Share
Het label "landschapsfotograaf" is gemakkelijk wat de meeste mensen gebruiken wanneer ze Guy Tal-foto's te zien krijgen. Maar de auteur is geen 'landschapsfotograaf', meer iemand die de plaatsen fotografeert, schrijft en ademt waar hij het meest vertrouwd mee is.
Ik ken Guy Tal's werk al geruime tijd, maar heb tot nu toe nooit met hem gesproken. Zijn kleurenwerk is iets dat ik bewonder, niet alleen voor de grootsheid van het landschap, maar ook voor de rust die uit elke rechthoek uitademt. Het voelt alsof je een venster opent naar andere ruimtes, niet alleen om te staren naar "een geweldige foto", maar ook omdat je voelt dat er meer betekenis in het beeld zit dan alleen lijnen en compositie. Er is emotie.
Onlangs kwam ik wat zwart-wit werk tegen van Guy Tal en ik was opgewonden en verbaasd. Kleur en zwart en wit zijn op een of andere manier, vanuit mijn oogpunt, verschillende disciplines, dus ik vond dat ik een goede reden had om een interview te doen dat zinvol zou zijn en niet alleen mijn vragen zou beantwoorden. maar ook, naar ik aanneem, degenen die je ook Guy Tal zou willen vragen.
In de brede zin van het woord ben ik een full-time kunstenaar en schrijver, hoewel zulke labels vaak tekortschieten in het bieden van een echt gevoel van wat ik doe (ik vermoed dat ik niet alleen sta in dat van kunstenaars). Ik heb meer dan vier decennia in verschillende omgevingen doorgebracht.
Ik ben soldaat, universitair docent, technologie-adviseur en manager en nog veel meer. Uiteindelijk vond ik mijn roeping in een afgelegen regio in het westen van de Verenigde Staten, bekend als het Colorado-plateau - een enorm, mooi en dun bevolkt landschap van woestijnen, ravijnen, bergen en bossen die ik intiem heb leren kennen en die mijn werk inspireren.
Zoals de meeste mensen, heb ik eerst een camera opgehaald om gebeurtenissen en mensen in mijn leven te documenteren. Als tiener was ik dol op het verkennen van de velden en boomgaarden rond mijn huis. Op een dag leende ik om de redenen die ik me niet eens kan herinneren, de oude Minolta van mijn vader en ging wandelen.
Uiteindelijk heb ik urenlang alles gefotografeerd, van insecten en bloemen tot bomen en wolken. Het was stimulerend en opwindend. Mijn opwinding werd al snel beteugeld toen ik mijn film terugkreeg en ontdekte dat geen enkele afbeelding erop goed was belicht of gefocust, maar de ervaring was zo diep dat ik besloot te verbeteren en de camera werd een metgezel bij bijna al mijn verkenningen sinds.
Om precies te zijn, leef ik niet alleen van fotografie, maar ook van lesgeven, schrijven en spreken over creatieve onderwerpen. Mijn passie neemt in de loop van de tijd alleen maar toe. Als het ooit een 9-tegen-5 beroep zou worden, zou ik zeker snel interesse verliezen. Er zijn veel betere banen dan creatieve fotografie, maar niet veel betere levens.
Misschien is het vermeldenswaard dat ik niet verzuil wat ik doe. Er is geen "fotograaf Guy" anders dan "schrijver Guy" of "van werk Guy". Er is slechts één Guy. Fotografie is slechts één manier om mezelf met de wereld te delen, maar ik scheid het niet van wie ik ben, of van iets anders dat ik doe.Ik ben een zeer rustige persoon die het liefst in eenzaamheid werkt en ernaar streeft om werk te creëren dat intimiteit en introspectie verleent.
Ik denk dat het gebruik van een dergelijke simplistische indeling vaak nadelig is voor een kunstenaar en wat ze proberen over te brengen in hun werk. Als je bijvoorbeeld kijkt naar de Sterrennacht van van Gogh, dan verwijs je daar niet naar in termen van "een olieverfschilderij van een Nederlandse post-impressionistische kunstenaar" (tenzij je veel tijd in de Academie hebt doorgebracht, dat wil zeggen).
