Share
Praat met sommige artiesten of bekijk een online gesprek over kunstwerken en er is een grote kans dat je ooit een vermelding van artistieke stijl zult horen of lezen. Maar voor zo vaak als het wordt genoemd, lijkt stijl ondergewaardeerd en verkeerd begrepen. Dus wat zit er precies achter een stijl? Hoe ontwikkelt een kunstenaar een stijl en wat betekent stijl voor een kunstenaar? Om daar achter te komen, sprak ik met achttien zeer getalenteerde artiesten en heb ik handig hun antwoorden verzameld voor je opbouw en entertainment. Dit is deel één van een tweedelige serie, waarvan je het tweede deel altijd geduldig zult moeten wachten.
Dit bericht is dag 5 van onze digitale illustratiesessie. Sessie Dag 4 Dag 6 van Creative SessionsOK, dus ongeveer drie jaar geleden, in 2007, voelde ik me alsof ik op een soort carrièrekruispunt zat. Sinds ik in 1998 afstudeerde aan de filmacademie, droeg ik een aantal creatieve hoedjes in mijn professionele leven: grafisch ontwerper, filmregisseur, motion graphics kerel, illustrator, schrijver, fotograaf, enz. Ik was een Jack of all visual kunsthandel, en vanuit mijn oneindig-zelfkritisch oogpunt, meester van niemand.
Ik besloot een stap terug te doen en mijn sterke punten te evalueren en me aan te passen aan wat ik voelde dat ik het beste was. Ik had op dat moment ongeveer tien jaar digitale kunst gemaakt en illustratie leek de juiste combinatie van mijn vaardigheden en interesses, dus ik dacht dat ik me zou concentreren en mijn carrière steviger in die richting zou willen bewegen.
De technische kant van digitale illustratie is me altijd redelijk gemakkelijk bevallen, dus ik heb bijna alles kunnen maken wat elke klant of baan mij heeft aangeboden, maar ik voelde niet dat een stukje van mijn professionele werk er echt uitsprong als zijnde, nou ja, "ik."
Ik was al jaren aan het tekenen, schilderen en krabbelen, maar ik had het gevoel dat het meeste werk dat ik had gemaakt sinds het vertrek van de relatief veilige grenzen van de academische wereld vrijwel onzichtbaar was en niet zo opmerkelijk. Dus ik begon aan een traject van artistieke herontdekking en in het proces begonnen twee dingen te gebeuren: mijn carrière als illustrator begon te stijgen en mijn artistieke stem werd veel duidelijker. Met andere woorden, mijn artistieke stijl kwam voort uit de diepe holtes van mijn hersenen en begon meer nadruk te krijgen in mijn werk.
Op dit moment ben ik er vrij zeker van dat elk succes dat ik heb gezien kan worden toegeschreven aan mijn stijl, mijn visuele identiteit. Zoals elke fatsoenlijke artiest ben ik erg veelzijdig en ben ik bereid om mijn stijl te buigen en zelfs erbuiten te werken als een situatie daarom vraagt. Maar mijn kenmerkende stijl is mijn visitekaartje, dat is de reden waarom klanten mij inhuren en fans en verzamelaars mijn kunst kopen.
Terug naar veelzijdigheid. Het is altijd een troef, een ongelooflijk belangrijke, maar het is moeilijk om je stem en je artistieke zelfvertrouwen te tonen als je jezelf niet van de massa kunt scheiden. Hieronder zijn 17 kunstenaars samengebracht die manieren hebben gevonden om zich van de massa te onderscheiden door kunst te creëren in hun eigen persoonlijke stijl.
Hierna zullen we verschillende artiesten in verschillende fasen van hun loopbaan bekijken en ze onderzoeken op het gebied van artistieke stijl. Voor de indeling presenteerde ik de deelnemers vragen en vroeg hen om te reageren wanneer zij dat nodig achten (vandaar de ongelijkheid in antwoordlengte en vraag / antwoord-indeling).
Ten slotte, voordat je begint met het droppen van de "Maar je bent mijn favoriete artiest vergeten!" of "Maar je bent mij vergeten!" reacties, realiseer je dat het een heel groot internet en een nog grotere wereld is, en het is onmogelijk dat ik ooit elke grote artiest daar zou kunnen opnemen. Dus zonder verder oponthoud, presenteer ik de volgende artiesten en hun meningen over de artistieke stijl.
