Share
In de geest van veel muzikanten is muziekproductie een of ander soort tovenarij of een overgetypt stapelbed. Hoewel het waar is dat beide mogelijk zijn, komt meestal het werk van een producer neer op hard werken, ervaring, een paar goede oren en een echt gevoel voor wat de muziek doet werken. Deze serie over muziekproductie is gebaseerd op mijn nieuwe boek, The Music Producer's Handbook, waarin ik een aantal basistechnieken voor de productie zal beschrijven en hopelijk het vail van mysterie uit het proces zal verwijderen. Houd er rekening mee dat we de relatie van een producer met een band of een artiest met een begeleidingsband of studiomuzikanten zullen bekijken. We zullen later in de serie zelfproductie aanpakken.
Preproductie is het moment waarop alle nummers en arrangementen worden uitgewerkt en verzoet voordat ze de studio binnengaan om op te nemen. Het kan plaatsvinden in een garage, een slaapkamer of een oefenruimte en kan van slechts een dag tot een paar maanden duren..
Een lang preproductieschema is over het algemeen een functie van het werken met artiesten of bands die hun eigen nummers schrijven en die al in hun carrière zitten, omdat de nummers en arrangementen soms behoorlijk wat aanpassingen vereisen. Kunstenaars en bands die later in hun carrière werken, hebben meestal een groter gevoel voor ordening en muzikale uitvoering en zijn muzikaal genoeg verfijnd genoeg om de preproductiefase tot een minimum te beperken..
Er is nauwelijks enige prototypering voor commercials en film- of televisiescores, omdat de componist het arrangement van tevoren goed heeft uitgewerkt en de muzikanten zo bekwaam zijn om het ter plekke te leren of te lezen.
Als er genoeg tijd is, wordt de voorbewerking in drie secties onderbroken: voor, tijdens en na de repetities. Elk speelt een belangrijke rol bij het voorbereiden van de artiest of band op de eigenlijke opname.
Voordat de eerste repetitie begint, zal de producer meestal de tijd nemen om de artiest of band te leren kennen, en omgekeerd, als ze elkaar al niet goed kennen. Er moet een periode zijn waarin een rapport en comfortniveau wordt ontwikkeld om dingen soepel te laten verlopen in de studio, en preproductie is het moment waarop dat gebeurt.
Een van de belangrijkste aspecten van het leren kennen van een artiest is het leren van welke muziek zij houdt, is beïnvloed door, en luistert nu naar. Een effectieve manier om dit te doen heeft zijn wortels in de tijd van vinyl platenalbums, wanneer de producent naar het huis van de kunstenaar zou gaan en ze een stel albums uit hun verzameling op de vloer zouden gooien, en dan beschrijven wat ze leuk vonden en niet deden. ik hou van elk van hen. Je kunt nog steeds hetzelfde doen met CD's, of een telefoon-, iPod- of iTunes-afspeellijst gebruiken (uiteraard zonder het gooien). Een van de te stellen vragen kan zijn:
Wat vind je leuk of niet leuk aan de artiest waar je naar luistert? Waarom?
Vind je het geluid van de opname leuk? Waarom?
Van welke opnames houd je het geluid? Waarom?
Wat zijn enkele van je favoriete records? Waarom?
Wat zijn je grootste invloeden? Waarom?
Wat vind je leuk aan mijn werk (de producent - als je al een oeuvre hebt)? Waarom?
Deze vragen geven de producent inzicht in de invloeden, sympathieën en antipathieën van de artiest, die de producent een beter idee geven van wat de artiest of band nodig heeft om de aankomende opname te horen.
Het is ook belangrijk om samen te gaan eten, te hangen en een gevoel te krijgen voor enkele van de hot-button-problemen. Als de zanger zich bijvoorbeeld sterk voelt over immigratie (hoe dan ook), of als de huidige lokale of nationale politiek een heuse oproer tussen bandleden oproept, weet de producer dat hij wegblijft om efficiënt werk te krijgen. later tijdens productie. Als de vriendin van de drummer het gewoon met hem heeft uitgemaakt en hij voelt zich behoorlijk depressief, is het goed om te weten dat je niet in de buurt van het onderwerp hoeft te gaan als je een geweldige prestatie wilt. Aan de andere kant, misschien krijg je een nog betere uitvoering als het onderwerp wordt opgevoed, dus dit is het moment om uit te zoeken welke weg je moet gaan.