Integendeel, de kennis van de biografie van Van Gogh en de motivaties achter zijn keuzes voor stijl, kleur, onderwerp en media voeden zich tot een veel diepere indruk. Categorieën helpen dingen te verdelen op objectieve kenmerken; maar kunst is uiteindelijk misschien wel de meest subjectieve vorm van expressie. Hoe meer je weet over de kunstenaar, hun inspiratie, hun achtergrond, hun filosofie en overtuigingen, en het nageslacht van een specifiek werk, hoe rijker je ervaring zal zijn.
Dus, wat ben ik? Ik ben iemand die een zinvol bestaan wil leiden, en voor mij betekent dat communiceren met het wild, vaak gebruik het als metaforen om mijn eigen bestaan te interpreteren en mijn eigen wereldbeeld te vestigen. Ik probeer geïnspireerd te worden en mijn inspiratie te delen.
Ik zoek geluk, niet in de oppervlakkige zin, maar in termen van een diepe en blijvende tevredenheid en tevredenheid over mijn leven, en ik vind dat anderen helpen hetzelfde te vinden mijn eigen ervaring verheft. Daartoe zoek ik naar zinvolle ervaringen in alles - in wat ik doe, in de plaats die ik voor mijn huis heb gekozen, in hoe ik me verhoud tot andere mensen, en in de dingen die ik mooi vind. Ik weet niet zeker of er een eenvoudige term is die dat goed kan beschrijven.
Ja, heel veel. Dit is een gebied waar ik anders ben dan de meeste landschapsfotografen. Ik besteed niet veel tijd aan het alleen nastreven van dingen voor hun visuele schoonheid. Ik wil mijn relatie met het landschap fotograferen dat ik fotografeer, en mijn relatie met de plaatsen in mijn huis is veel rijker en complexer dan ik met een landschap waar ik niet helemaal vertrouwd mee ben, hoe visueel aantrekkelijk ook.
Anders gezegd, ik heb veel meer te zeggen, en nog veel meer verhalen over plaatsen die persoonlijk betekenisvol voor me zijn, waar ik mijn dagen en nachten doorbreng - plaatsen die de basis vormden voor enkele van de meest memorabele en belangrijke gebeurtenissen in mijn leven en waarmee ik intiem vertrouwd ben, dan ik zou doen over een willekeurige berg of rivier of strand waar ik maar een toevallige bezoeker ben.
Ik wil niet gewoon het externe fineer van een plaats documenteren. Ik wil er een interpretatie van aanbieden, en om dat te doen heb ik een zekere bekendheid nodig en moet ik er gedurende een aanzienlijke periode mee omgaan.
Dat is een moeilijke vraag om in algemene zin te beantwoorden. Hoe meer ik met andere kunstenaars omga, hoe meer ik besef dat we elk onze eigen weg naar ons werk vinden. Als ik voor mezelf spreek, moet ik in een bepaalde gemoedstoestand zijn en door iets worden geïnspireerd om een goed imago te creëren volgens mijn eigen normen. Voordat ik fulltime kunstenaar werd, woonde ik in een stad en maakte ik altijd beelden wanneer ik weg kon van mijn werk.
In die tijd geloofde ik dat het enige verschil tussen wat ik aan het doen was en iemand die het professioneel deed, de tijd was die ik eraan moest besteden. Ik had het mis. In staat zijn om mezelf onder te dompelen in de ervaring zonder afleiding, en om letterlijk te leven met mijn onderwerpen, is een heel andere ervaring, en mijn afbeeldingen van vandaag zijn niet hetzelfde als degene die ik toen heb gemaakt. Ze kunnen vergelijkbare onderwerpen beschrijven, maar ze hebben niet dezelfde betekenis.
Tegenwoordig ga ik niet expliciet op zoek naar dingen om te fotograferen. In plaats daarvan ga ik uit om geïnspireerd te worden en vertrouw erop dat de beelden naar me toekomen als onderdeel van de ervaring. Een trofee-afbeelding gemaakt op een gehaaste reis naar een iconische plek, beweegt me gewoon niet op dezelfde manier als iemand die zichzelf aan mij openbaart, terwijl ik door anonieme plaatsen wandel, luister, kijk en ruik, neem mijn tijd, beweeg naar mijn eigen tempo, denken over het leven en genieten van de ervaring.