Mijn stijl heeft meer dan tien jaar tijd gekost om zich te ontwikkelen. Ik denk dat het is ontstaan uit mijn invloeden als een vroege illustrator, en ik stootte tegen mijn universiteit omdat ik wilde dat ik een stijl kreeg die paste bij hun instelling en die zich wilde onderscheiden van de rest. Mijn werk is niet voor iedereen en dat is OK.
Mijn stijlkeuze was een bewuste keuze. Ik wilde altijd dat mensen mijn werk herkennen en zeggen, "Hé, dat is een wotto stuk." Dat gezegd hebbende, is het ook in de loop van de tijd veranderd. Zoals andere mensen lenen je stijl leer je om delen van je werk aan te passen en opnieuw uit te vinden. Af en toe zal ik mijn stijl vermijden en iets anders proberen en dat is een zeer waardevol experiment. Het blaast in je gezicht of werkt geweldig. Dus ik denk dat mijn stijl bewust was, maar het zijn ook volwassen benen, laarzen en malle hoeden.
Ik word meestal aangenomen voor mijn stijl. Mensen houden van mijn doodley, organische werk en andere mensen houden van mijn meer illustratieve / verhalende werk. Ik denk dat het belangrijk is dat een klant losjes weet wat hij gaat krijgen. Ik veronderstel dat het gebruik van illustratoren hetzelfde is als naar een grote supermarkt gaan. U gaat en selecteert wat u wilt of wat uw project nodig heeft. Ik zou dol zijn op een grote supermarkt vol illustratoren, maar ik vrees dat de koop er een krijgt waarvoor gratis aanbiedingen kunnen verschijnen!
Al mijn werk heeft een kinderlijk verhaal. Terwijl ik teken, denk ik aan het leven van de personages, waar ze wonen, wat ze eten of wie ze hebben gedood. Zelfs tot in de kleinste details en relaties. Ik weet dat het vreemd is, maar het helpt mijn stijl te bloeien en te groeien. Het meeste van mijn werk is donker en dat is expres. Ik gebruik bepaalde kleurenpaletten en herhaalelementen, zodat mensen mijn werk identificeren. Veel van mijn personages zullen elementen gemeen hebben. Ik ga ze niet vermelden omdat ik het leuk vind dat ze er zijn, maar niet iedereen merkt ze op.
Al met al denk ik dat een persoonlijke stijl een goede zaak is, maar deze moet blijven evolueren en groeien, anders bestaat het risico dat je stagneert. Ik hou van artiesten waarvan de stijl duidelijk is vanaf het begin. Het suggereert een vertrouwen in hun eigen werk.
Ik ben freelance illustrator geweest sinds ik in 1999 afstudeerde. Ik heb met een aantal klanten aan een stapel projecten gewerkt. Ik schilder, krabbel en teken de wereld zoals ik het zie. Ik ontwikkel personages en probeer schattige via een visueel verhaal in donkere plaatsen te brengen. Ik gebruik traditionele materialen en digitale pakketten om mijn kunst te creëren. Bezoek mijn website voor meer informatie over mijn werk.
Ik besteedde ongeveer twee jaar aan non-stop tekenen en zag bijna elke dag mijn stijl veranderen. Beetje bij beetje werden enkele details (thema's, vormen, kleuren, etc.) steeds vaker teruggevonden in mijn tekeningen. Ik denk dat ik in dat opzicht een persoonlijke stijl heb ontwikkeld die langzaam verandert.
Naar mijn mening is mijn stijl organisch geëvolueerd. Toen ik begon te illustreren, vond ik sommige details in mijn eigen werk die me deden denken aan de stijlen van andere kunstenaars, maar ik denk dat dit natuurlijk is, omdat een belangrijke stap om een illustrator of een kunstenaar te worden is om andere illustratoren of kunstenaars te beoordelen ... dus soms worden we op een onbewuste manier door hen beïnvloed.
Mijn werk is symmetrisch, soms statisch, kleurrijk en cerebraal. Ik gebruik verschillende technieken: digitaal, waterverf, potloden - het hangt van het project af.
Malota is het pseudoniem van Mar Hernandez. Mar werd geboren in mei 1980, ze is momenteel gevestigd in Valencia, een mediterrane stad aan de oostkust van Spanje. Van daaruit leidt ze de studie Malotaprojecten.