Hoewel de producer de kant van de artiest of de band mag koesteren, of een grote broer kan helpen een depressieve speler op het juiste moment de hand te reiken om het project te verplaatsen, is het hele idee om de band gericht te houden op de taak, die maakt geweldige muziek. Dat betekent dat je de afleidingen tot een minimum beperkt, vooral degene die je zelf hebt veroorzaakt, zoals controverse over andere dingen dan muziek.
Een ander ding dat belangrijk is voor de producent om te ontwikkelen, is een set de basisregels voor het werken in de studio tijdens de preproductie. Als de producent van tevoren zegt: "We gaan elke dag werken van 12.00 tot 21.00 uur, tenzij we op rolletjes komen, maar ik beloof dat je tegen middernacht thuis bent", hebben de spelers de neiging om gefocust te blijven omdat ze weten wat verwacht van hen en voor hoe lang (de werktijd zal natuurlijk veranderen volgens de artiest). Wanneer een routine vooraf wordt ingesteld, maakt dit een groot verschil uit in de dagelijkse voorbereiding van de spelers, zelfs tot wanneer ze sneller op tijd zijn omdat de starttijd elke dag hetzelfde is. Dit helpt ook als een van de spelers een gezin heeft, omdat het hen tijdens het werk wat normaliteit in hun leven geeft.
Natuurlijk, als de zanger pas om 17.00 uur kan kwaken, wanneer zijn stem op magische wijze opent voor die van een engel, moet de producent slim genoeg zijn om in die tijd geen vocale sessies te plannen. En dat is onderdeel van wat preproductie doet - het stelt de producent in staat de sterke punten en eigenaardigheden van de spelers te leren om er het maximale uit te halen wanneer het telt.
De basisregels gaan meestal ook verder dan alleen de begin- en eindtijd. Zijn gasten welkom in de studio? Zo ja, wanneer? Zijn alcohol of drugs toegestaan (meestal geen goede keuze)? Moet een bandlid aanwezig zijn als hij niet speelt (zoals tijdens overdubs)? Dit zijn slechts enkele dingen om te trainen en de tijd om dat te doen is tijdens de preproductie.
De echte zware opheffing van de preproductie gebeurt tijdens de repetities. Je kunt vrienden worden met de artiest of band en je kunt hun eigenaardigheden, hotkeys, sympathieën en antipathieën achterhalen, maar je moet de muziek nog steeds genoeg in vorm krijgen om te kunnen opnemen, en dat kan alleen tijdens de repetities. Dit is eigenlijk een proces in drie fasen, opgesplitst in de liedjes, de arrangementen en de uitvoering van de uitvoering. Laten we naar elk kijken.
Jij (de producer) hebt waarschijnlijk eerder naar demo's of opgenomen repetitie-uitvoeringen van de nummers geluisterd voorafgaand aan de beginrepetities, maar je weet nooit precies in wat voor soort vorm ze zich bevinden totdat je ze echt hoort, en dit betekent ofwel op een show of tijdens de repetitie.
Als de songs goed zijn opgebouwd, hangt de staat van paraatheid van de songs voor opname af van de arrangementen en uitvoering van die arrangementen. Als een nummer een vorm mist of incompleet is, is het aan de producent om de schrijver te helpen het in betere vorm te krijgen of een alternatief liedje te vinden.
Hoewel songwriting op zichzelf een proces is dat te ingewikkeld is om dieper op deze post in te gaan, zijn hier een aantal veel voorkomende problemen met het schrijven van nummers om op te letten:
Geen focus - Dit betekent dat het nummer meandert van akkoord naar akkoord zonder een duidelijke structuur en geen duidelijk onderscheid tussen secties. Dit is het resultaat van het niet genoeg aan het liedje (of helemaal niet) en denken dat het klaar is voordat het tijd is. Soms zit er echt een nummer in als je het een beetje pelt, maar meestal is de enige manier om het te herstellen, om terug te gaan naar de tekentafel voor een grote herschrijving.
Een zwak koor - Een koor dat interessant is, is meestal een koor dat anders is dan het couplet. Het kan een beetje anders zijn, zoals achtergrondzang toevoegen of een ander instrument, of een accent of anticipatie op dezelfde akkoordveranderingen en melodie (zoals Michael Jackson's Stop niet totdat je genoeg krijgt met de string pad en hoorn fill, of Coldplay's Klokken met een terugkeer van de openingsriff). Of het zal heel wat anders zijn, zoals een andere set akkoordwisselingen of melodie gecombineerd met arrangementveranderingen zoals Duizeligheid door U2. Hoe dan ook, iets moet veranderen in het refrein om de energie op te tillen en het nummer gedenkwaardig te houden.
