Share
De gouden uren van de dag zijn de speelplaats voor Christopher O'Donnell. Ik zou kunnen zeggen dat afbeeldingen met rijke kleuren en een kleine scherptediepte een handelsmerk zijn van zijn werk. Verliefd op het landschap in de Maine-omgeving, onthult O'Donnell in dit interview dat hij toevallig een fotograaf werd, niet uit vrije keuze.
Ik vond het werk van Christopher O'Donnell toevallig ook. Eén afbeelding van de auteur trok mijn aandacht tijdens het surfen op het web, en het feit dat het zo leek op een van de mijne, in termen van toegepaste techniek, bracht me ertoe om meer te zoeken. Verrassing, de cover van een van zijn eBooks, The Portfolio of Bokeh, had niet alleen een vergelijkbare vogel, maar dezelfde opties die ik heb in een van mijn foto's. Het is altijd grappig hoe fotografen in verschillende delen van de wereld tot dezelfde oplossingen en vergelijkbare beelden komen en elkaars werk niet eens kennen. Ik wilde meer weten.
Sommigen zullen ervan houden, anderen zullen het haten. Dat is iets dat ik heb gevonden over het werk van Christopher O'Donnell. De waarheid is dat sommige van deze foto's er misschien niet helemaal echt uitzien, het gebruik van ondiepe scherptediepte in sommige veranderingen de werkelijkheid, en dat kleuren voor sommige mensen te verzadigd zijn, maar ze werken om een stemming in te stellen waardoor je naar binnen wilt springen de foto en loop door het landschap.
Net als hij of nu heeft de auteur zojuist een nieuw eBook, The Golden Hour Portfolio gelanceerd. Met dat excuus kon ik O'Donnell een paar vragen stellen.
Ik ben een full-time landschapsfotograaf en schrijver met de steeds veranderende kust van Maine als bron van mijn inspiratie.
Ik denk dat ik me volledig bewust was van mijn affiniteit met de natuur en fotografie tot na het feit. Achteraf gezien zijn mijn meest levendige jeugdherinneringen buiten doorgebracht. Mijn moeder had altijd een camera bij de hand, dus ze had al vanaf het begin een enorme invloed. Ik had nooit verwacht dat deze twee zouden convergeren totdat het al was gebeurd.
In mijn laatste jaar op de universiteit, heb ik mezelf helemaal ondergedompeld in de kunst van fotografie, en het was niet echt uit vrije keuze. Om af te studeren had ik drie kunstlessen nodig, die altijd veel gevraagd waren en snel werden gevuld.
Toen ik mezelf buitengesloten vond omdat ik niet over de juiste voorwaarden beschikte, ging ik naar de decaan die toevallig een intro aan zwart / witte filmles gaf. Hij nam mij genadig mee en in die klas had mijn hele vierjarige universiteit een doel.
Na mijn afstuderen in 2008 wist ik dat ik wilde leven in een staat die veel mogelijkheden bood voor landschapsfotografie, een plek waar ik een sterke verbinding mee kon opbouwen. De oceaan heeft een constante invloed in mijn leven gehad, dus Maine was de meest voor de hand liggende keuze voor mij. Ik ben heel dankbaar dat ik in deze ongerepte staat leef met zo'n onaangeroerde schoonheid en dat het mijn creatieve speeltuin is.
Wat ik ontdekte over Maine is dat je zowel zonsopkomsten als zonsondergangen kunt hebben, wat in strijd is met wat de meesten zouden geloven sinds de kust naar het oosten gericht is. De gevarieerde kustlijn biedt vele schiereilanden die van noord naar zuid lopen, dus er zijn tal van locaties die naar het westen gericht zijn voor een zonsondergang.
Dat terzijde, ik ben dol op zonsopkomsten. De hele ervaring is iets dat je niet kunt beschrijven met woorden - het is gewoon uitstekend. De stilte van het landschap is zo zwaar met niets anders dan de brekende golven om het te onderbreken. Om te zien hoe de kleuren geleidelijk veranderen van blauw naar rood, en de dramatische opbouw van licht totdat het in de lucht explodeert, is ongelooflijk. Het is alsof de natuur zijn dag niet begint voordat de zon opkomt.
Ik denk dat iedereen op een bepaald moment in hun leven getuige zou moeten zijn van een zonsopgang langs het water. Het is een surrealistische ervaring en de herinneringen blijven je leven lang bij. Niet zozeer de visuele herinneringen, maar de emotionele en spirituele ervaring. Het kan voor mij moeilijk zijn om me te concentreren tijdens een zonsopgang, ik wil gewoon zitten en het moment volledig opnemen.
