspunt, maar een derde verdwijnpunt toevoegen dat zich boven en onder het object / element bevindt.
Het derde punt werkt precies hetzelfde als de andere twee, dus raak er niet door in de war, er is niets sneaky aan. Het enige verschil hier is dat de boven- of onderkant (de verticalen) van uw object zich zullen hechten en teruggaan naar dit punt. Dat is wat ons een verwrongen uiterlijk en gevoel geeft.
Driepuntsperspectief 
In de nachtmerries door zardo Laten we enkele voorbeelden bekijken die veel perspectief gebruiken:
MILL10NAIRES door Jakob Eirich 
Cargo door Mitchell Mohrhauser 
Iroshi door Jonas De Ro 
Spirit Rising van Gary Tonge Waarden zijn het bereik van helderheid en duisternis in uw afbeelding. Ze zijn wit, zwart en alles daartussenin. Zelfs met kleur, hoe donker of licht die kleur is (tinten of tinten) is een waarde. Hoe dichterbij iets op de voorgrond staat, des te donkerder het zal zijn (afhankelijk van belichting en andere dingen, natuurlijk), alles wat er vanaf verdwijnt, wordt geleidelijk lichter naarmate het vervaagt in de horizon (in termen van landschappen). Bekijk de onderstaande grafiek en gebruik deze als een referentie voor als we dit verder in de diepte bespreken.
Nog meer dan kleuren zijn de waarden van je werk een van de meest essentiële elementen om je stuk succesvol te laten zijn. Als de waarden niet goed lezen (FG van MG naar BG en / of het brandpunt van de omgeving kunnen onderscheiden), maakt het niet uit hoe goed je compositie, belichting en kleuren zijn, het stuk als een het geheel zal mislukken omdat de waarden niet goed lezen.
Wat bedoel ik met het feit dat ze goed kunnen lezen? Wel, laten we een kijkje nemen. De afbeelding hieronder is een waardestudie door Claire Almon die werd gedaan voor een van haar stukken van Marie Antoinette (verdere WIP met kleur is onder deze afbeelding geplaatst). Houd rekening met alle verschillende waarden in het beeld en hoe u elk element duidelijk van het andere kunt onderscheiden. Waarden helpen bij het bepalen van de algehele verlichting in je scène en hoe het ene object tegen het andere aankijkt (wat kan helpen bij de compositie en een hele lijst van dingen).
De Almon Tree Maar belangrijker is dat waarden afzonderlijke afstanden in het grondvlak bepalen, en met deze scheiding, wanneer correct gedaan, kan de kijker je werk op de door jou gewenste manier lezen en hun oog naar het brandpunt leiden. Vanaf hier kunt u verder werken en beginnen met het finaliseren van uw kleurenschema's, zoals hieronder weergegeven.
De Almon Tree 
De Almon Tree Hier zijn een paar voorbeelden van het correct gebruiken van waarden. Let op de verschillende waarden die in één afbeelding / ontwerp worden gebruikt om elk element apart te onderscheiden.
Feng Zhu Design Blog 
Feng Zhu Design Blog Net als bij verlichting hangt de kleur van je stuk van veel dingen af; het tijdstip van de dag, het seizoen, de locatie enzovoort. Het bepalen van het kleurschema is belangrijk om vroeg te doen, zelfs vanaf het begin als je kunt. Vergeet niet dat dingen altijd zullen veranderen en evolueren, dus de kleuren van je stuk zullen waarschijnlijk ook zo zijn. Zoals met alles, betekent alleen omdat iets er op een bepaald moment goed uit ziet, niet altijd dat het dat altijd wel zal doen. Dus wees niet bang om onderweg dingen te mixen en iets te vinden dat misschien beter geschikt is voor waar je aan werkt. Houd er rekening mee dat het heel gemakkelijk is om overboord te gaan met kleuren, dus weet wanneer je er niet mee moet rommelen.
Weten hoe u uw kleurenschema kiest, hangt af van het tijdstip van de dag, het weer / de hemel, welk seizoen van het jaar het is en of u zich op een buitenaardse planeet bevindt of in de ruimte. Er zijn talloze dingen die kunnen helpen de kleuren van je schilderij vorm te geven, dus het is het beste om een idee te krijgen van wat ze zijn, sneller of later om hoofdpijn te minimaliseren voordat je de laatste fase ingaat..
De kleur die u kiest, moet elke emotie of situatie weergeven die u aan de kijker wilt overbrengen. Als je een leuk of actief stuk hebt, zijn heldere en levendige kleuren misschien de beste keuze om dat gevoel van actie en intensiteit weer te geven. Als je iets humeurigs en ingetogen gaat doen, kun je altijd kiezen voor een donkerder en minder verzadigd algehele kleurenschema, maar heb je een levendiger punt dan de andere delen. Er zijn veel variabelen die kunnen lenen voor welk type kleur je gebruikt voor je stuk. Jouw taak is om erachter te komen welke van hen het beste werkt.
