Share
zijn serie over muziekproductie is gebaseerd op mijn nieuwe boek, The Music Producer's Handbook, waarin ik een aantal basistechnieken van productie zal beschrijven en hopelijk enkele details zal geven over het proces dat een deel van het mysterie wegneemt. Houd er rekening mee dat dit deel van de serie kijkt naar de relatie tussen een producer en een band, of een producer met een artiest met een begeleidingsband of studiomuzikanten. We zullen later in de serie zelfproductie aanpakken.
In deel 3 zullen we kijken naar een van de meest kritische elementen van producer zijn - de beste uitvoeringen krijgen van de artiest en muzikanten.
Het is belangrijk dat een producent een goede interface heeft met de artiest omdat het succes van een project afhankelijk is van een eenvoudige en efficiënte samenwerking. Dat gezegd hebbende, soms is het niet zo eenvoudig om uit te zoeken wie de "artiest" is in een project, zoals je zou denken.
Het is meestal vrij duidelijk wie de artiest (of muzikaal leider van een band) is als het gaat om een record of demodatum, maar er zijn veel andere optredens voor muziekproductie waarbij de artiest een iets andere entiteit is. Als het een jingle-datum is, bijvoorbeeld, kan de componist of iemand van het reclamebureau in hetzelfde licht worden gezien als een artiest, en als het een film- of tv-datum is, de regisseur, producent (en), muziekbeschermer (s) , studio-exs of een van hun vertegenwoordigers moet ook als een kunstenaar worden beschouwd.
Ongeacht het soort project, het is het beste om altijd een rustig, vriendelijk respect voor de kunstenaar te tonen. Tijdens het opnemen, ben je een waardevolle aanwinst voor hun creatieve en zakelijke proces en worden ze meestal beschouwd als een peer en ten hoogste als een ouderfiguur of leraar. Tijdens je tijd bezig met het werkterrein tijdens het maken van de plaat, bewoon je het muzikale, professionele en sociale universum van de kunstenaar als een kruising tussen een geëerde gast en een partner in hun muzikale onderneming.
Als een artiest je eenmaal op muzikaal niveau begint te vertrouwen, kan dat vertrouwen ook overgaan op een persoonlijk niveau. Het is gemakkelijk om een vertrouweling te worden als de intieme band tussen jou (de producent) en de artiest groeit, maar er kan gevaar zijn om te dichtbij te komen. Het is gemakkelijk voor persoonlijke problemen om de muziek in de weg te staan, en hoewel de producent ermee te maken heeft, is het gemakkelijk om de aandacht weg te duwen van de muziek als de producent te persoonlijk betrokken is. Veel producenten zijn voorzichtig om grenzen te stellen zodat ze zich kunnen concentreren op hun werk, en zich alleen kunnen bezig houden met persoonlijke zaken van de kunstenaar als dit een negatieve invloed heeft op de muziek..
Met betrekking tot alle tangentiële interacties die zich tijdens een sessie kunnen voordoen, moet iedereen die met de artiest is verbonden (zoals een echtgenoot, familielid, vriend of vriendin, gast, chauffeur, persoonlijke assistent of staflid) ook een 'artiest' zijn. Hoewel het eenvoudig is om deze mensen te ontslaan als onbelangrijk voor het productieproces, kan het licht behandelen van hen de minachting van de artiest op u neerhalen!
Zelfs als een muzikant zich volledig op zijn gemak voelt in zijn omgeving, zijn er dingen die je kunt doen om hem te helpen zijn prestaties naar een ander niveau te tillen. Tenzij ze al veel studio-ervaring hebben, kunnen de meeste muzikanten erg zelfbewust zijn over wat ze spelen, vooral na het horen van een playback die enkele fouten onthult waarvan ze tot dat moment niet op de hoogte waren. Het is belangrijk dat hun zelfvertrouwen niet vinkt en het is aan jou om dat te voorkomen. Hier zijn een paar trucs die zullen helpen.
