Share
Naar mijn mening is er niets zo inspirerend als werken met getalenteerde en ervaren muzikanten in een opnamestudio. Ik geniet altijd enorm van deze sessies - je arrangement is helemaal georganiseerd en de achtergrondmuziekmix is klaar; nu zit je gewoon in je studio te wachten tot de speler arriveert.
Monstercollecties zijn natuurlijk in overvloed aanwezig voor alle belangrijke orkest- en jazzinstrumenten, om nog maar te zwijgen van een breed scala aan 'off the beaten track'-instrumenten, variërend van etnisch en inheems tot gewoon bizar! Maar een echte speler kan zoveel meer aan je muziek toevoegen.
Als het in een geschikte instelling met het juiste type microfoon wordt opgenomen, is het geluid gegarandeerd absoluut authentiek voor één ding. De andere grote factor is de eigen creativiteit van de sessiemuzikanten. Ze brengen hun talent en 'take' op je songarrangement en de toegevoegde waarde die dit met zich meebrengt is vaak onbetaalbaar.
Hier is een fragment uit een arrangement dat ik een tijdje geleden heb uitgevoerd met een live fluit met de melodie. Het stuk gaat dan verder in een brugsectie. Een mooie toon en intonatie is cruciaal wanneer het instrument in kwestie zo ver in de mix staat.
Hier is nog een fragment in een enigszins Keltische stijl; dit keer een violist. Zoals ik me herinner, speelde deze speler van een deel dat ik eerder had uitgeschreven met schrijfsoftware, maar de bijzonder mooie toon en stijl van intonatie zou hier buitengewoon moeilijk te evenaren zijn met instrumentvoorbeelden.
Het opnemen van 'echte' spelers brengt natuurlijk zijn eigen reeks specifieke problemen en problemen met zich mee. Deze variëren van de microfoon die moet worden gebruikt, tot hoe de track het beste kan worden voorbereid voor de aankomende speler. Je algemene doel moet zijn om te proberen de hele ervaring zo comfortabel en natuurlijk mogelijk te maken voor de sessiespeler.
Denk eraan dat ze hoogstwaarschijnlijk een deel proberen te proberen dat ze nog nooit eerder hebben gezien, terwijl ze proberen te acclimatiseren aan je studioopstelling en het nummer zelf. In deze zelfstudie bekijken we een reeks instrumenten aan het klassieke einde van het spectrum en bekijken we hoe we ons het beste kunnen voorbereiden op een sessie met een van deze instrumenten..
Als we het symfonieorkest beschouwen als 'families' van instrumenten (snaren, houtblazers, koperblazers, enz.), Merk je dat ik een of twee van elke groep heb gekozen, en ook de harp, die een iets andere benadering vereist. De meeste klassieke muzikanten hebben één ding gemeen: ze lezen normaal gesproken heel goed muziek, want dat vormde een belangrijk onderdeel van hun opleiding voor oude muziek. Het is daarom zeer waarschijnlijk dat ze een op de dag vermeld onderdeel verwachten.
Ik suggereer niet dat klassieke muzikanten niet willen of niet improviseren. Sommigen van hen doen dat heel goed. Maar de kans is groot dat ze zich veel comfortabeler voelen als ze werken met een vel muziek voor hen afgedrukt. Dus ik ga ervan uit dat je van plan bent om je deel op te schrijven, wat je hoogst waarschijnlijk zult doen met behulp van een notatiesoftwarepakket.
Als u eenmaal uw arrangement in gedachten heeft, hoeveel detail moet u dan opnemen in het onderdeel? In de klassieke wereld komt absoluut elke nuance aan bod: expressie, frasering, buigingstekens, enz. Er is geen goed antwoord op, maar ik ben geneigd om de 'bare bones'-benadering te bevorderen, omdat je altijd aan de details kunt werken met de input van de spelers tijdens de sessie.
Hier is een nummer-intro met een cello-gedeelte. Naderhand duikt het cello-deel naar beneden in een lager register wanneer de hoofdvocaal binnenkomt.
Het gedeelte dat ik de speler voor de intro heb gegeven staat hieronder vermeld (weliswaar vrij kort!). Ik probeerde ze vanaf het begin van het nummer een duidelijk aantal balkjes te geven. Er zou ook een rustige kliktrack in hun koptelefoon zijn geweest om ze te helpen activeren.
Wanneer ik snaargedeelten schrijf, laat ik strijktekens weg omdat deze tijdens de sessie worden besproken, en de speler weet hoe het stuk technisch moet worden gespeeld om te klinken zoals ik dat wil..
Hier is nog een MP3-voorbeeld, gevolgd door het genoteerde gedeelte. Deze keer speelt een viool de melodielijn:
Het deel dat ik de speler op dat moment had gegeven, zou geen buigingstekens bevatten, maar ik heb ze hierboven toegevoegd, gebaseerd op hoe de uitvoering verliep. Het is belangrijk om de precieze limieten van het instrument te kennen, en ook het soort geluid dat het over zijn toonbereik kan produceren wanneer u het onderdeel schrijft.
