Share
Praat met sommige artiesten of bekijk een online gesprek over kunstwerken en er is een grote kans dat je ooit een vermelding van artistieke stijl zult horen of lezen. Maar voor zo vaak als het wordt genoemd, lijkt stijl ondergewaardeerd en verkeerd begrepen. Dus wat zit er precies achter een stijl? Hoe ontwikkelt een kunstenaar een stijl en wat betekent stijl voor een kunstenaar? Om daar achter te komen, sprak ik met achttien zeer getalenteerde artiesten en heb ik handig hun antwoorden verzameld voor je opbouw en entertainment. Dit is het tweede deel van een tweedelige serie. Wat is dat? Het eerste deel gemist? Nou kijk maar eens!
Dit bericht is dag 6 van onze digitale illustratiesessie. Sessiedag 5 van Creative Sessions op dag 7 "Mijn stijl duurde meer dan de vier jaar van de kunstacademie om zich te ontwikkelen, en ik denk dat het zich in de loop van de tijd blijft ontwikkelen.
Ik zou willen denken dat mijn stijl een bewuste keuze was, maar ik geloof dat het onderbewustzijn ook in het spel komt. We hebben allemaal een voorkeur voor wat we leuk vinden en voor wat voor elementen we ons aangetrokken voelen. Toen ik begon en nog steeds mijn stijl vond, had ik visioenen in mijn hoofd over wat ik graag zou willen dat mijn werk werd, maar dat duurde jaren van oefenen voor wat ik voor ogen had en wat ik had als een eindresultaat dat nauw bij elkaar paste.
Mijn stijl blijft evolueren en nu ben ik weer in het stadium waar ik het graag op een ander niveau wil brengen, wat meer oefenen en plannen betekent. Onderweg komen er wat blije ongelukjes binnen. Dat is wat kunst zo mooi maakt.
Hopelijk als een project opkomt, zal mijn stijl complementair zijn, maar soms is het noodzakelijk om verder te gaan dan de gebruikelijke manier om dingen uit te voeren. Het doel van een illustrator of ontwerper is om problemen op te lossen, dus ik zal moeten beslissen of mijn stijl past of misschien is een andere manier beter. Leren over een andere stijl spreekt boekdelen over hoe ik dingen heb gedaan - het helpt me om mijn voorkeuren en antipathieën te onderzoeken. Het geeft een kick aan de routine en helpt bij het bevorderen van mijn stijl.
Wanneer ik mijn stijl definieer, denk ik aan organische lijnen, felle kleuren en vrolijke karakters. Het thema is schattig met een vleugje humor. Ik vind het leuk om digitaal te werken met Adobe Illustrator, maar ik doe mijn uiterste best om dat niet mijn stijl te laten definiëren. Iedereen kan dezelfde techniek gebruiken maar een ander resultaat bereiken. Mijn stijl is mijn stem - dat is, de manier waarop ik mijn personages teken, het onderwerp doet er toe wat ik graag doe.
Jannie Ho is illustrator voor een kinderboek, ontwerper en kippenderder. Bezoek haar website JannieHo.com of volg haar op Twitter @JannieHo.
Ik veronderstel dat mijn stijl een evolutie is die oorspronkelijk voortkomt uit het feit dat ik in de hiphopscene zit en van graffitibeletetten en personages houd. Ik heb altijd geprobeerd mezelf te duwen en naar mijn eigen perfectie te streven. Destijds gaf ik er de voorkeur aan om contouren en personages op papier te tekenen, omdat dit me de tijd gaf om over dingen na te denken tot ik me echt gelukkig voelde.
Hoewel ik niet meer bij de scène betrokken ben, gaf het me een goede aarding die me leerde over vorm en structuur van zowel letters als karakters. Van hieruit overstappen naar mijn artwork op een Mac was geweldig voor mij, omdat deze methode me ook in staat stelde om mijn werk oneindig aan te passen tot ik er echt blij mee was. Ik veronderstel dat deze benadering van voortdurend streven naar een soort persoonlijke perfectie een zegen en een vloek is!
Tegenwoordig kijk ik graag naar Flickr, Behance, Blog-sites, Twitter, Anime-films, kinder-tv en boeken, street art, natuur - ik kan overal inspiratie opdoen.
Mijn stijl is de afgelopen 20 jaar duidelijk geëvolueerd doordat ik nieuwe technieken heb ontwikkeld en geleerd, waardoor ik mijn ideeën beter heb kunnen uiten. Externe invloeden en software-evolutie hebben ook bijgedragen aan mijn stijl.