Ik werk in verschillende stijlen. Het project bepaalt de geschikte stijl die nodig is. Dat gezegd hebbende, heb ik een kenmerkende stijl die ik 'gesegmenteerd' noem. Ik werd zwaar beïnvloed door een 1950's RCA-art director met de naam Jim Flora.
Toen ik opgroeide, keek ik naar de hoesjes van mijn ouders, en ik wist toen nog niet dat het later in mijn leven zo'n grote impact zou hebben op mijn illustraties. Pas eind jaren negentig, een jaar na het overlijden van Jim Flora, maakte ik geen verbinding. Ik had de gelegenheid om met zijn zoon te praten die me een deel van het latere werk van zijn vader vertelde, en ik kon hem vertellen hoeveel zijn vaders werk mijn eigen vader inspireerde, dus dat was heel cool.
In het afgelopen decennium heb ik mijn stijl verfijnd en gebruikt in een breed scala aan projecten. De afbeelding in dit bericht was een poster die ik had voor Adobe en hun CS4-lancering van Illustrator.
Een van de eerste illustraties die ik in deze stilistische volkstaal heb gemaakt, was een cover voor een muziek-cd voor een fondsenwerving genaamd 'Almost Famous Band'. Dus wat dat betreft was het gepland voor dit specifieke project omdat het paste in de stijl die ik ervoor wilde bereiken. Ik heb sindsdien de gesegmenteerde blik gevorderd, tot op het punt dat het een methode tot zijn gekte heeft.
Stijl en concept gaan hand in hand. Je kunt een geweldig concept hebben, maar kies een ongepaste stijl om het uit te voeren. Of je kunt de perfecte stijl hebben, maar een solide concept missen. Te veel illustratoren denken in termen van één stijl en proberen die stijl in elk project te forceren, dat is alsof je curry in elk recept dwingt dat je gebruikt. Curry smaakt geweldig in Indiaas eten, maar zou niet zo geweldig zijn in cookies. Het is niet dat curry slecht is, het is gewoon niet geschikt voor dat soort recepten. Hetzelfde principe geldt ook voor stijl en hoe deze zich verhoudt tot een bepaald project.
Ik probeer mijn illustraties goed te ontwerpen. Ik besteed aandacht aan schijnbaar alledaagse details om visuele spanning te voorkomen. Ik gebruik graag kleur om een concept of idee te versterken. Ik denk dat mijn hele creatieve benadering erg systematisch is, ongeacht de specifieke stijl waarin ik werk. Ik besteed veel aandacht aan vorm, evenwicht in de ruimte en hoe ze allemaal betrekking hebben voordat ik de computer ooit aanraak.
Dit betekent dat ik alles uit de kast haal voordat ik het digitaal bouw. Dit stelt me in staat om een solide basis te hebben en giswerk uit het uitvoeringsgedeelte van mijn proces te verwijderen. Dat gezegd hebbende, ben ik constant bezig met het regisseren van mezelf tijdens het proces, het maken van kleine verbeteringen en veranderingen wanneer dat nodig is.
Von is directeur van Glitschka Studios en heeft meer dan 23 jaar in de communicatiekunstenindustrie gewerkt. Zijn werk weerspiegelt de symbiotische relatie tussen ontwerp en illustratie. Deze dualiteit van vaardigheden binnen zijn eigen creatieve arsenaal, inspireerde hem om de uitdrukking en titel van 'illustratieve ontwerper' te verzilveren.
Het begon allemaal met een eenvoudig en concreet idee. Het woord "letterbeelden" begon om mijn hoofd te draaien en plotseling besefte ik dat het woord zelf een zeer zichtbaar geheim opsloot. Lettertypen, of gezichten van het type, zou mijn nieuwe project zijn. Sinds dat moment heb ik enorm veel personages gemaakt op basis van verschillende typografieën. Dit begon ongeveer drie jaar geleden en sindsdien ben ik als een typemaniac illustrator, wat leuk is.
Het proces van het maken van letterbeelden is op een zeer organische en natuurlijke manier geëvolueerd. Bewijs hiervan verschijnt wanneer u de eerste letterbeelden bekijkt die ik heb gemaakt en het proces volgen tot de laatste. Het is echt merkwaardig hoe de sporen van de typografie langzaam wegebben. Als je naar mijn nieuwste creaties kijkt, is het moeilijk om de lettervormen duidelijk te onderscheiden. Ik denk dat dit komt door het feit dat mijn techniek steeds beter wordt en elke dag evolueert.