Hier zijn enkele voorbeelden van hoe kleur effectief wordt gebruikt om het vertellen van verhalen, emotie en het oog van de kijker te begeleiden:
In de GOLEM-afbeelding heeft de kunstenaar een sterke kleur rondom het focuspunt opgebouwd, wat duidelijk aangeeft waar de meeste aandacht moet worden besteed. De kleuren rondom het speelgoedfiguurtje geven de speelse aard van dit stuk een extra dimensie en voegen een laag mysterie en fantasie toe. De buitenste delen van de compositie hebben aardetinten, die niet te verzadigd zijn. Dit helpt het brandpunt verder los te staan van de rest van het beeld (met behoud van evenwicht) en zorgt ervoor dat de speelse kant van het onderwerp / thema volledig kan worden onderzocht.
GOLEM - speelgoed en magie van Randis AlbionHier hebben we een kleurcontrast, waardoor het brandpunt opvalt. Dit is een van de meest gebruikte manieren om kleur te gebruiken voor een goede compositie, omdat het zowel effectief als dramatisch is in termen van compositie en verhalen vertellen..
Nemeroths Fall van Roberto Robert In dit stuk gebruikte ik de holografische schermen op de landingsplatforms om het te onderscheiden van alle andere elementen in de scène. Omdat het het meest verzadigde deel van de compositie is, wist ik dat het oog van de kijker altijd weer naar dit gebied zou neigen omdat het het meest interessant was. Ik wilde ook het gevoel hebben van een ouder sciencefictionwerk, dus ik bleef weg van echt levendige kleuren.
Station.4 Zoals alle belangrijke elementen van de kunst, is verlichting cruciaal. Vooral omdat de gemiddelde kijker weet hoe realistische belichting eruit ziet, zelfs als ze niet precies weten wat het is dat ervoor zorgt dat het er echt uitziet. Ze kunnen meestal zien of iets werkt of niet. Soms kun je geluk hebben en voor de gek houden, maar de meeste keren kan het je schot breken en al het harde werk dat in je stuk is gestopt verspillen aan tijd en werk. En dat is absoluut niet wat we willen.
Dus, om te weten hoe licht reageert op de omgeving en verschillende materialen, ga naar buiten en bestudeer het. Als je iets van iets anders baseert (bijvoorbeeld, je bent je fotografische plaat in termen van matte schilderkunst of anatomie voor schilders), bestudeer het dan totdat je zelfverzekerd tegen iemand anders kunt zeggen hoe het eruit ziet, aanvoelt en functioneert. Het gebruik van foto's is prima, maar er is een bijna oneindige bron net buiten die muren waar u op zit te wachten.
Heel erg zoals kleur, kan verlichting veel emotie en diepte overbrengen. Laten we eens kijken hoe dit kan worden bereikt.
Nogmaals, in de onderstaande afbeelding is er sterke verlichting die op het brandpunt wordt geworpen. De schaduwen op de voorgrond creëren diepte in het beeld en zorgen ervoor dat de kijker een duidelijk zicht op het focusgebied krijgt zonder dat de voorgrond onopgemerkt blijft. Omdat de voorgrond bijna volledig in de schaduw staat en de middelste plek het grootste deel van ons licht is, zorgt dit ervoor dat de kijker een grotere impact heeft op het brandpunt en wat er in de scène gebeurt. Bijna onmiddellijk zien ze de vernietiging van de wereld om hen heen alsof ze daar op straat zijn.
Wolkenkrabber verloren door Ioan Dumitrescu Als meester van zijn vak maakt dit stuk van Dylan Cole geen uitzondering. Zowel de voorgrond als de achtergrond worden verlicht om al het werk dat erin is opgenomen weer te geven, terwijl de compositie je naar de achtergrond duwt richting het brandpunt.
Dylan Cole Studio 
Dylan Cole Studio Dus nu we al deze onderwerpen hebben behandeld, ben ik er zeker van dat u zich afvraagt hoe u ze moet gebruiken en opnemen in uw werk. Dit gaat, net als al het andere, over vertrouwd raken met hen en oefenen totdat je een duidelijk beeld hebt van wat ze zijn en hoe je ze op de juiste manier kunt gebruiken. Bedenk dat we allemaal anders leren, dus als het je niet gemakkelijk komt, wees dan niet ontmoedigd. Blijf gewoon doorgaan met kleine studies van elk van deze onderwerpen. Na een tijdje om ze te doen, zul je dingen opmerken die je niet eerder had en dat is het moment waarop je begint te leren en jezelf echt onder druk zet.
Bedankt dat je de tijd hebt genomen om dit artikel te lezen. Ik hoop echt dat je hieruit kunt putten en het op je werk kunt toepassen en ervan kunt leren. Bedenk dat elke grote artiest die je opkijkt, van onderop is begonnen en al deze vaardigheden moet doorworstelen. Blijf jezelf in de goede richting duwen met een sterk doel voor ogen en je kunt geweldig worden in wat je doet.
Accentsconagua