Ik heb twee hoofdstijlen:
Persoonlijk vind ik het niet erg om tijd door te brengen met mijn illustraties (als de tijd en het budget dit toelaten), omdat ik graag kan terugkijken en blij ben met wat ik heb gedaan. Ik denk dat de meeste kunstenaars erg zelfkritisch zijn. Dat ben ik zeker en dit helpt me mezelf naar het volgende niveau te duwen met elk nieuw stuk dat ik onderneem.
Ik veronderstel dat een paar dingen mijn stijl bepalen: techniek, kleurenpalet, en ik probeer een goede dosis te injecteren Engelse excentriciteit in de meeste van mijn stukken.
Ik ben ongeveer 14 jaar ontwerper en illustrator geweest. Tijdens mijn professionele carrière heb ik gewerkt aan projecten voor veel klanten, waaronder: Universal Pictures, EA Games, Dreamworks, BBC, AOL, Mattel en Nickleodeon. Ik rij ook een licentie voor een aantal geselecteerde werken via Getty Images. Ik gebruik voornamelijk Adobe Illustrator voor mijn personages en scènes en ik animeer met behulp van Adobe Flash. Ik heb een aantal echt opwindende projecten in de pijplijn en ben erg enthousiast over de toekomst. Lees meer over werk op Roctopus.net, Flickr, of volg mij op Twitter @MrRoctopus.
Ik heb in het begin van 2007 nogal wat wedstrijden online gespeeld. Ik had toen nog niet echt mijn eigen stijl, en dit was misschien de reden waarom ik steeds verloor.
Later ging ik naar de affiche-competitie 'Do not Panic', die onderdeel was van het 2007 Manchester International Festival. Dit was de geboorte van de illustratiestijl die ik nu gebruik. De deadline voor het project naderde, dus in eerste instantie had ik een stijl nodig die vrij snel kon worden bereikt. Met behulp van herhaalbare isometrische gebouwen en een assortiment tekens kon ik een gedetailleerde illustratie maken in kwestie van minuten die ik dacht (maar dat was niet het geval). Het vastleggen van een basissamenstelling en in kaart brengen waar alles zou zijn, was gemakkelijker en versnelde mijn proces, maar daarna heb ik veel tijd ingezoomd en unieke details en kleine details rond het stuk toegevoegd.
Uiteindelijk heb ik de wedstrijd gewonnen en die werd ook beoordeeld door Peter Saville, dus ik moet iets goed hebben gedaan. Ik ging door met deze stijl en won nog een paar wedstrijden, stapte in een paar interessante projecten, die hielpen bij het ontwikkelen van de stijl en het verspreiden van mijn naam.
Wanneer ik een nieuw project start, zal mijn stijl (voornamelijk isometrische stadsgezichten en personages) altijd in mijn gedachten blijven. Dus, afhankelijk van het thema van het project, zal ik beslissen welk deel van mijn stijl het meest geschikt is om de opdracht te benaderen.
Mijn stijl kan worden gedefinieerd als vectorgericht, tekengestuurd met eenvoudige kleurenpaletten, soms met isometrische, grote gedetailleerde landschappen en scènes. Ik probeer zoveel mogelijk details te implementeren en de illustratie zo leuk en interessant mogelijk te maken.
Ik denk dat het creëren van een sterke, aparte stijl een must is als je een geweldige illustrator wilt worden. Je moet bekendheid creëren, meedoen aan vele competities en hoog gewaardeerde ontwerpprojecten om je naam zoveel mogelijk te verspreiden. Dan beginnen mensen je unieke stijl en persoonlijkheid te herkennen en zullen ze je benaderen, met de vraag of je zou willen deelnemen aan hun projecten.
In het afgelopen jaar heeft Stephen gewerkt als freelance Illustrator / Graphic Designer bij klanten zoals Tiger Beer, IdN, Boxbird Gallery en Mercy Magazine, enz. Hij is ook een van de oprichters van designportaal Thunder Chunky, een Tiger AKA ( Asian Kinetic Artist), los van het Tiger Translate-project, en een artiest bij Blood Sweat Vector. Je kunt meer over zijn werk leren op stephen-chan.co.uk, Behance, en je kunt hem volgen op Twitter @stephen_chan_.
Ik hou van minimalistisch, modern design en illustraties uit de late jaren 1950 tot de vroege jaren 1960. Toen ik volwassen was, werd ik ook sterk beïnvloed door de cartoons zoals de Pink Panther, Underdog en Bugs Bunny; en door kinderboeken van Leo Leonni, Eric Carle, JP Miller en Mary Blair. Mijn stijl weerspiegelt dingen die ik als kind leuk vond. Het is ontwikkeld sinds de tijd dat ik begon te tekenen, en het blijft evolueren. En ik heb gestudeerd als grafisch ontwerper, dus mijn illustratiestijl weerspiegelt een zware ontwerpinvloed.