Eigenlijk is de basis van mijn stijl lettervormen en zonder deze heb ik niets te creëren. Het zijn mijn hulpmiddelen en ik waardeer en bedank ze voor de inspiratie die ze me geven.
Je kunt mijn type wezens bekijken op flickr.com/typefaces. Kijk ook eens naar mijn werk als ontwerper en als een freehand-illustrator: flickr.com/juliandorado.
De kukubee-stijl was een kind geboren uit een cartoonmama en een bouwpapa-pappa. Mijn vroegste dromen waren om strips te tekenen, voordat ik me realiseerde dat ik niet eens een beetje grappig was. Dus elementen uit de klassieke tekenfilm zijn mijn grootste bron van inspiratie geweest, waarbij de nadruk op de vormen van het personage het belangrijkste aspect van hun ontwerpen is.
In 2007 had ik een kunstshow in Spokane, WA, waar ik de vrijheid kreeg om alles te creëren wat ik wilde met de garantie dat mijn werk zou worden getoond. Ik voelde me experimenteel en groeide een beetje moe van het werken in de cartoonstijl die ik op dat moment aan het maken was, ik creëerde een serie (waarschijnlijk licht ontvlambare) stukken samengesteld uit verschillende multimedia-elementen.
Ik heb heel veel lol gehad door te experimenteren met verschillende texturen en begon ze langzaam in mijn dagelijkse repertoire te verwerken. Mijn huidige stijl werd halfbewust ontwikkeld door mijn liefde voor eenvoudige cartoons te combineren met deze experimenten met media om het voor mezelf leuk te maken om te creëren. Maar boven alles put ik vooral uit mijn cartoonachtige achtergrond en heb ik de neiging me vooral te concentreren op vormen bij het maken van mijn ontwerpen. Onze ogen zijn lui als het gaat om visuele associatie. In plaats van ons te herinneren aan details en mooie toeters en bellen die we in onze illustraties opnemen, herinnert een kijker zich uiteindelijk grotendeels aan hun visuals door middel van basisvormen.
Dus vraag ik mezelf vaak af of ik de texturen, neato-gradiënten of een mooie glans wegneem, werkt mijn ontwerp nog steeds als het wordt opgesplitst in de meest basale compositie? Als het antwoord nee is, dan is het terug naar de letterlijke tekentafel. Alle mooie extra's die u toevoegt bovenop een geweldige basis, kunnen uw ontwerp altijd verbeteren, maar niet andersom.
Vaak zijn het deze mooie kleine extra elementen die je in je ontwerp verwerkt en die je een onderscheidende smaak geeft (tenzij je een van de gelukkigen bent die ik jaloers wil slaan in het scheen waarvan de kenmerkende stijl is gewoon geweldig zijn).
In de dagen van grafisch verleden tijd, a manusje van alles kon een ontwerp optreden en een doen goed taak van wat hem werd overhandigd. Maar die banen zijn zo ver en weinigen tussen nu. Een bedrijf weet nu dat het presenteren van een uniek merk van het grootste belang is voor klantenbehoud. Het is dus belangrijker dan ooit om jezelf te kunnen vertegenwoordigen met een sterke, consistente, kenmerkende stijl, vooral in de verzadigde markt van vandaag - waar iedereen en hun broer (en de hond van hun broer) toegang hebben tot software voor beeldbewerking en zichzelf als ontwerpers beschouwen.
Gewoon zijn overal goed in is nu veel moeilijker te verkopen. Een potentiële klant heeft geen enkele motivatie om met u mee te gaan wanneer zij altijd iemand anders kunnen vinden die doet wat u doet en waarschijnlijk goedkoper. Geef je cliënt niet de optie, maar om met je mee te gaan, omdat niemand anders doet wat je doet zoals je doet.
Kukubee is gemaakt door twee soulmates, Brent en Brandi, die een liefde delen voor alle dingen schattig, sluw, griezelig en soms kaal. Bekijk mijn kunst op kukubee.com, en volg ons op twitter: @kukubee.
Mijn illustratiestijl en -techniek is geëvolueerd en blijft zich op een onbewuste manier ontwikkelen. Al sinds mijn jeugd ben ik altijd geïnteresseerd geweest in het ontwikkelen van karakters als een vorm van zelfexpressie. Ik neem een zeer organische benadering van mijn werk. Ik denk vaak niet na over het creëren en communiceren van een unieke stijl, integendeel ik probeer barrières en richtlijnen te verwijderen en laat mijn onderbewustzijn communiceren wat het wil communiceren. Er is iets uiterst fascinerends aan om je onderbewustzijn te laten gaan en zichzelf uit te drukken met vormen, kleuren en ogen.