Geen brug - Bij het schrijven van een lied is een brug een intermezzo dat twee delen van de song verbindt, en een harmonische verbinding tussen die delen opbouwt door de spanning te verhogen of te verlagen. Een brug is belangrijk omdat het een basiskwaliteit biedt die te vinden is in alle kunstvormen - spanning en loslaten (in muziek van luid naar stil of stil naar luid, in schilderen van donkere naar lichte kleuren, in fotografie zou het licht zijn voor schaduwen, enz.) om dingen interessant te houden. Bijna elk geweldig nummer heeft een brug, maar er zijn af en toe uitzonderingen. Liedjes die zijn gebaseerd op de rechte 12-bar-blues hebben vaak geen bruggen maar kunnen wel dynamiek of arrangement gebruiken om de spanning en de release te bieden.
Ongeacht het aantal nummers dat je van plan bent op te nemen, wil je meestal om een paar redenen een extra nummer of twee in je zak hebben:
Misschien is alles over de sessie magisch, de band klinkt geweldig, en de uitvoering is zo precies dat je de nummers die je wilt doen brandt en wat extra tijd overhoudt. Dit gebeurt bijna nooit, maar als dat zo is, is het fijn om gebruik te kunnen maken van de 'hot streak' en een extra nummer te hebben dat klaar is om te spelen..
Een van de nummers klinkt gewoon niet zo goed, wat je ook doet. Het gevoel is niet goed, de groove is weg, de temp is uit het raam - het gebeurt, dus het is het beste om verder te gaan naar iets anders, wat alleen kan gebeuren als je dat iets extra voorbereid hebt.
In sommige opzichten is het gemakkelijker om regelingen te leren door te kijken naar wat een slechte eerst maakt. Ongeacht het soort muziek dat het is, van rock tot country tot goth tot rock-a-billy tot buitenaardse ruimtemuziek, je wilt dat het nummer interessant is voor je specifieke publiek, dus pas op voor een van de volgende dingen:
Secties die te lang zijn - Tenzij je extreem succesvol bent of een muziekstijl hebt waar dit niet van toepassing is, is het de bedoeling alle delen van het interessante en to the point te houden. Twee minuten intro's, drie minuten gitaarsolo's en vijf minuten outros zijn bijna altijd saai, dus je bent altijd beter af om een sectie te kort in plaats van te lang te hebben. Er zijn uitzonderingen (Lynard Skynards klassieker Vrije vogel, met zijn kleine ordening, veranderingen, schoppen en accenten elke 16 maten, komt voor de geest), maar het vergt meestal veel ordenende vaardigheden om het eraf te halen.
Geen intro / outro-haken - Als we het hebben over moderne populaire muziek (niet jazz of klassiek), hebben de meeste nummers een instrumentale lijn (of haak) die je aan het begin van het nummer zult horen, misschien opnieuw in het refrein, en wanneer je maar wilt intro wordt herhaald in het nummer. Een goed voorbeeld is de opening van de gitaarriff voor de Stone's Tevredenheid of de piano in Coldplay's Klokken. Het ontwikkelen van intro / outro-haken is een van de belangrijkste banen waarmee de producent altijd wordt geconfronteerd.
Instrumenten die botsen - Als er te veel instrumenten in hetzelfde frequentiebereik spelen, botsen ze. Dit is over het algemeen te zien wanneer er twee gitaristen zijn die soortgelijke rigs spelen (ze hebben beide bijvoorbeeld Strats en Marshalls), maar dit kan tussen twee willekeurige instrumenten gebeuren. Het is de taak van de producer om het register te wijzigen, het onderdeel te wijzigen, de lijn te veranderen of het geluid te veranderen om alles passend te maken.
Nummers buiten bereik voor de zanger - Laten we eerlijk zijn, sommige nummers geschreven op en voor gitaar klinken gewoon beter in A of E, maar dat betekent niet dat de zanger het echt in die toetsen kan zingen. Het is de taak van de producer om ervoor te zorgen dat het nummer de sleutel is die de zanger laat schijnen, maar het nummer van zijn essentie of geluid (soms een lange bestelling) niet berooft.