Het landschap en de visie zijn geen afzonderlijke concepten. Het landschap informeert, inspireert en evolueert de visie, en de visie laat me steeds meer waarderen over de ervaring van het zijn in het landschap.
Ik trek een grens tussen 'geleerd' en 'geïnspireerd'. Vaardigheden kunnen worden aangeleerd, maar gevoelens kunnen alleen worden geïnspireerd. Ik kan mijn eigen ervaringen beschrijven en waarom ze betekenisvol voor me zijn, en ik hoop dat mijn studenten geïnspireerd zullen worden om hun eigen ervaringen te zoeken. Ik erken ook dat verschillende mensen hun inspiratie kunnen vinden op verschillende plaatsen, onderwerpen en manieren. Ik moedig ze aan niet alleen het werk van anderen na te bootsen, maar hun hulpmiddelen toe te passen om zichzelf te uiten.
Ik heb niet gezegd dat ik geen fotograaf ben, maar dat ik simpelweg als fotograaf de belangrijker aspecten misloop van wie ik ben en wat ik doe. Fotografie is gewoon een verzameling gereedschappen en processen en, dankzij het gebruik van fotografische hulpmiddelen, ben ik dat ook een fotograaf en ik geef fotografische technieken. In mijn workshops besteed ik echter ook veel tijd aan het bespreken van creatieve onderwerpen, elementen van visueel ontwerp (compositie, kleur, perceptie, etc.).
Mensen reageren op verschillende manieren, wat te verwachten is. Degenen die naar de workshop komen om eenvoudig met trofee-afbeeldingen terug te komen, zullen die onderwerpen nastreven, maar ik maak er een punt van om te benadrukken dat dit niet het primaire doel van de workshop is.
Ik probeer een sfeer te creëren waarin deelnemers zich niet gedwongen voelen om te concurreren met hun leeftijdsgenoten en hun tijd kunnen besteden aan het oefenen van de geleerde vaardigheden. Ik zal nooit iemand belonen voor een "beste beeld". In plaats daarvan vraag ik ze hun werk te delen en de beweegredenen erachter te verklaren. Alle interpretaties zijn geldig.
Ik denk dat de scheiding meer een perceptie is dan een objectief kenmerk, zoals palet of proces. Het is een andere manier om een onderwerp te ervaren of, omgekeerd, een andere manier om verschillende betekenissen te uiten.
Ik heb een zeer duidelijke vooruitgang ervaren in mijn benadering van zwart en wit werk. In het verleden merkte ik dat ik alleen zag waarnaar ik op zoek was. Als ik erop uit was om zwart-witfoto's te maken, dat is alles wat ik zag, en als ik op zoek was naar kleurenfoto's, dat is alles wat ik heb vastgelegd.
Ik besefte dat een dergelijke strikte scheiding uiteindelijk een weerspiegeling was van mijn eigen beperkingen. Mijn hersenen moesten denken in termen van het ene medium of het andere, omdat ik dacht in termen van beelden en esthetiek, in plaats van interpretaties.
Met meer oefening en vaardigheden werd ik minder bezig met beelden en meer bewust van wat ik over een bepaald onderwerp wilde zeggen. De keuze van het medium werd een bijproduct van wat ik over een bepaald onderwerp wilde zeggen. Ik vind het leuk om te denken aan visuele geletterdheid. Door te oefenen, verkrijg je een groter vocabulaire en worden je uitdrukkingskrachten uitgebreid.
Als je even vloeiend bent in de kleurentaal als in de zwart-wittaal, hoef je niet per se in de een of de ander te denken, je zoekt gewoon naar degene die het beste leent voor wat je wilt uitdrukken. Hetzelfde geldt voor gesproken taal. Mensen die vloeiend zijn in meerdere talen weten dat sommige begrippen het beste worden uitgedrukt, of alleen bestaan, in sommige talen en niet in andere talen.
