Share
Een van de grootste dingen over muziek is het vermogen om gevoelens en ideeën op een volledig ontastbare manier uit te drukken. Muziek kan ideeën overbrengen die zo ongelijk zijn als water, lente, machines, melancholie en uitbundigheid. Wanneer je net begint als componist of songwriter, kan het gebruik van instrumentale muziek om specifieke ideeën uit te drukken een ontmoedigende en overweldigende taak zijn.
Het doel van deze tutorial is om een stapsgewijs proces voor te stellen dat je kunt gebruiken om een niet-muzikaal idee muzikaal over te brengen. Het is zeker niet de enige benadering, en vaak is pure intuïtie de beste manier om te gaan, maar het is een logische en gemakkelijke manier voor een beginnende componist of songwriter om te beginnen.
Ik zal beginnen met een korte bespreking van het basisidee van programmamuziek en vervolgens doorgaan met het stapsgewijze proces, gevolgd door een paar voorbeelden van het in gebruik nemen van het proces.
Wanneer je muziek gebruikt om een niet-muzikaal idee over te brengen, ben je in essentie aan het schrijven wat 'Programmamuziek' wordt genoemd. In zeer algemene termen hebben componisten de neiging muziek te breken in de twee categorieën van Absolute muziek en programmamuziek.
Absolute muziek verwijst naar muziek omwille van zichzelf, zoals een Brahms 'Symfonie nr. 4 in Em of Rachmaninovs pianoconcert nr. 2. U wordt verondersteld van de muziek te genieten en te waarderen vanwege zijn slimme ontwikkeling van motieven, intrigerende harmonieën, virtuoze prestaties , onder andere kwaliteiten. Absolute muziek bestaat alleen voor de muziek en alle associaties die je maakt met andere ideeën zijn puur van je eigen doen en worden niet rechtstreeks begeleid door de componist.
Programmamuziek daarentegen is bedoeld om een idee buiten de muziek zelf uit te drukken. Hoewel het al zo lang bestaat als de muziek zelf, werd programmamuziek vooral populair in het Romantische tijdperk en is het vandaag de dag nog steeds erg populair. Veel mensen geloven zelfs niet dat een muziekstuk strikt "absoluut" kan zijn en dat elke compositie iets uitdrukt. Met programmamuziek heeft de componist een specifiek idee in gedachten van welke externe associaties de luisteraar met de muziek zou moeten maken.
De meest gangbare vorm van instrumentale programmamuziek van vandaag is filmmuziek, waarbij de muziek bedoeld is om de gevoelens, motivaties, personages, instellingen, tijdsperioden of andere ideeën weer te geven die horen bij een bepaalde scène in een film. Een snel tempo en rijritme kunnen de opwinding en energie van een achtervolging suggereren, of een zwellende vioolloop kan een uitbarsting van passie uitdrukken.
Je hoeft geen filmcomponist te zijn om een idee muzikaal uit te drukken. Als je een lied hebt geschreven met trieste teksten, lijkt het redelijk logisch dat je wilt dat de muziek ook verdrietig wordt (tenzij je doelbewust tegendraads of ironisch bent). Als u begrijpt hoe u expressievere betekenis uit de muziek kunt halen, krijgt uw tekst een geheel nieuwe dimensie.
De eerste stap is natuurlijk om te beslissen wat u wilt overbrengen. Als u een scène in een film scoorde, zal dit waarschijnlijk voor u worden bepaald door de actie op het scherm, maar het is ook aan u om te beslissen wat voor soort draai het drama aan gaat. Als de scène verdrietig is, is dat dan een verdriet gebaseerd op verlies of afwijzing? Vanaf het allereerste begin zo specifiek mogelijk zijn over de boodschap die je in je muziek wilt, is essentieel. Het maakt de rest van het proces veel eenvoudiger dan blindelings te gaan en te hopen op het beste.
Nadat je hebt gedefinieerd wat je wilt zeggen, is het tijd om uit te zoeken hoe je dit moet zeggen. We doen dat door de muziek in de bouwstenen te breken.
Als de "hartslag" van je muziek, is ritme het eerste element dat we zullen vaststellen. We kunnen het ritme nog verder in tempo, meter en groove verlagen.