Ik ben constant op zoek naar nieuwe locaties. Ik kan mijn fotografie niet opdelen, het is een deel van mijn dagelijks leven geworden. Als ik een locatie zie die veelbelovend lijkt, doe ik een beetje onderzoek en ga ik daar terug met fotografie in gedachten. Er zijn ook momenten waarop ik me volledig richt op het vinden van een nieuwe plek om te verkennen, en de topografie willekeurig zal verkennen met Google maps om te zien wat er veelbelovend uitziet.
Wanneer ik een nieuwe locatie vind, heb ik de neiging om deze volledig te verkennen en deze meerdere keren opnieuw te bezoeken onder verschillende verlichting, met name onder de gouden uren, en opnieuw onder bewolkt licht. Ik heb het geluk dat ik een flexibel schema heb waarin ik mijn fotografie rond het weer en licht kan plannen, dus het scouten van locaties is belangrijk.
Als ik zie dat de wolken 's avonds rond de zon draaien, weet ik dat dit een interessante zonsondergang zal maken. Ik wil kunnen gaan naar een gebied dat ik al heb gescout en vertrouwd is met het landschap.
Ironisch genoeg zijn sommige van mijn favoriete foto's het resultaat van helemaal geen scouting van locaties, dus het is niet noodzakelijk een vereiste voor mij. Ik zou nooit een gelegenheid doorgeven om een nieuw gebied te fotograferen omdat ik het nog niet heb onderzocht. Het fotograferen van een locatie zonder plan of focus kan bevrijdend zijn en laat je creativiteit stromen zonder de beperkingen van een vooraf bepaald beeld.
De gouden uren zijn door het grootste deel van mijn werk een rode draad geworden. Ik heb een diepe emotionele connectie met dit moment van de dag, de momenten vlak voor zonsondergang en na zonsopgang. Licht speelt een grote rol in mijn creatieve proces en de gouden uren geven mij mijn favoriete soort.
Ik vind het leuk om de gouden uren in bredere zin te zien dan alleen een 'stijl' of 'tijd'. Ik beschouw het als een canvas waarop ik kan creëren. Hiermee kan ik het landschap interpreteren zoals ik het zie, en nog belangrijker, hoe ik het ervaar. Het is geen persoonlijk project of een fase, maar een deel van wie ik ben, zoveel als fotografie.
Licht is de drijvende kracht achter mijn fotografie en inspireert veel van wat ik doe. Zowel de gouden uren als de bokeh worden beïnvloed door licht, dus ik ben er absoluut mee verbonden.
Natuurlijk licht biedt me de middelen om te creëren, en het meest opwindende is dat het niet kan worden gecontroleerd. Ik geloof dat deze behoefte om het licht te huisvesten mijn creatieve ontwikkeling gestaag heeft doen evolueren.
Bekendheid met het landschap is iets dat de verbinding ermee verbetert, en deze verbinding dient als basis waarop ik mijn beelden bouw. Ik besteedde meer dan een jaar aan het fotograferen van hetzelfde strand door alle seizoenen, en elk beeld zou een geheel nieuwe ervaring oproepen die werd versterkt door deze verbinding. Het is een rode draad in mijn werk.
Locatie is erg belangrijk voor mij, en om het landschap opnieuw te kunnen bekijken en er een verbinding mee te kunnen maken, is een krachtige ervaring.
Verschillende mensen hebben me verteld dat ze wisten dat het mijn foto was voordat ze zagen wie de echte fotograaf was. Ik zie de consistentie tussen mijn afbeeldingen niet, althans niet een die overduidelijk is. Anderen kunnen het echter zien, dus mijn perspectief moet een beetje subjectief zijn.
Als ik naar mijn foto's kijk, zie ik niet alleen de visuele verschillen, maar ik kan het moment, de atmosfeer, de emoties opnieuw beleven. Elke foto vertegenwoordigt een unieke ervaring en herinnering voor mij, dus dat moet invloed hebben op mijn kijk op de individualiteit van elk beeld.
Vanuit technisch oogpunt zijn er verschillende kwaliteiten die ik graag consistent in mijn portfolio zie, namelijk een scherpe focus en een goede belichting: een zonder opgeblazen hoogtepunten of verbrijzelde schaduwen. Ik verken ook het volledige toonbereik van een scène, waarbij ik de grenzen van het contrast verleg zonder schade aan het laatste stuk te veroorzaken.
Ik gebruik meestal geen graduele filters met neutrale dichtheid (GND's). Het grootste deel van mijn werk wordt bereikt door het mengen van de belichting. Dat wil niet zeggen dat de een beter is dan de andere, maar dat ik graag werk in de digitale donkere kamer en ook graag de veelzijdigheid van het gebruik van maskers om selectief te beslissen waar ik mijn belichting wil aanpassen, dus het is veelzijdiger dan GND's.