Tip: Het is een goed idee om een soort orkestratiewoordenboek ter beschikking te hebben dat reeksen kan geven en basisinstrumentkenmerken kan beschrijven. Er zijn een aantal. Mijn persoonlijke favoriet is 'The Essential Dictionary of Orchestration' van Dave Black en Tom Gerou. Dit is goedkoop, handig en ook in pocketformaat; dus het is gemakkelijk om mee te nemen.
Ik heb met al het bovenstaande gewerkt in mijn eigen studio-violisten die in een 'keltische' stijl speelden en ook een meer klassieke benadering, jazzfluit en klassieke fluit. Ik heb ook een aantal keer Keltische harp opgenomen, maar slechts één keer een orkestharp. Bij die gelegenheid was ik erg bezorgd of het instrument daadwerkelijk in mijn studio zou passen, dat een vrij laag plafond heeft.
Toen de speler arriveerde, verraste ze me door te weigeren dat ik haar kon helpen om het instrument uit haar stationcar te halen. (Duidelijk dacht ze aan de kosten van het instrument en mijn eigen gebrek aan ervaring om er een te dragen!) Ze produceerde prompt een trolley die geschikt was voor het doel ergens in het voertuig. Ik ben blij om te zeggen dat de hoogte van het instrument de hoogte van mijn studio opruimde ... maar slechts ongeveer een centimeter!
Hier is een voorbeeld van hoe de Keltische harp kan klinken. Dit is afkomstig van een introductie in een nummer.
In algemene bewoordingen zou het gebruik van elke redelijke kwaliteit condensatormicrofoon acceptabele resultaten moeten opleveren. Een condensatormicrofoon met groot diafragma zoals een AKG C414 of een Neumann U87 zou een typische professionele keuze zijn voor een dergelijke situatie, maar er zijn ook veel andere opties mogelijk.
Plaatsing van de microfoon is cruciaal. Over het algemeen wilt u de microfoon vrij dicht bij het instrument plaatsen, omdat dit het omgevingsgeluid vermindert. Zie de onderstaande tabel.
Het natuurlijke omgevingsgeluid van de kamer wordt steeds duidelijker als een microfoon verder van de geluidsbron wordt geplaatst. Het geluidsniveau daalt zelfs met een factor 6dB naarmate de afstand verdubbelt, wat behoorlijk veel is.
De hoeveelheid direct geluid ten opzichte van het kamergeluid kan worden geregeld door zowel de afstand van de microfoon tot de geluidsbron, en in mindere mate door het polaire patroon van de microfoon (cardioïde of omnidirectioneel).
Ga je in mono op het instrument mikken? Mijn voorkeur gaat uit naar het opnemen van al deze instrumenten op een monospoor met een enkele microfoonbron, met uitzondering van de harp, die goed zou kunnen profiteren door een stereo paar microfoons op een kleine afstand te installeren.
Hier is een grafiek die enkele specifieke hints en suggesties voor microfoons geeft:
In de praktijk zie ik mezelf vaak naast de speler staan terwijl ze aan het opwarmen zijn en proberen te luisteren naar de 'zoete' plek waar de toon van het instrument het meest effectief overkomt. Dit is de plek waar uw microfoon moet worden scherpgesteld en waar u op zoek zou moeten zijn om het op te zetten. Controleer echter ook of het de speler niet in de weg zit of zijn of haar zicht op de muziek verdoezelt. Violisten en cellisten zullen ruimte nodig hebben om hun instrumenten te buigen.
Met de fluit heb ik gemerkt dat het geluid behoorlijk kan variëren, afhankelijk van je microfoonpositie. Te dicht bij het mondstuk en u riskeert teveel adem te krijgen, vermengd met het geluid, maar te dicht bij de toetsen en het geluid wordt gedomineerd door het gekletter van vingers op bedieningspanelen. Het is nogal verrassend hoe een goede microfoon het kleinste geluid oppikt, hoe verwaarloosbaar je ook denkt dat het op dat moment is.
Een beetje afstand van het instrument is vaak de veiligste optie, vooral als je van plan bent om later enige compressie te gebruiken, omdat dit de ruisvloer behoorlijk wat zal verhogen. Fouten zijn gemakkelijk te maken en ik ben zeker in het verleden betrapt; en ik merkte dat ik later terug luisterde naar sessie takes met de vreemde ruis of twee die er niet zouden moeten zijn, lang nadat de speler is verdwenen!
De harp is uniek omdat hij 47 snaren niet-chromatisch georganiseerd heeft. De speler speelt met behulp van een reeks pedalen die voor beide voeten aan de onderkant van het instrument zijn geplaatst om de afstemming van deze snaren te wijzigen.
De meeste harpisten die regelmatig opnemen hebben extra vilt gepast om deze pedalen te dempen, wat anders nogal een onhandig geluid kan maken! Het is over het algemeen het beste om een stereo paar microfoons enigszins op een afstand van het instrument in te stellen, om ongewenst pedaalgeluid en vingerruis op de snaren te voorkomen.
In het volgende artikel zal ik kijken naar hoe jazzinstrumenten kunnen worden opgenomen, wat een geheel andere benadering vereist. We zullen ook kijken naar andere essentiële technische zaken, zoals hoe je een geweldige koptelefoonmix opzet, en het juiste gebruik van compressie- en afstemcorrectie.
Accentsconagua