Het tempo van een stuk is een bepalende factor in hoe opwindend het is. Een snel pompen tempo is als een snel pompende hartslag; het zit vol adrenaline en opwinding. Snelle tempo's zijn meestal geschikt voor actie, zoals een achtervolgingsscène, of als iets gelukkig en leuk is. Omgekeerd is een langzaam tempo meer ontspannen en wordt geassocieerd met meer gepassioneerde gevoelens van romantiek of verdriet, of minder bepaalde gevoelens van spanning en angst.
Een gebrek aan tempo is een even effectief instrument, want het leidt tot een gevoel van ambiguïteit en onzekerheid. Een volledig gratis tempo is het meest geschikt voor gevoelens die ofwel vrij en vloeiend zijn, ofwel scherp en onvoorspelbaar.
Meter draagt bij aan ons gevoel voor een stuk, zowel door zijn werkelijke gevoel, maar ook door eerdere associaties. Een vrolijke 6/8 meter doet ons denken aan Ierse mallen en daarom piratenmuziek. Tuplet-meters zoals 3/4 worden vaak gebruikt voor vliegtaferelen omdat ze een gevoel van stuiteren en heffen hebben (denk aan de scores van "Omhoog" of "Rond de wereld in 80 dagen"). 4/4 is eenvoudiger en gangbaarder.
Oneven meters zoals 5/8 of 7/4 worden vaak gebruikt voor actiescènes wanneer je de opwinding van onvoorspelbaarheid zou moeten voelen.
Bij het kiezen van een meter is het een goed idee om na te denken over welke associaties uit het verleden uw publiek onbewust kan hebben. Het is prima als je stuk in 3/4 een gevoel van Weense Wals heeft, maar alleen als je je er bewust van bent.
Net als bij een meter, komt de groove of beat van je stuk met de last van eerdere associaties. Bepaalde ritmes kunnen erg "dansachtig" aanvoelen, zelfs als dat niet is waar je voor gaat. Een overdaad aan syncopen kan ervoor zorgen dat je muziek zich als funk of jazz voelt, of het per ongeluk opnemen van een clave kan je muziek een Latijns gevoel geven.
Het gebruik van een bepaald soort ritme of groove kan een zeer waardevol hulpmiddel zijn bij het proberen een specifieke instelling of tijdsperiode vast te stellen. Zoals we hebben gezegd met de andere elementen, moet je je bewust zijn van welke associaties de beat die je gebruikt zou kunnen suggereren.
Dus je hebt een tempo gekozen en een algemeen idee van hoe de puls zal aanvoelen. Vervolgens beschouwen we de harmonie.
Met dit in ons achterhoofd, is onze volgende stap bij het kiezen van uw ideeën het overwegen van de harmonie die we willen gebruiken. Om de zaken simpel te houden, houden we vast aan traditionele tonale harmonie en komen we niet in atonaliteit, chromatiek, enz.
Zelfs niet-musici lijken te weten dat "een belangrijk akkoord gelukkig is" en "een minder belangrijk akkoord triest is". Maar we weten dat het veel genuanceerder en complexer wordt. Elk akkoord dat naar een ander akkoord gaat heeft een uniek geluid en emotioneel gewicht. Elke akkoordverandering heeft een variërende mate van statische beweging, lift of depressie.
Overweeg de volgende voortgang, C F G C:
Best stabiel, toch? Alle akkoorden zijn belangrijk, maar geen van hen voelt noodzakelijkerwijs anders of meer emotioneel geladen dan enig ander. Maar hoe zit het met deze, opnieuw alle belangrijke akkoorden C F G A:
Deze keer voelt het akkoord A heel helder en opbeurend. Er is een interessant fenomeen waarbij majeurakkoorden die van buiten de toets worden geleend, meer "belangrijk" aanvoelen. Tegelijkertijd voelen mineurakkoorden die van buiten de toets worden genomen meer "mineur" aan.
Om het effect van niet-diatonische minder belangrijke akkoorden te horen, overweeg dan dit voorbeeld C Em F:
Als we F naar Fm veranderen, krijgen we een effect dat veel dramatischer is dan je had verwacht door een enkele toonhoogte te veranderen. C Em Fm:
De Fm klinkt op de een of andere manier veel "minder" dan de Em omdat het niet van de toonsoort C komt.