Mijn naam is Camilo Bejarano, ook bekend als Ph7labs. Ik ben een ontwerper en illustrator uit Florida, VS. Neem contact met me op via ph7labs.com of @ ph7labs op twitter.
Mijn stijl kwam bij mij na een lange periode van experimenteren en verkennen. Als een periode zou ik zeggen dat het ongeveer een jaar duurde om de visuele esthetiek te krijgen op het punt dat het nu is.
Mijn stijl op de kunstacademie was heel anders dan de stijl die ik nu heb. In die tijd was het merendeel van mijn werk met de hand getekend en erg gericht op personages. Ik voelde dat dit erg beperkend was en ik wilde een stijl creëren die echt een weerspiegeling van me was, maar dat zou ook commercieel haalbaar kunnen zijn voor elke opdracht.
Ik had veel geluk dat ik op een cursus zat die echt de nadruk legde op zo veel mogelijk moeite doen voordat ik me op een singuliere stem of manier van werken ging vestigen. Na het afstuderen en het opnemen van alle vaardigheden die ik tijdens de cursus had geleerd, ging ik terug naar de tekentafel en begon echt mijn ware stem te vinden.
Zelfs tot op de dag van vandaag zie ik mijn stijl niet als gedefinieerd, want als een creatief ben ik altijd op zoek naar tekortkomingen en verbeteringen om mijn ontwikkeling binnen illustratie te bevorderen en deze meer toepasbaar te maken in de commerciële wereld..
Mijn stijl was nooit gepland. Ik geloof dat iedereen zijn eigen unieke stijl heeft, net zoals het handschrift van iedereen subtiel van elkaar verschilt. Tuurlijk, stijlen lijken misschien op elkaar en dat is het moment waarop je je persoonlijk verder moet verdiepen, een eenstemmige stem moet ontwikkelen die je echt weerspiegelt en je stijl van de rest scheidt.
Wat nog belangrijker is, is dat je stijl een natuurlijke manier van werken voor je moet worden, zodat alles wat je illustreert een sterke basis heeft om op te bouwen.
Mijn stijl speelt niet echt een grote rol in mijn werkproces wanneer ik een project ontvang, omdat ik er erg comfortabel mee ben en het gevoel heb dat het kan worden toegepast op een breed scala aan onderwerpen.
Wat nog belangrijker is voor mij is nu het idee achter de illustratie. Wij als illustratoren besteden veel tijd persoonlijk weg van de commerciële wereld om onze te ontwikkelen en te verfijnen stijl zodat het echt niet zo moeilijk hoeft te zijn als het gaat om de uitvoering ervan. Het meest uitdagende aspect is om een goed idee te bedenken en het vervolgens met je stijl samen te voegen om een complete en evenwichtige illustratie te creëren die een boodschap stuurt, terwijl je visueel stimuleert.
Bij het definiëren van een stijl vind ik het erg belangrijk om inspiratie op te doen uit beeldmateriaal waar je echt geïntrigeerd door bent. Voor mij kijk ik graag naar oude culturen en hun kunst, ook heb ik een fascinatie voor symmetrie, vormsamenstelling, textuur en kleur. Dit alles voedt mijn werk en de voortdurende ontwikkeling van mijn stijl.
Jonny Wan is een illustrator uit Sheffield, VK. Zijn werk is sterk gericht op het combineren van vormexperimenten, gezichtsuitdrukkingen en symmetrie om unieke beelden te produceren. Meer informatie over zijn werk op: jonnywan.com.
De stijl van het kunstwerk dat ik maak, is iets waarvan ik geloof dat het een combinatie is van invloeden uit de kindertijd en die verder brengt.
In sommige opzichten is het een mengsel van de twee. Er is altijd een onderliggende visie geweest van de look die ik wilde hebben van mijn kunstwerk, maar alleen als ik dat kon laten gaan op een bepaald punt en laat de kunst evenveel zeggenschap hebben over waar het naartoe wilde leiden, bereikte ik een niveau van tevredenheid over de kunst die ik creëer.
Ik worstelde nogal met de stijl van illustraties die ik bewonderde, en wat er in me zat. Ik heb het gevoel dat ik een gezond evenwicht heb bereikt tussen waar ik heen wilde en waar de creativiteit me wilde nemen.