Een van de moeilijkste dingen bij het maken van een plaat is proberen een vocalist op te nemen die zich ongemakkelijk voelt. Zelfs een doorgewinterde pro kan soms haar best doen tenzij de omstandigheden precies goed zijn. Overweeg enkele van deze suggesties voor en tijdens een vocale sessie.
Terwijl ervaren studiospelers een geweldige track kunnen knippen zonder een gids of "scratch" vocal, zou bijna elke speler er liever een hebben om tegen te spelen. De vocale gids fungeert niet alleen als een keu voor bepaalde delen van het nummer, maar draagt ook bij aan de groove en het gevoel die een speler helpen om op zijn best te presteren. Een van de andere voordelen is dat de zangeres ook aanwijzingen en herinneringen aan de spelers kan geven naarmate het nummer vordert.
Er zijn geen specifieke regels voor een krasstem. Sommige vocalisten vinden het niet erg om in een vocale cabine te zijn tijdens het uitvoeren van een scratch-vocal, maar bijna alle vocalisten willen alle spelers tijdens een song kunnen zien, omdat ze het niet leuk vinden om zich niet verbonden te voelen met de rest van de band. Als gevolg hiervan zouden veel zangers eigenlijk liever in de kamer zijn met de andere spelers. De scratchtrack zal in die situatie niet zo goed klinken vanwege de lekkage (voornamelijk vanwege lekkage van de drums), maar als het de uitvoering van de band en zanger helpt, is dat wat je wilt doen.
Veel leadzangers, producers en technici kunnen lichtjes krabben, omdat het op een later tijdstip in betere omstandigheden opnieuw wordt gedaan, maar de slimme producer is altijd voorbereid voor het geval er magie gebeurt die niet opnieuw kan worden heroverd. Behandel deze vocal serieus omdat je nooit weet wanneer je bliksem in een fles zou kunnen vangen en het uiteindelijk een blijver wordt.
Er was een tijd in de jaren 70 toen een paar high budget projecten een hele week duurde om het juiste snare drumgeluid te krijgen. Hoewel ze misschien een muzikaal snare-drum nirvana hebben bereikt, moet 99.99999% van de sessies sneller bewegen dan dat, en dat zouden ze moeten doen. Hoe meer tijd u neemt voordat u gaat opnemen, hoe minder tijd u daadwerkelijk aan opnemen besteedt, omdat de aandachtsspanne van de spelers afneemt in verhouding tot de tijd die u besteedt aan het krijgen van geluiden. Hoewel je wilt dat dingen zo goed mogelijk klinken, is een slecht klinkend nummer met een geweldige sfeer veel beter bruikbaar dan een goed opgenomen, maar muzikaal vervelende nummer.
Toch is het krijgen van geluiden een noodzakelijk kwaad bij het opnemen en moet er tenminste een bepaalde hoeveelheid tijd worden uitgetrokken voor de taak. Een goede producer weet wanneer hij verder moet als het te lang duurt en de technicus probeert gewoon de laatste 5% van het geluid in te voeren, of weet wanneer hij moet doorgaan als het geluid echt niet werkt.
Fantastische tracks komen van de focus van de deelnemer en het comfort van de spelers. Hoewel omgevingscomfort nuttig is, zal een speler haar het beste spelen of zingen als ze zichzelf goed en in de juiste verhouding tot de andere spelers of zangers hoort. Daarom is de koptelefoon (ook wel "cue" genoemd) zo belangrijk.
Misschien is het grootste nadeel van een soepele sessie het onvermogen voor spelers om zichzelf comfortabel in de koptelefoon te horen. Dit is een van de redenen waarom ervaren ingenieurs zoveel tijd en aandacht besteden aan de keumix en de telefoons zelf, in plaats van een assistent het te laten doen. In feite is een zeker teken van een studio-neofiet dat de koptelefoon en de cue-mix als een bijzaak worden behandeld, in plaats van zoveel tijd te spenderen als nodig is om ze geweldig te laten klinken. Hoewel het waar is dat een ervaren studiostudio een slechte of vervormde telefoonmix uit de weg kan ruimen en toch goede prestaties levert, maakt een goede "blik" een sessie sneller en gemakkelijker, en neemt een variabele die mogelijk de grootste schade aan een sessie oplevert uit de vergelijking.