Je kunt geweldige songs en geweldige arrangementen hebben, maar als je de uitvoering niet kunt uitvoeren, klinkt het nog steeds niet goed. Het is onvermijdelijk dat de producer met het probleem wordt geconfronteerd. "Waarom klinkt dit nummer (of een deel ervan) niet goed?" Misschien voelt het geweldig op een doorloop en niet zo goed op de volgende. Misschien klinkt het geweldig, met uitzondering van een sectie. Misschien klonk het nooit geweldig, maar je denkt dat het nummer iets speciaals heeft en bereid is om de tijd te besteden aan het uitwerken ervan.
Hoewel muziek is opgebouwd rond de ongrijpbare waarde van 'voelen', wat heel moeilijk te definiëren is, zijn er bepaalde mechanismen die bepalen hoe strak de muziek wordt gespeeld en bij gebrek aan een betere term, hoe 'groot' het klinkt. Deze principes zijn van toepassing op elke vorm van muziek, van marsband tot deep house tot reggaeton tot speed metal, de principes zijn allemaal hetzelfde. Als iets niet "juist" klinkt, is dit waarschijnlijk het gevolg van een van de volgende dingen.
Spelen met dynamiek betekent spelen met minder intensiteit op bepaalde plaatsen in een lied, en luider of met meer intensiteit op andere plaatsen. De meeste jonge bands zijn zich niet bewust van de dynamiek en spelen op één volume door het hele nummer (of alle nummers, wat dat betreft), wat erg snel saai kan worden voor de luisteraar. Als de band het nummer dynamisch afspeelt, ademt het nummer qua volume. Van luid naar stil of van stil naar luid is nog een voorbeeld van "spanning en loslaten".
Het echte geheim om dynamisch te spelen is dit: Als je luid speelt, speel dan zo hard als je kunt, en als je zacht speelt, speel dan zo zacht als je kunt, zoek dan een derde niveau tussenin!
Voor een echt geweldig voorbeeld van dynamiek, luister naar Lijkt op Team Spirit door Nirvana, waar de verzen rustig zijn, de pre-refreinen luider zijn en de refreinen gewoon brullen.
Er zijn drie timingonderdelen die, als ze niet op dezelfde manier door elk bandlid worden uitgevoerd, het nummer slordig laten klinken: het nummer begint en stopt, de groove, en valt aan en releases. Laten we naar een ieder kijken.
Lied begint en stopt (begin en einde) - Je zou songbegin kunnen noemen en "begin en einde" kunnen stoppen, behalve dat er soms haltes zijn en midden in een nummer beginnen. De truc hier is om ervoor te zorgen dat iedereen het nummer op hetzelfde moment start en stopt. Deze kunnen niet voor later worden achtergelaten, of worden behandeld met een "Het zal beter zijn in de studio" -houding. Oefen elke start en stop totdat iedereen is opgesloten en weet het als de rug van hun hand! Als het nog steeds niet klinkt na vijf of zes pogingen, vraag dan aan elk bandlid: "Hoe speel je het?". Zoals het geval is met de meeste dingen die niet strak sluiten, is er ten minste één speler die de dingen misschien iets anders speelt dan de rest. Ongeacht hoe het nummer begint of eindigt, iedereen moet het op dezelfde manier spelen - geen uitzonderingen.
The Groove - ALLE goede muziek, of het nu Rock, Jazz, Classical, Rap of wat nieuwe ruimtemuziek is die we nog niet hebben gehoord, heeft een sterke groove. Je hoort altijd over "de groove", maar wat is het?
The Groove Is The Pulse Of The Song en How The Instruments Dynamically Adem ermee.
Een veel voorkomende misvatting van een groove is dat het een perfecte tijd moet hebben, maar een groef wordt gecreëerd door spanning tegen een gelijkmatige tijd. Dat betekent dat het niet perfect hoeft te zijn, gewoon even, en alle uitvoeringen hoeven niet dezelfde hoeveelheid "gelijkmatigheid" te hebben. In feite maakt het de groef stijf als het te perfect is. Dit is de reden waarom het kwantiseren van onderdelen en het oplijnen van elke hit in een werkstation tijdens het opnemen vaak het leven uit een nummer haalt. Het is te perfect omdat er geen spanning is. Het is zijn groove kwijt.