Het is grotendeels organisch geëvolueerd, maar oefenen en exploratie speelden (en speelden nog steeds) een rol.
Absoluut. Mijn stijl is enigszins grillig, dus het leent zich goed voor meer luchtige, humoristische projecten ... Ik blijf weg van echt serieus onderwerp. Het hebben van een gevestigde portefeuille helpt potentiële klanten om te weten wat ze kunnen verwachten, en de projecten die ze aanbieden weerspiegelen dat begrip.
Ik werk meestal meer met vorm, textuur en stevige kleurblokken, en minder met lijn. Mijn traditionele stukken zijn gemaakt met gouache en acryl, en mijn digitale stukken bootsen diezelfde look na; er is niet veel visueel verschil tussen mijn digitale en traditionele werk.
Eric Barclay is een illustrator en grafisch ontwerper gevestigd in Texas. Hij werkt in zowel digitale als traditionele media en creëert grillige illustraties voor reclame-, onderwijs- en redactionele klanten en de kindermarkt. Lees meer over zijn werk op ericbarclay.com of bezoek mijn blog.
Ik ben misschien nog niet begonnen om een gedefinieerde stijl te vinden, maar ik ben me er nu heel bewust van om een sterke persoonlijke illustratiestijl te hebben. Het evolueert wel, het ontwikkelt zich altijd, maar het is nog steeds, in wezen, mijn eigen stijl. Ik ben er trots op, ik houd het hoog als een belangrijk onderdeel van mij en mijn carrière.
Alles wat ik heb gedaan, is altijd kleurrijk geweest. Kleur is iets waar ik altijd al van heb gespeeld, maar wat de essentie van mijn stijl ook is, is organisch gevormd over een paar jaar werken.
Ik studeerde in 1999 af aan de universiteit en wilde in honderden verschillende stijlen werken, van het nabootsen van vintage illustratiestijlen tot de meest recente trends, maar niemand bouwt daar een goede carrière aan. Ik heb ongeveer 4 jaar in animatie gewerkt, meestal op videoclips, met verschillende stijlen, maar los van mijn dagelijkse werk dat ik altijd illustreerde, voor de lol of voor klanten, en het was in deze periode dat ik voel dat mijn stijl moet hebben kwamen samen. Het was een mix van ontdekkende vectorsoftware, gericht op mijn tekenvaardigheid, inzicht in de principes van ontwerp en ontwerp / kleurpsychologie en ook het hebben van de
mogelijkheden om veel te reizen (ik heb altijd veel inspiratie uit de natuur gehaald).
In 2005 kwam ik op een kruispunt in mijn carrière en besloot mijn positie in een animatiestudio te verlaten. Ik besloot het alleen te doen en me te concentreren op mijn illustratiewerk. In de eerste paar maanden had ik het geluk om een commissie te verdienen bij Smart Cars om voor hen aan een printadvertentiecampagne te werken. Het was deze campagne die mijn stijl verfijnde. Ik was landschappen aan het creëren die realisme en grafische elementen mengden, spelend met vorm en kleur in de natuur.
Kort daarna werkte ik met Airside aan een campagne voor Mastercard, die me het belang van precisie bijlde, om me te concentreren op elk element in een illustratie om het beste werk te bereiken. Sindsdien heb ik de afgelopen vijf jaar deze lessen altijd naast mijn persoonlijke stijl gehad. Ik ben heel voorzichtig met het geven van een klant waar ze naar toe zijn gekomen, een sterk gevoel voor kleur, een nieuwe benadering van het ontwerp van landschappen, dieren, stadsgezichten, wat het onderwerp ook is! Ik beweeg wel tussen het maken van illustraties die redelijk realistisch zijn en andere die veel grafischer zijn, maar ze behouden altijd een niveau van frisse speelsheid.
Ik overweeg meestal mijn stijl bij het naderen van een nieuwe opdracht, wat kan ik hier aan doen? Ik gebruik vaak ook een project om een element van mijn werk te ontwikkelen, dus als een korte oproep voor iets heel natuurlijks, heel realistisch is, zal ik het gebruiken om een nieuwe manier te vinden om een realistische textuur, kleur, object of scène te benaderen.