Het kliktrack, of opnemen tijdens het luisteren naar een metronoom, is tegenwoordig een feit van het leven geworden in de meeste sessies. Niet alleen klinkt het afspelen op een even tempo beter, maar het maakt knippen en plakken tussen bewerkingen in een DAW mogelijk en eenvoudig. Het hebben van een nummer op basis van een klik maakt ook zaken als vertraging en nagalmtijd gemakkelijker tijdens het mixen.
Met een klik spelen kan echter een aantal problemen opleveren, zoals het lekken van de klik in de microfoons en het feit dat sommige mensen gewoon niet kunnen spelen om hun leven te redden. Dat gezegd hebbende, de meeste spelers van tegenwoordig zijn opgevoed met een klik of een lus, dus het probleem is dan dat de speler meer dan wat dan ook de klik hoort.
Vaak is alleen het leveren van een metronoom in de telefoons niet genoeg. Wat heb je aan een klik als je het niet kunt horen, of nog erger, er niet in kunt grooven? Hier zijn enkele trucjes om de klik niet alleen luisterbaar te maken, maar door de dichtste mixen te snijden en een ander instrument in de track te lijken.
Om de beste prestaties te krijgen, moet je de spelers constant gefocust houden, en de beste manier om dat te doen, is dat een producer de sessie goed beheert.
Door de spelers naar de controlekamer te brengen om naar een playback te luisteren, kan dit disruptief zijn of worden gebruikt om het momentum van de sessie strategisch te ondersteunen. Als de spelers na elke take naar een playback luisteren, vertraagt de energie als de spelers de controlekamer in gaan en daarna weer teruggaan. Zelfs als de spelers via hun telefoon naar een weergave luisteren, kan het momentum worden verstoord. Het duurt meestal een minuut of twee voordat ze weer comfortabel zijn, waardoor je verder weg kunt van de perfecte opname in plaats van dichterbij.
Een van de beste manieren om uw punt over te brengen en toch de energie hoog te houden, is om selectief te zijn op de afspeelruimtes in de regelkamer. Het is meestal het beste om de spelers binnen te brengen voor een luisterbeurt nadat het eerste paar is genomen en iedereen is op het punt waar ze zich prettig voelen bij het geluid en de studio. Op dat moment kunnen ze een referentiepunt krijgen voor waar ze nu zijn en waar ze naartoe moeten gaan. Breng ze niet terug naar de controlekamer totdat ze hebben wat een keeper zou kunnen hebben, of als een ander luisteren hen helpt iets beters te spelen. Minder uitstapjes naar de controlekamer zullen helpen om de energie hoog te houden en het momentum naar voren te laten komen.
Een van de beste mogelijkheden voor een producent om te ontwikkelen, is bepalen wanneer het tijd is om een pauze te nemen. Soms kan een pauze van tien minuten nieuwe energie in een vlaggende sessie pompen, zodat de producent altijd de vinger aan de pols van de spelers moet houden om hun concentratie te peilen. Het gevaar is dat je even pauze zult nemen als de spelers in een groef komen en het moeilijk zal zijn om het na de pauze terug te krijgen, maar meestal zullen de spelers je vertellen dat ze door willen gaan of ze zullen doorgaan bevestigen dat een pauze ook nodig is. Het is meestal het beste om een break minstens om de drie uur of zo te zien, afhankelijk van hoe de sessie vordert.