De ritmesectie laten groeven met de rest van de band is veel moeilijker dan je denkt, aangezien gitaristen niet altijd naar de drummer luisteren, een toetsenist misschien wel metronomische tijd heeft en toch een moeilijke tijd heeft om zijn / haar linkerhand te coördineren met de drummer. bassist, en vocalisten zullen vaak vergeten dat er een band achter hen aan het spelen is. De sleutel is dat iedereen in de band naar elkaar luistert!
Aanvallen en releases - Aanvallen en releases (soms "articulaties" genoemd) zijn een van de meest over het hoofd gezien, maar de belangrijkste elementen bij het samen spelen. Aanvallen en releases verwijzen meestal naar een zin die je speelt of zingt. Het aanvalsgedeelte is eenvoudig - iedereen begint op dezelfde manier te spelen of te zingen. De releases zijn wat over het hoofd gezien wordt. Een release is hoe je een zin beëindigt en is net zo belangrijk als hoe je het start. Nogmaals, iedereen moet het op precies hetzelfde spelen.
Een ander vaak over het hoofd gezien deel van een nummer dat strak moet zijn, is de omslag tussen secties, zoals de één of twee maten tussen het couplet en het refrein, chorus en couplet, couplet en outro, refrein en brug, enz. Dit deel vereist veel focus omdat het meestal een beetje anders wordt gespeeld dan de rest van de sectie. Voor de drummer is het meestal een tom of snare roll in de volgende sectie, maar tenzij het een build is, zullen de meeste spelers die niet ervaren zijn in het opnemen soms zomaar iets over de rol spelen. Dit zal niet werken, want je zult merken dat een ommekeer een precieze lijn vereist die gespeeld moet worden om strak te blijven bij de drums.
Elk nummer heeft het perfecte tempo nodig om te grooven. Een van de dingen die we vroeg ontdekken bij het maken van platen, is dat slechts een enkele BPM (beat per minuut) een groot verschil kan maken in hoe een nummer aanvoelt. Gewoon een beetje traag en het nummer lijkt te slepen; een beetje snel en het voelt ongemakkelijk of wordt moeilijk om te spelen. Daarom is het erg belangrijk dat je de ideale BPM van het nummer vaststelt voordat je het opneemt.
Hoe goed preproducties ook lijken te gaan, het is erg belangrijk om een demo-demo te maken, bij voorkeur ergens anders dan je oefenruimte, omdat je nooit echt weet wat een speler speelt tot hij is opgenomen. Het is ook belangrijk om de band uit de veilige en comfortabele oefenomgeving te halen, zodat ze weten dat wanneer dingen in een nieuwe omgeving anders lijken (zoals ze zullen zijn), het niet per se negatief hoeft te zijn.
De preproductiedemo hoeft niet duur te zijn en hoeft niet veel tijd in beslag te nemen. Sterker nog, hoe goedkoper en sneller, hoe beter. Wat je probeert te leren is hoe goed iedereen samen speelt en of de arrangementen en songstructuren echt werken, dus een paar passes van elk nummer is alles wat nodig is, tenzij er een groot treinwrak is. Prestatiefouten zijn goed, zolang je de volledige vorm van het nummer kunt horen, en maak je geen zorgen over overdubs of gelaagdheid, behalve een snelle doorloop om een idee te bekijken. Perfectie is niet het doel van de demo, informatie over de structuur van het nummer, arrangement en individuele onderdelen is dat wel.
Na het luisteren naar de opname (zelfs tijdens het luisteren naar playbacks tijdens het opnemen), zou het duidelijk moeten zijn wat moet worden hersteld of verbeterd, wat zou moeten plaatsvinden tijdens een nieuwe ronde van repetities. Het helpt ook de spelers als ze horen wat ze tegen iedereen spelen. Het is niet ongewoon om tijdens een playback commentaar te horen als: "Ik wist niet dat je het zo speelde".
Het idee achter dit alles is om de onderdelen naar beneden te krijgen, zodat de echte opname efficiënt en zonder verrassingen wordt gedaan en de spelers zich alleen op hun uitvoeringen hoeven te concentreren in plaats van nieuwe onderdelen te leren. Vaak, tegen de tijd dat een speler het nieuwe deel in de studio leert, heeft zijn uitvoering zoveel geleden dat er een extra sessie nodig was om een geweldige prestatie neer te zetten. Preproduction elimineert dat hopelijk.
In de volgende post zullen we een kijkje nemen bij het werken met een artiest of band in de studio.
Accentsconagua