Het hangt van het project af. Ik heb het geluk dat klanten me op dit moment inhuren om illustraties en personages voor hen te maken in de stijl die ze zien in het bestaande werk dat ik heb gedaan, dus het is meer een kwestie van op de voorgrond blijven dan de stijl van de stijl bekijken artwork.
Ik ben altijd geweest - en ben nog steeds - een fan van gedurfde, vloeiende, grafisch gestileerde lijntekeningen. Ik ben ook een grote fan van de onderliggende geometrie, ook al is die geometrie niet overduidelijk in het uiteindelijke artwork. Kleur dient als een compliment voor de lijntekeningen.
George Coghill is een humoristische illustrator en cartoonist, die is gespecialiseerd in het ontwerpen van stripfiguren voor mascottes en logo's. Je kunt zijn cartoonillustratie zien werken bij Coghill Cartooning, meer te weten komen over zijn werk op zijn blog en hem volgen op twitter: @gcoghill.
Ik ben al heel lang niet meer betrokken bij digitale kunst. Ik ben twee jaar geleden begonnen met het serieus maken van kunst en ik ben nog steeds in ontwikkeling en probeer veel nieuwe dingen uit om mijn stijl te ontwikkelen. Het was geen bewuste beslissing. Toen ik begon, koos ik dingen uit die me inspireerden. Op een dag maakte ik een foto die voor mij absoluut nieuw was. Ik besloot dat moment dat ik mijn eigen stijl vond. Toen begon het te veranderen. Ik kan niet zeggen hoe het gebeurt en waar het naartoe gaat.
Illustratie is niet mijn enige bron van inspiratie. Ik vind het ook in architectuur, mode, fotografie, kunstinstallaties, volkskunst en vele, vele andere plaatsen, zelfs sommige gekke wetenschappelijke dingen.
Kleuren en hellingen zijn de grote delen van mijn stijl. Ik maak ook graag een gevoel van ruimte, een soort diepte en experimenteer met verlichting. Ook besteed ik veel aandacht aan vormen en heb ik de tijd genomen om ze perfect te maken. Software heeft ook een grote invloed op de stijl. Toen ik van Photoshop naar Illustrator verhuisde, veranderde mijn stijl sterk. Nu ben ik verliefd op vector.
Mijn echte naam is Alexandra, maar ik ben beter bekend als Zutto. Ik ben 26 jaar oud en woon in de kleine stad Miass, in Rusland. Ik werk als freelance ontwerper / illustrator, voornamelijk tekenend met vector. Ik heb geen speciale opleiding en ben autodidact op deze manier. Je kunt meer leren over mijn werk op zuttoworld.com.
Ik hou er niet echt van om aan te denken stijl in de conventionele betekenis omdat het een beetje als een bestemming klinkt, waar het creëren van kunst over de reis zou moeten gaan. In mijn vroege jaren twintig had ik een idee dat ik ooit bedacht heb mijn stijl alles in mijn carrière zou op zijn plaats vallen. Het zette me onnodig onder druk als ik de hulpmiddelen had leren kennen en plezier had. Maar natuurlijk, ik heb dit niet geleerd tot ik een beetje volwassen ben :)
Als het echter gaat om het soort werk dat ik heb gedaan, is het in essentie een hoogtepunt van een heleboel dingen waar ik in geïnteresseerd ben. Niet alleen andere artiesten, maar ontwerpelementen die veel voorkwamen toen ik nog een kind was. 80s.
In de afgelopen paar jaar heb ik mijn focus verlegd naar het maken van werk dat leuk was, dingen die de 7-jarige James misschien in zijn achttiende op zijn muur wilde hangen. Dit bracht me ertoe om vanaf mijn kindertijd naar ontwerp en animatie te kijken en dat idee opnieuw uit te vinden met wat ik heb geleerd over design. Dus als je er zo over nadenkt, heb ik de stijl ontwikkeld sinds ik een kind was (ik was altijd op zoek naar coole dingen).
Het evolueerde erg organisch, en zo probeer ik op elk niveau te werken. Ik begon te werken met een heleboel schedels met schilderkunstige effecten, vergelijkbaar met het werk van Converge frontman Jacob Bannon. Ik begon verschillende ontwerpelementen en kleurenthema's toe te voegen om dingen interessant te houden en vond het leuk om met brede lijnen en scherven te werken. Ik bracht het naar het volgende niveau door deze rare vormen in Flash te plaatsen om groepen willekeurige assortimenten te genereren, die ik porteerde aan Illustrator om ze te manipuleren en op te ruimen. Toen ik eenmaal ontdekte dat ze er echt cool uitzagen wanneer ze over elkaar heen werden gelegd in Photoshop, ging het allemaal om systemen.