De eerste plaats om te beginnen is met wat van nature komt. Een positieve emotie zou waarschijnlijk op gepaste wijze worden overgebracht met een hoofdsleutel, een negatief met een kleine sleutel. Met deze basisbeslissing uit de weg kan je dan interessanter worden. Ik heb gemerkt dat de beste manier om dit te doen is om verschillende akkoordenschema's te spelen en aantekeningen te maken over hoe ze zich voelen. In het onderstaande voorbeeld ga ik in op meer
details hierover.
De volgende in de rij is de melodie, die een groot deel van het "karakter" van je muziek goedmaakt. Een melodie kan langdradig en treurig zijn, of helder en peppy. Door in de specifieke volgorde van deze stappen te gaan, zullen veel kenmerken van uw melodie worden bepaald op basis van de ritmische en harmonische ideeën die u al hebt vastgesteld.
De belangrijkste overwegingen voor de melodie zijn hoe ritmisch actief het is en wat voor soort bereik het dekt. Over het algemeen voelen melodieën die een groot bereik bestrijken en veel grote sprongen hebben, zich meer gepassioneerd aan, terwijl melodieën met kleinere reeksen en meer stapsgewijze bewegingen een gereserveerder en doelgerichter gevoel hebben.
Een belangrijke overweging is registreren, of hoe hoog of laag uw melodie is. Zeer lage melodieën gespeeld door fagotten of bassen kunnen vaak een lethargisch en traag gevoel hebben, terwijl extreem hoge melodieën schril en dun kunnen zijn. De instrumentatie zal dit enorm beïnvloeden, maar het is belangrijk om bewust te zijn van het effect dat een ander register kan hebben op het gevoel en de intensiteit van je lijnen.
Overweeg deze korte zin voor piano, die exact hetzelfde ritme, harmonie en melodie gebruikt, maar wordt gespeeld in een ander register van de piano:
Laag:
hoog:
De hogere versie van de melodie voelt zoet en onschuldig, terwijl de lagere versie veel gewoner is.
Onze laatste overweging is de orkestratie, of welke instrumenten u zult gebruiken. De timbre's die u gebruikt om uw ideeën uit te drukken, zijn uitermate belangrijk vanuit een oogpunt van intensiteit en toch weer op het gebied van externe associaties.
Elektrische gitaren hebben bijvoorbeeld de neiging om jongeren of mannelijkheid voor te stellen. Een harmonica heeft implicaties van blues of het Amerikaanse Zuiden, enzovoort.
Intensiteit van het timbre is ook een belangrijke overweging. Hier is een eenvoudige demonstratie van hoe dezelfde exacte noten een heel andere houding kunnen hebben. We hebben hetzelfde akkoord, dezelfde afstand, met drie verschillende geluiden. Messing, snaren en een gladde pad:
Alle andere elementen gelijk, het verschil in timbre heeft een enorm effect op de houding van het akkoord.
Dit voorbeeld komt van een cue die ik onlangs schreef voor een speelfilm. De scène is een tienerjongen die toegeeft dat hij per ongeluk iemand heeft vermoord. Hij wordt gekweld door verdriet en spijt.
Stap 1 is om erachter te komen wat ik probeer te zeggen. Ik wil een gevoel van verdriet en rouw overbrengen, alsof zijn ziel schreeuwt om verlossing. Stap voor stap zal ik denken aan ritme, harmonie, melodie en orkestratie.
Het ritme zou langzaam en verlangend moeten zijn. Er is niets opwindends aan verdriet, het is arbeidsintensief en pijnlijk. Na een tijdje met de metronoom te hebben gespeeld, heb ik genoegen genomen met de extreem trage 42 bpm.
Ik heb ook vastgesteld dat een eenvoudige 4/4 de juiste keuze is. Om een gevoel van verlangen te creëren, kan ik de occasionele oneven meterbar gebruiken om extra lengte toe te voegen, in wezen een fermata-hold creëren, maar over het algemeen sluiten we gewoon aan op 4/4 omdat het niet nodig is om fancy te worden.
Vervolgens komt de harmonie, die in dit geval een van de meest bepalende factoren zal zijn bij het vormgeven van het stuk.
Ik wil dat het stuk verdrietig is, dus het is logisch om met een kleine sleutel te beginnen. Ik koos willekeurig de toonsoort voor G mineur, alleen omdat daar mijn vingers het eerst op de piano landden en het voelde goed. Hoewel je uiteindelijk een uniek gevoel voor elke sleutel zult ontwikkelen, kunnen ze in dit stadium allemaal op redelijk gelijke grond worden beschouwd.