Zoals ik in een van mijn eBoeken vermeld, denk ik dat zwart-witfotografie een van de meest toevallige ongelukken in de geschiedenis van de beeldende kunst is. Sinds de oprichting en vele decennia daarna was alle fotografie monochroom en de meeste kijkers zijn geconditioneerd en beschouwen het niet intuïtief als een afwijking van de werkelijkheid.
Elke dag vergezellen grote nieuwsuitzendingen hun feitelijke journalistieke rapporten met zwart-witafbeeldingen zonder speling. Ik vermoed dat als kleurenfotografie voorop zou komen, dit niet het geval zou zijn.
Dat gezegd hebbende, bij het maken van artistieke beelden biedt zwart en wit tools en uitdrukkingsmiddelen die niet mogelijk zijn met kleur, juist omdat het een afwijking is van de werkelijkheid, die niet intuïtief als zodanig wordt waargenomen.
In een zwart-witafbeelding kun je een bepaald onderwerp in bijna elke tint weergeven zonder de gevoeligheden van de kijker te belemmeren. Dit zou niet mogelijk zijn geweest als we al zoveel jaren niet zo geconditioneerd waren om zwart-witafbeeldingen te accepteren als geldige visuele representaties. Door louter toeval dient de geschiedenis om zwart-witfotografen te bevrijden van de letterlijke beperkingen die anders kleurenfotografie binden.
Ik aarzel om te voorspellen hoe mensen me in de toekomst zullen kennen. Voor mij maken zwart en wit net zo veel deel uit van mijn visuele vocabulaire als kleur, en ik gebruik het waar ik het passend acht. Als ik iets te zeggen had, hoop ik dat ik herinnerd word als een kunstenaar, schrijver en leraar, in plaats van de beperkte beperkingen van kleur of zwart en wit.
Mijn doelen verschillen niet op basis van het medium dat ik gebruik. Zowel fotografie als schrijven zijn de gereedschappen die ik toevallig bezit. Ik probeer veel meer nadruk te leggen op de dingen die ik in mijn werk wil uitdrukken, dan op de mechanica van de hulpmiddelen die worden gebruikt om ze uit te drukken.
Ze zijn allemaal middelen tot een doel; niemand is meer of minder geldig dan de anderen, en niet meer of minder geldig dan andere artistieke middelen zoals schilderen, muziek of beeldhouwkunst. Ze hebben elk hun sterke en zwakke punten, maar zijn lang niet zo belangrijk als de indruk die ze uiteindelijk met hun publiek maken.
Ik zal uitstellen naar de wijsheid van Hermann Hesse: "Er is geen realiteit behalve degene die in ons is. Dat is de reden waarom zoveel mensen zo'n onwerkelijk leven leiden. Ze nemen de beelden buiten hen voor de realiteit en staan de wereld nooit toe om zichzelf te laten gelden. "
Er is maar één realiteit waarin ik werk en dat is mijn eigen kijk op de wereld. Het kan op verschillende manieren en in verschillende media worden uitgedrukt, maar het is altijd dezelfde realiteit.
Er is veel gezegd over de rol van beperkingen in de kunst. Net zoals we artistieke vrijheid prijzen, zijn beperkingen van vitaal belang om het werk te focussen, zodat het effectiever is om het gewenste effect te bereiken. En uiteindelijk kan niemand van ons een meester zijn in alle kunsten, talen en stijlen.
We kiezen uiteindelijk die beperkingen die het best passen bij wat we willen uitdrukken. Voor sommigen zijn de beperkingen zo smal als kleurenfotografie of volledig zwart-witfotografie of haiku of jambische pentameter. Voor anderen kunnen ze worden verbreed tot zaken als fotografie, poëzie of schilderen.
Anderen zijn nog steeds in staat verschillende disciplines onder de knie te krijgen en zinvol werk in allemaal te produceren (was Leonardo da Vinci een schilder? Een wetenschapper? Een ingenieur? Een muzikant? Al het bovenstaande?). Dit weerspiegelt op geen enkele manier de waarde van het werk, maar alleen de persoonlijke gevoeligheden van de kunstenaar.