Dinerpauzes kunnen gevaarlijk zijn omdat ze voorzichtig moeten worden behandeld, zodat je de spelers achteraf weer in een groef kunt krijgen. Als de pauze te lang is, kan het even lang duren voordat de spelers hun aandacht terug krijgen. Hetzelfde geldt als je ze de studio laat verlaten om ergens anders te gaan eten. Daarom is het altijd beter om voedsel binnen te laten. Een van de grootste problemen om je voor te beschermen is een grote maaltijd, omdat een normale spijsvertering het vermogen van de speler natuurlijk vertraagt. om zich daarna te concentreren. Houd de maaltijd kort, de porties klein en sta absoluut geen alcohol toe, zodat iedereen fris blijft en de sessie op het juiste spoor blijft.
In de tijd dat de meeste muziek in commerciële studio's werd opgenomen, draaide alles om de 12-uur durende 'lock-out'. Dit betekent dat terwijl je maar 12 uur wordt opgeladen, niemand anders de studio kan gebruiken voor de andere 12 dus allemaal de uitrusting van de muzikant en de uitrusting in de controlekamer kan ingesteld blijven.
Nu 87% van de muziek afkomstig is van persoonlijke studio's, is het niet zo belangrijk om op te stellen, maar de mentaliteit die je kunt spelen zolang je wilt, kan feitelijk zwaar op het bewustzijn van de sessie spelen. Als je voor een 12-urige dag in een commerciële studio betaalt, is het niet ongebruikelijk om elke minuut de moeite waard te willen zijn door lang in de studio te blijven tot het burn-out-punt. Dit kan als geheel contraproductief zijn, omdat de burn-out de neiging heeft om iedereen op alle volgende opnamedagen daarna in te halen, waardoor het steeds moeilijker wordt om zich te concentreren en de bruikbare tijd in de studio korter en korter te maken. Als je niet voor de tijd betaalt, is het gemakkelijk om laks te worden over de tijd en ver voorbij het punt van productief werk te blijven.
Studio-professionals hebben geconstateerd dat het het beste is om de dagen naar een redelijke 8 of 9 uur te houden, maar passeer dat als je echt dichtbij iets groots bent en iedereen wil doorgaan, of een deadline doemt op. Een van de belangrijkste taken van de producent is het detecteren wanneer het burn-out-punt is bereikt en op dat moment een einde aan de sessie maken.
Weten wanneer je de keeperstracks hebt die je nodig hebt om een geweldig record te maken, is een van de moeilijkere beoordelingen voor een producer. Tijdens basistracking is het ultieme een onberispelijke prestatie met een geweldige groove en veel gevoel, maar het bereiken van alle drie de attributen is erg ongrijpbaar. Weet dat als je genoeg tijd en genoeg neemt, de perfecte take binnen handbereik ligt. Het is niet ongebruikelijk om tientallen takes te doen totdat de perfecte verschijnt (Jimi Hendrix's landmark All Along The Watchtower was Take # 28).
Maar soms is het het beste om dat te bepalen, terwijl het nummer niet perfect is, heb je genoeg om mee te werken. Kun je verschillende takes knippen en plakken om te krijgen wat je nodig hebt? Moet je doorgaan naar een ander nummer en later terugkeren naar dit nummer voor een nieuwe poging? Nogmaals, degene die je betaalt zal hun behoeften hebben gedicteerd voordat je zelfs bent begonnen met het traceren. Als het je taak is om een aantal nummers binnen een bepaalde periode af te krijgen, dan moet je misschien een aantal uitvoeringen afhandelen om aan de deadline te voldoen. Als het uw taak is om het best mogelijke product te krijgen, kunt u het tijdschema en het budget buiten het venster gooien.
Hoe dan ook, het volgen van de basis kan in een paar uur voorbij zijn (zoals in het geval van een rechttoe rechtaan jazzproject) of kan maanden of zelfs jaren doorgaan (zoals een legale band met een groot budget), maar het is aan de producent om de oproep te doen dat de missie om precies vast te leggen wat nodig is voor deze fase van opname is volbracht.
Volgende maand zullen we kijken naar het proces van overdubben.
Accentsconagua