Share
"Als het niet beweegt, is het dood" is een lijn die evenveel op het leven van toepassing is als op muziek. Maar toch schrijven componisten te vaak achtergrond- of begeleidingspartijen die levenloos en saai zijn. Ze kunnen een mooie melodische lijn hebben, maar dan een groot akkoord plakken dat bestaat uit hele tonen erachter en het een dag noemen. Het resultaat is muziek die levenloos is, saai en voelt als ploeteren door modder.
Maar muziek moet levend zijn! Het moet ritme, beweging, animatie en energie hebben!
Hier zijn een aantal technieken die je kunt gebruiken om je instrumentale stukken leuker te maken en interessanter om naar te luisteren.
De eenvoudigste manier om een deel meer leven te geven, is door simpelweg meer noten toe te voegen.
Dit is de basismelodie plus begeleiding die we gebruiken om de verschillende technieken te demonstreren:
Een eenvoudig geheel stuk kan gemakkelijk worden veranderd in een constante puls:
Ineens voel je het tempo, de energie en een gevoel van voorwaartse beweging.
Je kunt je er dan in verbeelden door ritmische patronen, accenten, enz. Te introduceren om het een bepaald karakter te geven:
In een gedeelte van John Williams '"Flight to Neverland" uit de film Hook, geeft hij het koper een snel gearticuleerd patroon van herhaalde noten op de achtergrond achter de melodie.
Het stuk gaat over avontuur, plezier en opwinding. Had hij zojuist hele tonen aan het koper gegeven, dan zou de energie van het hele stuk verzanden. In plaats daarvan houden de herhaalde noten het levend en actief.
Een meer subtiele methode van "herhaalde noten" is tremolo. Hoewel de individuele noten niet elk specifiek worden gevoeld, geeft de vervagende articulatie de muziek veel meer energie en drive. Dit is een goede techniek om te onthouden als je een bepaald ritme niet wilt verwoorden, maar je merkt dat een eenvoudige hele noot de betekenis mist:
Vergelijkbaar met de tremolo is de ongemeten triller. Je krijgt een veel rijker akkoord dan de simpele tremolo vanwege de toegevoegde noten, maar je moet natuurlijk rekening houden met de harmonische context en ervoor zorgen dat je de juiste halve stap of hele stap kiest.
Vanwege de nauwe intervallen werken trills vaak beter in het hogere register, dus in ons voorbeeld is het misschien het beste om ze boven de melodie te plaatsen in plaats van onder.
Een andere eenvoudige methode om meer leven te brengen in uw delen, is door uw akkoord in een arpeggio te breken. Je profiteert van de gearticuleerde tonen zoals we hierboven hebben gezien, maar je kunt ook meer akkoordtonen invullen.
Er zijn duizend verschillende manieren waarop arpeggio's kunnen worden geïmplementeerd.
Je kunt het akkoord in een gesloten positie houden:
Of in open positie:
In de Prelude tot Parsifal gebruikt Wagner zowel arpeggio's in de positie dicht bij als open positie in de eerste violen. Het voordeel van een spreidakkoord op de viool is dat elke noot op een andere snaar kan worden gespeeld, terwijl een akkoord met een gesloten positie meerdere noten per snaar nodig heeft.
Een arpeggio kan worden uitgesmeerd door tonen over te slaan. Het voordeel van deze techniek is dat je veel meer tijd kunt invullen, maar nog steeds een smalle ruimte spreidt:
Je kunt arpeggio's verspreiden over meerdere instrumenten:
Er zijn ook veel manieren om met articulatie te spelen.
De arpeggio kan legato worden gespeeld:
Of staccato:
Of een mix van de twee:
Als je denkt aan schalen, herinner je je misschien saaie en repetitieve oefeningen. Maar een basisschaal kan van onschatbare waarde zijn om eenvoudige onderdelen interessanter te maken.
Een schaal kan worden gebruikt om twee akkoordtonen in te vullen, waardoor een actievere en meer bewegende lijn ontstaat:
Buurnota's kunnen worden gebruikt om rond een centrale toon te zweven, bijvoorbeeld in een golfpatroon:
En voor achtergrond- of voorgrondonderdelen kan een snelle aanloop een weegschaal toevoegen als een element of opvuller:
Net als bij de skipping-tonen-techniek die we met arpeggio's hebben gezien, kun je hetzelfde doen met schalen om grotere en iets complexere patronen te vormen:
Een van de redenen dat herhaalde noten, arpeggio's en schalen zo goed werken voor achtergrondonderdelen is dat het vertrouwde patronen zijn. Als luisteraars kunnen we ze gemakkelijk herkennen als figuren, in tegenstelling tot de meer complexe ritmes en bewegingen van een melodische lijn die niet alleen een schaal op en neer gaat.
Maar niet alleen zijn die technieken bekende patronen op zich (we hebben allemaal een miljoen keer gehoord), ze zijn vaak het meest effectief wanneer ze worden gebruikt om grotere patronen in de muziek te construeren.
Wanneer we een deel horen dat een voor de hand liggend patroon is, kunnen we er minder aandacht aan besteden ("Oh ok, het is steeds hetzelfde kleine figuurtje"). We kunnen dan meer van onze focus op de melodie uitgeven, of welk ander element dat er ook is.
We hebben bijvoorbeeld heel snel het gevoel dat dit een patroon is dat gewoon voor altijd kan doorgaan:
En na een korte tijd hoeven we niet veel energie te steken in het anticiperen op wat er daarna zou kunnen gebeuren.
Maar dit meer complexe idee vereist meer energie om naar te luisteren, en zou dus niet zo goed kunnen functioneren als een achtergrondgedeelte:
Brede sprongen, een mix van sprongen en stappen, beweging op en neer, staccato en legato, enz. Er komt elk moment te veel nieuwe informatie bij ons op. Eenvoud is de sleutel als je wilt dat je deel interessant is, maar niet afleidende.
Natuurlijk zijn er tal van uitzonderingen. Soms zijn hele notities en eenvoudige ondersteunende achtergronden precies wat nodig is.
U hebt bijvoorbeeld misschien al een heel actief begeleidingspatroon, maar moet een manier vinden om een aantal ontbrekende akkoordtonen in te vullen of een lijm leveren om alles samen te binden.
En soms is een gebrek aan leven en beweging gewenst. Veel filmmuziek zal een lange en uitgesponnen drone gebruiken om de muziek op één plek onder te brengen. Het gaat nergens heen, het zit gewoon in een gevoel van levenloosheid.
Het punt is niet dat het onderhouden van achtergrondonderdelen inherent slecht is, het is dat ze zoals bij al het andere moeten worden gebruikt met een doelbewuste bedoeling.
In een stuk waar de energie extreem laag is en de stemming donker is, kunnen hele noten precies goed zijn. Maar als je van plan bent je muziek snel, spannend of energiek te voelen, zullen saaie hele notenpartijen je gewoon tegenhouden.
Geen van deze technieken is bijzonder complex of moeilijk te begrijpen, en dat is een deel van het punt. Het kost maar een kleine moeite om je muziek interessanter, geanimeerder en leuker te maken om naar te luisteren.
Wat denk je? Vertrouw je te vaak op hele tonen en saaie achtergronden? Of heb je andere technieken om delen interessanter te maken? Deel uw mening in de commentaren!
Accentsconagua