Aan de andere kant heb ik af en toe te maken met ghosting, maar ik heb geleerd om dat door (soms vervelend) bewerken te omzeilen. Ik geniet van dat deel van fotografie, maar anderen misschien niet, en daarom moet het pad dat je kiest rond je workflowvoorkeur draaien.
Als je graag in de digitale donkere kamer werkt, is blending met belichting iets dat je foto's enorm zal verbeteren. Mijn achtergrond in Photoshop en technologie is sterk, waardoor blootstelling een techniek combineert die harmonieus aansluit bij mijn vaardigheden.
Blootstellingsmenging en GND-filters zijn twee paden naar hetzelfde resultaat. Er is geen betere methode in algemene zin, maar eerder op individuele basis. Degene die je het meest geniet, zal duidelijk zijn in je werk.
Ik duw beslist de envelop in van wat in de werkelijkheid wordt gezien. Voor mij is het een fijne lijn om mee te lopen en ik steek het soms over. Het is echter niet alleen voor de visuele impact. De kleur en het tonale werk dat ik doe is volledig afhankelijk van de scène, met name mijn emotionele verbinding met dat specifieke moment.
De ervaring die ik had bij het maken van een foto bepaalt hoe het eindresultaat eruit zal zien en het pad naar de uiteindelijke afbeelding is nooit duidelijk voor mij. Ik zal vaak uren of zelfs meerdere dagen aan een foto werken totdat ik opnieuw creëer wat ik voelde.
Als ik bijvoorbeeld een naderende storm fotografeer en de atmosfeer vol drama is en de wolken zwaar en dicht zijn. Ik zal de kleuren en tonen aanpassen om de intensiteit weer te geven die ik op dat moment voelde. Voor andere foto's demp ik de kleuren en verzacht de tonen als het een bijzonder serene en kalmerende ervaring was.
Het is geen methode om de kijker te misleiden - om een scène te verfraaien of te veranderen in een poging om verkeerd voor te stellen - integendeel eigenlijk. Het is mijn manier om de visuele ervaring completer te maken, een meer getrouwe weergave van hoe die tijd voor mij was.
Je zult fotografen horen zeggen "je moest erbij zijn" in een poging dat moment over te brengen, en er is veel waarheid in die verklaring. Ik heb het gevoel dat dit komt doordat je de diepere verbinding die je met een bepaald beeld hebt, niet kunt verklaren, of op zijn minst op een manier die anderen ook kunnen ervaren.
Het is iets dat je niet met woorden kunt uitleggen, dus de beelden die ik maak, zijn die inkapseling van die hele ervaring, de beelden, de emoties, de atmosfeer en het infunderen in mijn werk om dat moment na te bootsen. Het wordt geabsorbeerd, vertaald en vervolgens geprojecteerd.
Dit is de reden waarom ik mijn verwerkingsworkflow voor kleur niet volledig heb kunnen uitleggen. Het is meer dan het toevoegen van aanpassingslagen en maskers, het is uniek voor elke afbeelding. Als ik de technische workflow net heb gedetailleerd, zou het geen volledige uitleg zijn.
Hoe verklaar ik het proces van het ontwikkelen van een emotionele verbinding met het landschap, en laat ik dat dicteren in welke richting ik mijn montage aanstuur? Het zal het eerste onderwerp zijn waar ik me moet concentreren op inspiratie in plaats van een concreet proces uit te leggen. Ik wil in een toekomstig e-boek graag praten over kleurverwerking, maar het wordt een zeer uitdagend onderwerp om aan te pakken.
Mijn vorige eBooks gaan over technieken die heel eenvoudig zijn, zoals het overwinnen van blootstellingsuitdagingen in het veld, welke elementen heb je nodig om bokeh te maken, enz. Ze zijn concreet, methodisch (grotendeels) en niet helemaal persoonlijk.
Mijn kleur en tonale bewerking brengt echter veel emotie en innerlijke dialoog in de vergelijking, dus ik moet een manier vinden om uit te leggen hoe mijn emoties mijn werkproces begeleiden. Het is een zeer intimiderend concept om onder woorden te brengen.
Het bewerken van mijn werk is beperkt tot kleuren en tonen. Afgezien van dat, wat je ziet is wat ik zag. Ik voeg geen elementen toe of trek er geen af van mijn afbeeldingen.
Het hele creatieve proces van het verkennen van een locatie tot de presentatie van het uiteindelijke beeld is een etherische en verslavende reis. Het is een heel grondende ervaring, maar tegelijk bevrijdend. Ik voel me helemaal aan het einde ervan en wil er nog een keer doorheen.
Als ik je een van mijn afbeeldingen laat zien, kan ik je precies vertellen wat ik die dag voelde en hoe de ervaring was: de geluiden, de geuren, de atmosfeer. Ik heb een diepe verbinding met ze allemaal. Het is op een bepaalde manier euforisch.