Dus beginnend met een Gm-akkoord, is mijn volgende zorg om een akkoord te vinden dat na komt en verdrietig is. Na wat rond te spelen, merkte ik dat ik de bas vind die van een G naar beneden gaat naar F. Deze hele stap naar beneden heeft een leuk depressief gevoel zonder te donker of verwrongen te zijn.
Met dat in gedachten kunnen we een paar verschillende akkoordwijzigingen proberen die gaan van Gm naar een akkoord met F als een akkoordtoon.
Gm tot F:
Gm tot Fm:
Gm tot Dm / F:
Gm tot Db / F:
Gm naar Bb / F:
Gm naar Bbm / F:
Door ze allemaal te spelen, kan ik zien hoe ik me voel over hen. Ik denk dat het vrij duidelijk is dat naar een van de belangrijkste akkoorden gaan (F, Db of Bb) de verkeerde manier is om verdriet over te brengen. Dit laat ons met drie keuzes voor de mineurakkoorden.
Gm tot Fm voelt te middeleeuws aan, Gm naar Dm / F voelt best goed, terwijl Gm naar Bbm / F te griezelig is. Gm tot Dm / F is het. Het is triest en spijtig zonder te mysterieus te zijn.
Gm tot Dm / F:
Nu ik een 'droevige' vooruitgang heb bedacht die ik leuk vind, wil ik er nog een toevoegen aan mijn arsenaal dat donkerder en gepijnigd is. Vergeet niet dat dit over moord gaat!
Volgens dezelfde gedachtegang als voorheen, vind ik de manier waarop G tot Ab zich in de bas voelt prettig. Het is in tegenstelling tot de vorige progressie, maar ook veel enger.
Hier zijn de opties, met behulp van Ab als een akkoordtoon in triaden:
Gm naar Ab:
Gm naar Abm:
Gm naar E / G #:
Gm naar Fm / Ab:
Gm tot Db / Ab:
Gm naar Dbm / Ab:
Net zoals eerder is het een verkeerde richting om naar een belangrijk akkoord te gaan, dus ik zal die helemaal afwijzen. Gm To Abm is erg mysterieus, Gm to Fm voelt goed, maar lijkt op de "trieste" progressie, en Gm to Db voelt erg sci-fi. Hoewel het ongebruikelijk klinkt, is Gm to Abm mijn favoriet van de drie voor deze instantie.
Gm naar Abm:
Deze twee eenvoudige akkoordenschema's volstaan om door te gaan naar de volgende fase.
De melodie voor dit stuk moet bestaan uit meestal traag bewegende lange tonen. Het is meer een kermende lijn dan een zanglijn, dus ik stel me voor dat het relatief eenvoudig is.
Omdat we de harmonie al hebben bepaald, past de melodie er eigenlijk bovenop. Contrapunt-puristen bedekken je oren, maar ik zal het idee van G naar Ab nabootsen in de melodie, waardoor de G het Abm-akkoord over wat spanning wrijft. Let op de F 16e noot voeg een variatie toe aan het G to Abm idee, waardoor het een beetje interessanter is dan wat we hebben met de bas.
Ik gebruik dan de algemene toon D over de Gm naar Dm / F-progressie voor een gereserveerd verdriet.
Dit is het basisidee voor de melodie, die ik zal ontwikkelen terwijl ik de rest van het stuk ontwikkel.
De basisharmonie zal worden afgedekt door snaren die in hun lagere register spelen, omdat dat voor mij een erg rijk, zacht en tragisch geluid is. Ik zal ook een zacht orgelachtige pad aan het geluid toevoegen om het gevoel van kerkelijk verdriet te geven. Ook om alleen interesse en beweging toe te voegen, voeg ik een arpeggiatielijn toe aan de altviolen, verdubbeld door harp om deze uit te brengen, en een eenvoudige ritmische puls in de vibes. Ik heb voor harp en vibrafoon gekozen omdat het zachte kleuren zijn die gemakkelijk met de snaren kunnen worden gecombineerd, maar ook een koel tint hebben voor hun timbre.