Over wie meer of minder ziet; Sommige mensen kunnen rijke lichamen produceren in alleen maar kleur, of gewoon monochroom, terwijl anderen geen zinvol beeld kunnen maken, ongeacht het aantal media waarin ze werken. Het onderscheid ligt niet in de tools, maar in de geest, vaardigheid, verbeeldingskracht en creativiteit van de kunstenaar die ze gebruikt.
In mijn werk van vandaag wordt de beslissing niet expliciet gemaakt, maar impliciet. Naast de eenvoudige mechanica van het gebruik van een camera, is de belangrijkste vaardigheid die een fotografische kunstenaar kan bezitten, het vermogen om effectief te visualiseren. Dat wil zeggen, om alle mogelijke manieren te bedenken om een concept uit te drukken, en om degene te kiezen die het beste past.
Meestal betekent dit dat ik instinctief zal weten of een concept het best in kleur of in zwart-wit wordt weergegeven voordat ik de camera ooit aanraak. Maar dat is geen vaste regel. De aard van creativiteit is zodanig dat epiphanies kunnen gebeuren op elk moment dat ik bezig ben met mijn werk. Soms zal ik beseffen dat mijn oorspronkelijke visualisatie misschien niet de meest effectieve is, en ik kan ervoor kiezen om het beeld in een andere richting te nemen tijdens de verwerking.
Het creatieve proces is niet lineair, behalve in zijn mechanische aspecten. Als het gaat om het uiten van een concept, kunnen nieuwe ideeën het werk op verschillende manieren sturen. Het is belangrijk om niet vast te zitten in slechts één mogelijke uitkomst. Door dat te doen wordt de creativiteit onderdrukt, wat de motor is die kunst mogelijk maakt.
Het antwoord ligt in de vraag. Techniek is belangrijk, maar zonder emotie, verbeelding, ervaring en creativiteit kun je op zijn best hopen op goed gemaakte beelden. Streef ernaar om in plaats daarvan betekenisvolle afbeeldingen te maken. Deze kunnen alleen afkomstig zijn van introspectie.
De belangrijkste vraag die iemand over een afbeelding kan stellen, is niet hoe deze is gemaakt, maar waarom, en het waarom is niet vervat in het onderwerp of de hulpmiddelen. Het moet van de persoon achter de camera komen. In plaats van op zoek te gaan naar eenvoudige esthetiek, probeer iets zelf te maken - je gedachten en gevoelens over de dingen die je fotografeert, of over iets anders dat door het beeld kan komen.
Het eenvoudigste en meest effectieve advies komt tot uiting in de woorden van Mark Twain: het woordenboek is de enige plaats waar succes vóór het werk komt. Experimenteer, werk, oefen, besteed zoveel mogelijk tijd aan je vakken, studeer, onderzoek, lees, volg lessen en wees voorbereid om steeds opnieuw te falen voordat je slaagt.
Er zijn geen snelkoppelingen. Er is een schat aan kennis om je te helpen je basis op te bouwen, maar streef er altijd naar om iets van jezelf in je werk tot uitdrukking te brengen. Vergeet niet dat er een verschil is tussen een geweldige afbeelding en een afbeelding van iets geweldigs.
Ik denk dat de uitgeefmarkt een revolutie doormaakt - een democratisering, waar grote zakelijke belangen niet langer dicteren wat het daglicht ziet en wat niet. Met eBooks kan iedereen een auteur zijn en elke doelgroep bereiken.
Dit heeft ingrijpende financiële en creatieve implicaties voor iedereen die zijn geschreven werk wil delen. Ik vind het een absolute zegen voor zowel auteurs als lezers, maar moet niet als vanzelfsprekend worden beschouwd. Het legt ook een grotere verantwoordelijkheid op aan lezers in termen van het onderzoeken, filteren en consumeren van geschreven inhoud.
Ik ben van plan om meer titels aan te bieden in de Creative-serie (waarschijnlijk met betrekking tot de onderwerpen visuele samenstelling en veldtechnieken). Ik ben ook van plan een ander soort e-boeken aan te bieden, naar ik zeg, meer filosofische aspecten van het benaderen van beeldende kunst en de voordelen ervan in iemands leven te integreren..
Accentsconagua