Ik hoop dat, hoewel mijn stijl volwassen is geworden of is geëvolueerd, het nog steeds hetzelfde gevoel heeft dat ik trots had gemaakt te hebben toen ik met succes begon te illustreren. Ik probeer illustraties te maken, meestal van plaatsen, die een gevoel oproepen, of het zacht en zacht is of hard en opwindend. Ik zou graag mensen willen inspireren om naar buiten te gaan, van de wereld te genieten, één te zijn met de natuur en de omgeving te respecteren. Dit zijn de thema's van mijn werk, enorme factoren in mijn persoonlijke stijl.
Ben O'Brien (ook bekend als Ben the Illustrator) is gevestigd in het Verenigd Koninkrijk en heeft gewerkt voor klanten waaronder Hasbro, Honda, Computer Arts Magazine en Sony. Hij werkt ook samen met zijn vrouw aan het huismerk 'Wish You Were Here', waar ze kunstafdrukken, stoffen en interieurproducten verkoopt. Ontdek meer van Ben's werk op bentheillustrator.com, wywh.co.uk of op Twitter @benandfi.
Wanneer ik het heb over 'stijl' kan ik mijn werk alleen als voorbeeld nemen: mijn illustraties zijn gemaakt van eenvoudige kleurrijke vormen en herhalende lijnen. Het besef maakt me gelukkig.
Dus ik zoek overal naar elementen ervan. Niet alleen in het werk van halverwege de eeuw illustratie en ontwerp, maar ook in de alledaagse dingen om me heen. De niet geheel evenwijdige hoogspanningskabels buiten mijn atelier, de scheuren in een autoraam, de feloranje rechthoek van een bestelwagen terwijl deze voorbij gromt; Mijn geest registreert dat alles er doorheen gaat en vindt er later een gebruik voor in mijn illustratiewerk.
Na mijn afstuderen heb ik vele jaren tekenen en deprogrammering van de kunstacademie gevolgd. Het vinden van mezelf in mijn werk is de belangrijkste recente ontwikkeling in mijn carrière als kunstenaar geworden. Ik geloof dat dit gevoel of zoeken de kern vormt van wat stijl is.
Brian Gubicza groeide op in Pennsylvania, omringd door de werken van N.C. Wyeth en Howard Pyle ... helaas zat niets van het vast. Zijn illustratiewerk is nationaal gepubliceerd in de VS in tijdschriften en kranten en zijn 'dromen'-blog geniet een internationaal publiek. Meer informatie op goobeetsa.com.
Mijn stijl is beetje bij beetje ontwikkeld. Ik vond het werk van verschillende vectorartiesten zo leuk dat ik besloot om met dit soort medium te werken. Ik heb me ermee beziggehouden en mijn plezier ontdekt met schattige personages en glanzende kleuren. Wat betreft mijn werk, laat ik me graag inspireren door mijn eigen huidige smaken. Iemands stijl is slechts een persoonlijke kwestie.
In dit proces hangt het allemaal af van persoonlijke voorkeuren. Het geheim is om naar je eigen geest te luisteren en er trouw aan te blijven. Het is een kwestie van bepalende factoren van iemands werk die je blijft toepassen. Vanuit mijn oogpunt is de ontwikkeling van een persoonlijke stijl nooit echt voltooid. Maar de richting waarin de kunstenaar in beweging blijft, moet worden behouden.
Een persoonlijke stijl kan niet echt bewust worden gepland. Dat zou betekenen dat de stijl alleen is gekozen om iemand aan te spreken. Zulke stijlen hebben geen geweldige toekomst omdat ze actuele trends en meningen najagen. Stijl kan alleen overtuigen wanneer de kunstenaar er op een zelfverzekerde manier aan vasthoudt.
Vanuit mijn oogpunt loopt een stijl door een organische ontwikkeling met veel inspanning van de kunstenaar. Het groeit en transformeert in iets persoonlijks. Eerlijk gezegd, ik heb mezelf enkele richtlijnen gegeven om zich te onderscheiden van de massa met mijn eigen unieke look. Dit is altijd mijn fundamentele idee geweest. In mijn gedachten kan een illustrator alleen succesvol zijn als een bepaald beeld of gevoel verbonden is met zijn naam. Veel mensen zijn bedreven in tekenen of weten hoe ze een computer moeten gebruiken.
Ik bekijk mijn schetsen om te zien of ze in mijn stijl passen. Bij overmakingswerk is het de taak van de cliënt om te zeggen wat hij zich voorstelt, natuurlijk. In mijn eigen projecten doe ik mijn uiterste best om mijn stijl te behouden en vooruit te helpen. Het is belangrijk om op koers te blijven en het aan anderen te laten zien. Als je enorm van je stijl afwijkt, zal je onderscheidende ontwerp niet worden waargenomen.