Weinig instrumenten zijn net zo gepassioneerd en treurig als de menselijke stem, dus ik ga hier voor de jugularis en gebruik een vrouwelijke stem. Ik zal haar verdubbelen op de violen om wat steun aan de lijn toe te voegen.
Ik heb alleen vier maten materiaal bedacht, maar ik ben erin geslaagd het "geluid" te vinden waar ik naar op zoek ben: bedroefd met een vleugje spijt over het plegen van moord.
Vanaf hier kan ik doorgaan met het voltooien van de compositie.
Ik zal niet ingaan op de details van het schrijven van de inleiding, maar slechts focussen op twee andere belangrijke momenten in het stuk. Halverwege zijn biecht breekt ons karakter af bij zijn diepste verdriet, en we kunnen een paar trucs gebruiken om dit meer emotioneel te maken. Ik zou graag het basisidee willen gebruiken dat we hebben gebruikt en het vervolgens naar een meer gepassioneerde plek brengen. Na slechts een paar maten wil ik me terugtrekken en een beetje teleurstelling toevoegen wanneer de scène ten einde loopt.
Ritmisch vind ik het logisch dat het stuk consistent blijft, dus ik ga daar geen drastische veranderingen aanbrengen. Hetzelfde geldt voor de orkestratie, ik ga het consistent houden met de instrumenten die we tot nu toe al gebruiken.
Harmonisch gezien zweefden we tot nu toe heen en weer tussen Gm en een "soort" dominant territorium met wat zou kunnen worden betwist als fancy variaties op D7 en Dm. Waar we nog niet gewaagd hebben is de subdominant, in dit geval Cm, dus om daarheen te gaan zou niet alleen een fris geluid zijn, maar ook het gevoel hebben dat we ergens anders gaan.
Nadat we het 'nieuwe' subdomeingebied zijn binnengegaan, is het volgende dat we moeten opzetten de teleurstelling, en de beste manier om dit te bereiken, is door een verwachting vast te stellen en het vervolgens te tarten. Dit is een techniek die ik gestolen heb van Wagner (en dat zou jij ook moeten doen!) Waarin je een gemeenschappelijke akkoordprogressie gebruikt, waardoor mensen een specifiek akkoord verwachten en ze dan een misleidende cadans geven als een manier om het drama naar voren te laten komen en naar bevredig de luisteraar nooit.
In dit geval zal ik de voortgang Cm / Eb Gm / D D7 gebruiken. Dit is in wezen een zeer typische iv-V7-i-voortgang.
Cm / Eb D7 Gm:
De Gm / D-D7 zorgt ervoor dat het i-akkoord, Gm, nog meer onvermijdelijk aanvoelt.
Cm / Eb Gm / D D7 Gm:
Maar in dit geval wil ik teleurstelling en verlies overbrengen. We doen dat door de verwachting van de luisteraar in te stellen en het vervolgens weg te nemen. In deze keu in plaats van naar Gm te gaan, ga ik naar de zeer donkere en trieste D verminderd.
Cm / Eb Gm / D D7 Dº:
Nu hebben we onze harmonie bedekt. We zetten een grotere emotionele stap in Cm en voegden de teleurstelling aan het eind toe. Nu moeten we hetzelfde doen met de melodie.
Precies bij onze overstap naar Cm, onze gepassioneerde opkomst, zullen we een octaafsprong maken. Tot dusverre heeft onze melodie niet meer dan een derde bewogen, dus een octaaf zal zeer expansief aanvoelen. Bovendien wordt het een rijker register in de stem. En om nog meer aan de spanning toe te voegen, springen we in een D, dat is het 9e van het Cm-akkoord, voordat we afdalen in de akkoordtoon C. Deze appoggiatura creëert een nog meer gepassioneerd moment dan gewoon opspringen naar een C.
De rest van de melodie daalt stapsgewijs af als we ons rustig overgeven aan teleurstelling.
Hier hebben we het laatste stuk van begin tot eind:
Als je nieuw bent bij de compositie lijkt het misschien dat hier veel aan de hand is, maar volg het bij elke stap en je zult zien dat alles kan worden opgesplitst in zeer eenvoudige ideeën. Door ervoor te zorgen dat elk element van je muziek trouw blijft aan je visie (ritme, harmonie, melodie, orkestratie), kun je erop vertrouwen dat de muziek het idee uitdrukt dat je probeert over te brengen.
Accentsconagua