Daarna raakte ik erg geïnteresseerd in netwerk-ID-animaties uit de jaren 70 en 80, met name het NBC-logo met al zijn wilde kleuren. Ik heb veel van deze animaties op YouTube bekeken en geprobeerd de esthetiek en het palet op een interessante manier aan mijn werk toe te voegen. Ze hadden ook waanzinnige belichtingseffecten op letters en ontwerpen, iets dat ik direct nam en in mijn werk stopte.
Soort van. Ik probeer uiteindelijk plezier te hebben terwijl ik aan iets werk, ongeacht het project. De klanten waarmee ik momenteel werk, huren mij in vanwege wat ze in mijn portfolio zien. Ik geniet hiervan omdat ze in wezen kunnen zeggen: "Weet je hoe je die netwerkposter hebt gemaakt? Kun je dat voor mij doen?" Als de tijd het toelaat probeer ik altijd een unieke draai te geven aan wat ik doe, dus ik repliceer mezelf niet gewoon voor een klant. Ik wil hen iets geven dat uniek is en niet alleen een uitbreiding op mijn eigen portfolio.
Als het op mijn eigen werk aankomt, beschouw ik stijl tot op zekere hoogte. Ik vind het leuk om mijn Signalnoise-posters als één geheel bij elkaar te passen, waar je ze allemaal op een muur kunt hangen zonder dat ze er zo raar uitzien. Ik hou van consistentie, maar dat betekent niet altijd zelfvoldaanheid. Uiteindelijk wil ik plezier hebben in het maken van iets en ik wil dat plezier in het eindproduct laten zien.
Ik heb dit al eerder gevraagd door vrienden en ik zeg altijd: "Oh, ik weet het niet, lijnen en regenbogen!" De elementen die ik gebruik zijn meestal geïnspireerd op de netwerk-ID's die ik eerder noemde. Typografische vormen, full-spectrum kleuren, lichtfakkels, verontruste texturen, korrelige vervaagt en gloeit. Ik zou graag zien dat mijn werk goed paste bij iets dat NBC in 1977 zou uitzenden.
Dat gezegd hebbende, probeer ik ook elementen toe te voegen die geleerd zijn door naar het werk van Paul Rand, Milton Glaser, Josef Muller-Brockman en Saul Bass te kijken. Deze jongens weten hun dingen, en ik voel me meteen stom wanneer ik ze onderzoek. Maar ze kenden hun mediums, ze wisten dat hun regels en hun portefeuilles fungeren als een fantastische leerbron voor een man als ik, die gewoon voor altijd posters wil maken.
Wat ik het afgelopen decennium heb geleerd, is dat het zoeken naar een stijl om jezelf te definiëren niets anders is dan druk en frustratie toevoegen aan iets waar je echt van zou moeten genieten. In plaats van iets proberen te forceren, bedenk dan wie je bent en waar je oprecht in bent geïnteresseerd. Leer je gereedschap en heb er plezier in om het te doen. Maar het grootste punt is nieuwe dingen uitproberen ... dingen uitproberen die je zelf niet zou zien doen, omdat je het misschien leuk zou vinden. Verdorie, ik ben een metalhead die posters maakt met regenbogen. Denk je dat ik dat tien jaar geleden had kunnen voorspellen? :)
James White is een beeldend kunstenaar en ontwerper woonachtig in Halifax, Nova Scotia, Canada. Met 12 jaar ervaring heeft James aan een reeks persoonlijke kunstprojecten gewerkt. Tot de klanten van zijn klanten behoren Toyota, Nike, Google, VH1, Armada Ski's, Wired Magazine en meer. Hij was te zien in Computer Arts, Computer Arts Projects en Advanced Photoshop-magazines. Lees meer over zijn werk op Signalnoise.com, Behance, Flickr en volg hem op Twitter als @signalnoiseart.
Let op deel II van dit tweedelig groepsinterview. We zullen nog meer geweldige antwoorden ontvangen van geweldige illustrators over het snel ontwikkelen van hun artistieke stijlen.
Accentsconagua