De overheersende stemming in mijn foto's is positief. Ik gebruik ronde en duidelijke vormen. Alles is heel kleurrijk omdat ik een groot kleurenpalet gebruik. Mijn personages zijn schattig en gelukkig. Niet realistisch maar gereduceerd. Bubblefriends-figuren hebben kleine ogen, komen overeen met het schema van kinderlijke kenmerken en zijn denkbeeldig.
In het proces van uitwerking gebruik ik slechts een paar of geen contouren. Ik probeer mijn afbeeldingen en figuren zo driedimensionaal mogelijk te laten lijken. Om dat te bereiken, pas ik gradiënten en schaduw toe. De toepassing van de computer vormt het centrum van mijn werk. Wanneer ik andere media gebruik, zoals acrylkleuren, moet het resultaat vergelijkbaar zijn met die op het scherm.
Sascha Preuß - Bubblefriends, geboren in 1973, woont en werkt in Duitsland. Ga naar de site bubblefriends.de.
Zoals ik zeker ben, is de manier waarop ik met de meeste illustrators werkte, stijl waar ik jarenlang mee worstelde. Ik besteedde uren aan het bekijken van mijn favoriete illustratoren, het vergelijken van mijn werk met die van hen en het worden geïntimideerd en verlamd door de vergelijkingen. Ik kwam op het punt dat ik zo veel uitstelde dat ik zelfs geen werk produceerde.
Dat is het punt waarop ik bewust besloot de druk weg te nemen en gewoon te zien wat er organisch uitkwam. Ik begon een lange periode van experimenteren, waarbij ik werk creëerde op basis van verschillende onderwerpen en in verschillende media, zoals: pastel, verf, digitaal, inkt en ten slotte collage.
Het was een foto van het haar van een model in een tijdschriftadvertentie en het idee dat het een geweldige textuur voor boomschors zou zijn waarmee ik begon met mijn huidige stijl. Dit was een echt keerpunt en hoewel het sindsdien is geëvolueerd, werd het al snel de traditionele collage-stijl knippen en plakken die ik vandaag werk.
Ik probeerde mijn manier van werken digitaal opnieuw te creëren, maar ontdekte dat omdat het zo gemakkelijk was om de kleur, vorm en lagen in Photoshop te wijzigen, mijn keuzes niet zo creatief waren. Het was ook niet zo leuk als niets om de perfecte textuur in een tijdschrift te vinden voor wat ik op dat moment aan het bewerken ben, of zelfs om een geweldige textuur te vinden die een nieuwe, ongeplande illustratie uitdraagt. Het is ook leuk om aan het eind van de dag een origineel stuk te hebben!
Ik zou zeggen dat de belangrijkste elementen die mijn stijl bepalen textuur en vorm zijn. Ik probeer ze voortdurend te verfijnen tot hun eenvoudigste vorm.
Het belangrijkste dat ik heb geleerd door het vinden van mijn eigen stijl, is stoppen met kijken naar wat anderen doen, de kunstboeken wegleggen, de computer uitschakelen en gewoon je eigen werk maken. Het duurt niet lang of je ziet bepaalde patronen naar de oppervlakte borrelen en een stijl die organisch begint te evolueren.
Jonathan Woodward is een locatie-onafhankelijke freelance grafisch ontwerper en illustrator. Hij is ook de auteur van de blog zero2illo, een blog voor aspirant-illustratoren en samen met zijn vrouw runt hij ook het populaire netwerk locationindependent.com. Bezoek Jonathan's portfolio site jonathanwoodwardstudio.com.
Dus is er een juiste of verkeerde manier om de artistieke stijl te benaderen? Natuurlijk niet! Zoals met alle dingen artistiek, het is niet alleen subjectief, maar het is echt over wat werkt voor u. Zoals je hebt gelezen, zijn er tal van uiteenlopende meningen over het onderwerp stijl, maar er is één vrij duidelijke doorlopende lijn: een persoonlijke artistieke stijl is in wezen een uitdrukking van de persoonlijkheid van de kunstenaar. Kan een artiest meer dan één stijl hebben? Waarom niet? Een artiest kan meer dan één persoonlijkheid hebben, toch;)? Maar de meest succesvolle stijlen zijn als vingerafdrukken; uniek voor een individu en soms belastend. Artistieke stijl is jouw kans om je stempel te drukken. Onderschat het niet!
Accentsconagua