Terugkomend op de vorige vraag, creëer ik deze emoties en ervaringen via mijn workflow, dus ik denk dat dat een heel persoonlijk deel van mij zou achterlaten in elk van mijn afbeeldingen.
Mijn uitrusting is vrij eenvoudig. Ik gebruik een Canon 5D body met drie prime lenzen in mijn verzameling, de 24mm f1.4, 85mm f1.8 en 300mm f4. Ik koos al vroeg voor snelle prime lenzen omdat ik al een sterke verbinding met ondiepe scherptediepten had ontwikkeld.
Mijn Manfrotto-statief is bij mij sinds ik het in 2008 heb gekocht en is voor bijna al mijn afbeeldingen gebruikt. De kogelkop met grip-actie werkt het beste voor mij, omdat ik mijn camera snel en eenvoudig kan verplaatsen. Ik was in de verleiding om mijn systeem te veranderen en te upgraden, maar dit werkt uitzonderlijk goed voor mij en ik wil die harmonie niet onderbreken.
Het meest diepgaande advies dat ik kan geven, is ook het meest gegeneraliseerde en eenvoudige: als het verkeerd aanvoelt, doe het dan niet.
Met de onbeperkte hoeveelheid verteerbare informatie op het internet kun je gemakkelijk worden overgehaald om een pad te volgen dat niet goed bij je past. Vroeg of laat is de inconsistentie tussen wat jij denkt dat goed is en wat je wordt verteld de "juiste" manier die je als fotograaf gaat dragen, de vonk die je werk inspireert.
Als iets niet goed aanvoelt, als je werk meer een taak begint te worden dan iets dat je opwindt en inspireert, stop en analyseer je deze verbinding. Wanneer veranderde de dingen, en wat nog belangrijker is, hoe kun je teruggaan op het pad dat je plezier opleverde? Het is normaal en wordt verwacht nieuwe wegen in je werk te volgen, sterker nog, het wordt aangemoedigd. Het vermogen om te herkennen wanneer iets niet werkt en om de moed te hebben om te veranderen, zal leiden tot een bevredigend leven als fotograaf.
Je instinct is je beste vriend. Je weet wanneer iets niet werkt, en dat is het signaal om een pauze te nemen. Het is belangrijk om af en toe de tijd te nemen om opnieuw te focussen, zelfs als de dingen soepel lijken te verlopen. Het is ongelooflijk verfrissend en helpt je opnieuw te verbinden met wie je bent als fotograaf.
Het fantastische aan fotografie is dat elke fotograaf een unieke visie heeft, een eigen verhaal te vertellen. Ik denk dat fotografie een revolutie doormaakt waarbij veel meer waarde wordt besteed aan wie de fotograaf is, meer specifiek, welk uniek talent en welke vaardigheden zij bezitten.
Fotografen proberen tegenwoordig niet het werk van anderen na te streven, tenminste niet als ze het vak hebben geleerd. Ik zie meer nadruk gelegd worden op hun individualisme: hun visie, creativiteit en hun vermogen om dat te laten zien door hun werk.
Ik geloof dat de uniciteit van de industrie het mogelijk maakt dat er veel professionele fotografen zijn en nog steeds in staat zijn om de kost te verdienen door te doen waar ze van houden. Niet elke 'consument', of het nu een klant, student of een appreciator van kunst is, zoekt hetzelfde resultaat, dus er is voldoende gelegenheid om rond te gaan.
Deze vraag heb ik precies een jaar geleden gesteld en ik heb gezegd dat mijn toekomstplannen ook het schrijven van een eBook zijn. Nu heb ik er vier geschreven, dus het is een beetje onwerkelijk om deze twee verschillende fasen in mijn carrière met elkaar te vergelijken. Ik denk nu veel anders dan vorig jaar.
Mijn focus is nu om fotografie te leren door middel van mijn geschriften en eBooks, dus dat is iets wat ik ga doen. Het was een ongelooflijk lonende ervaring voor mij omdat ik een achtergrond in lesgeven heb, maar nu de mogelijkheid heb om een onderwerp te onderwijzen waar ik zo intens gepassioneerd over ben.
Fotografie is een constante en krachtige kracht geweest in mijn leven, en deze ervaring is alleen maar versterkt door anderen te inspireren om een soortgelijk verband te ontwikkelen. Ik ben pas begonnen met lesgeven via eBooks, dus ik kijk er naar uit om op dit pad te reizen en te zien wat zich ontwikkelt.
Wat betreft mijn persoonlijk werk, dat is een vraag die ik niet kan beantwoorden. Ik laat de seizoenen en het landschap mijn inspiratie inspireren en ik weet nooit welke richting mij zal leiden.
Accentsconagua